María Daniela y su Sonido Laser en el Play potosino

Una propuesta que va más hacia el desenfado mismo de la música bailable, llega con su frecura de la regia María Daniela y su Sonido Lasser, este 01 de Noviembre en el antro Play en la avenida principal de esta tierra de la tuna y el nopal, Av. Venustiano Carranza, asi que no queda más que disfrutar de esta bailable y popera música hecha en México.

Desde el año 2001, Sonido Lasser, creado por Emilio Acevedo en la Ciudad de Mexico, explorando el sonido de la música bailable edita "Pontiac Firebird 83'". Buscando talento y encontrándolo en sus amigas poco después se incorpora en el proyecto la guapísima Maria Daniela, como diversión, comenzando con un cover del grupo Aerolíneas Federales "No me beses en los labios". Después el tema original "Súper Vacaciones" que es parte del soundtrack de la película "Coapa Heights" de Gibrán Asuad. Viendo que esto era divertido componen "Miedo" a partir de una cumbia electrónica de Sonido Lasser... tras el éxito obtenido al menos con sus amigos y tras llegar de su "World domination tour" en Europa y EU con Nuevos Ricos, nace lo que hoy se denomina "Maria Daniela y su Sonido Lasser" que se podría definir como Pop Electrónico para las pistas de baile, aunque el sonido más bien continúa la saga del High Energy Mexicano.Ahora (¡¡¡por fin!!!) presentan su primera producción que llamada Maria Daniela y su Sonido Lasser que incluye 11 éxitos!!! bajo el sello Nuevos Ricos.

Fusión electro-rock de los hidrocálidos “Sayonara” en el Brixton S.L.P.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una banda que converge más la amistad de amigos, antes que ser un integrante de Sayonara, somos más amigos, de aquí que nos juntamos más por hacer música, convivir, mas que pensar que vamos a hacer famosos.
En cuanto a su propuesta musical que va encaminada a la fusión de la música electrónica con lo experimental comentaron que en cuanto a lo experimental es “porque de repente utilizamos instrumentos y buscamos generar nuevos conceptos, de ahí que se conjunta la fusión del rock y lo electrónico”.
SAYONARA se presentó por primera vez y con muy buen talante en el Brixton Pub- S.L.P. al poner a disposición sus rolas a los potosinos, que van encaminadas a la fusión electro-rock.
Esta banda hidrocálida tiene ya en su haber una primera producción” Shareware” que transita en ese momento en la música electrónica bajo el formato de house tecno, pero afortunadamente en esta nueva etapa de la banda han encontrado e incorporado a una cantante fugada de Zacatecas-Susan Ávila-, siendo de esta forma, que sus ultimas rolas hechas ya tienen letras y temática.
A pesar de todo lo que implica el incluir letras, Sayonara no buscan meterse en problemas y ser clavado en ciertos temas, de ahí que su prioridad e interesa es que suenen bien.
En cuanto al hacer música honesta y de corazón comentaron “se nota desde que nos subimos al sound check, esta la amistad. Si no eres amigo, no eres parte de Sayonara.”
Al ser participes del compilado “Antojitos mexicanos” que reúne a bandas de rock del orbe nacional señalaron que participaron con una rola “Ratones chillones”, todavía bajo el formato del house tecno, pero aclararon que en esta nueva etapa, ya como una banda de rock y con un sonido más de banda pero aun así sonamos electrónicos”.
Si fueran un antojito mexicano ¿Cuál serían? Una divertida elección entre gorditas, tlacoyos, pambazos, romeritos, memelas y enchiladas de unos divertidos integrantes; José Funk, Israel Noise, Susan Ávila y Arturo Sepúlveda.
En cuanto al hablar de un detonante de bandas en Aguascalientes, es más bien referirnos a una constante emersión de bandas. A lo que señalaron que desde la primera explosión roquera, se han destacado las bandas: Explosión Nociva, La José Alfreda, Mesías y muchas más. Pero “Lo que falta mas bien es apoyo y un apoyo como este- en relación al brindado por los Brixton- ya que la gente esta entendiendo lo que es el rock, se aburrió de lo grupero o piensa a pensar más”.
Creemos también lo que nos ha ayudado a muchas bandas es el internet para que realmente se de cuenta la gente que no mas solamente en Zacatecas, San Luis Potosí o Aguascalientes solamente hay gruperos”.
A pesar del apoyo selectivo hacia algunas bandas por parte del Instituto de la Juventud en Aguascalientes, subrayo la importancia de la gente-bandas- que ya aprendieron a hacer sus propios medios, por ejemplo “antes dependíamos mucho de lo que nos diera las instituciones culturales. Ahora ya aprendimos que hay que fregarle y así como generar espacios, espectáculos y generar dinero para el auto financiamiento de las bandas”.
Para Sayonara no ha impedimento para tocarles a chavitos fresas, hasta los más roqueros y metaleros. Pero aun así a la gente le gusta su propuesta, “ya que cuando hay música de calidad, siempre busca un buen concepto y siempre te apoyo, eso cualquier banda se hace donde sea.”
Comentaron que participaron en un nuevo acoplado de bandas del D.F., Guadalajara, Monterrey y Aguascalientes, con dos rolas nuevas que es Sayonara, así como esperan sacar su tercera producción discográfica el próximo año.
En cuanto a lo que significa para los integrantes de la banda originaria de Aguascalientes el cantautor Armando Palomas,” afirmaron es un roquero autoexiliado, que siempre ha dicho que el rock apesta, aunque salio de Aguascalientes”.
Además de ser una de las personas más respetables, “porque él ha hecho y construyó su escena, se sigue moviéndose con su lana, no necesitó de un Instituto de Cultura de Gobierno o privado. Pero gracias a su esfuerzo a llegado hasta donde ha llegado”concluyen.
Entre las bandas hidrocálidas que recomiendan figuran: Psicophono, El Azote, Gibón, Doberman Blues, así como banda muy buenas y de calidad, integrado por chavitos como Huster y muchas bandas más que están tocando.
Para mayor información de la banda, pueden checar www.myspace.com/israelnoise

Presentación de su CD “Sentimientos Comunes” del grupo Axtla.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

A pesar de ser una noche fría, no fue impedimento para que el grupo Axtla, bajo la dirección del maestro José Luis Soto Fraga, ofrecieran un emotivo recital, por motivo de la presentación de su CD “Sentimientos Comunes” en el Patio del Edificio Central de Nuestra Alma Mater.
Con más de dos décadas del taller de Música Popular Axila en su haber, ha logrado un fructífero proceso de madurez del mismo, bajo la tutela del Mtro. Soto Fraga, al preservar la magia y su madurez interpretativa que se trasmina a través del corte musical latinoamericano, el cual aun sigue siendo muy atractivo para los integrantes que conforman la comunidad estudiantil universitaria.
Un recorrido musical y de canto de América Latina, al transitar desde nuestra música, para pasar por la cubana y asentar sus reales en lo sudamericano. Ya que es música que compartimos la misma historia, los mismos pesares, las mismas ilusiones y las mismas adversidades. Pero también compartimos el gusto por la música como catalizador inmejorable de nuestras penas.
Se destaca la participación de los invitados especiales, desde la exquisitez musical del guitarrista Crescencio Lucio en las piezas Exiliada del Sur, que con su calidez se nos olvida el frío, el sentimiento pleno del pianista Alfonso Delgado Oviedo en Lucha Tucumana y Alfonsina y el Mar en conjunción con la bailarina Valeria Velés, la bailarina Angela Marisa Mungía Torres en La Bruja-integrantes de Unidanza Contemporánea, así como bailarines del grupo Blanco y Negro en “Lágrimas Negras y Reina Cubana” , Carolina Foyo y Ing. Felipe Cárdenas como presentadores.
Para terminar esta calida noche musical a pesar del pertinente frío, interpretaron “Soy del Pueblo” de Carlos Puebla y como una petición y agradecimiento a la vez del respetable que se dio en buena cita interpretaron un sabrosón “Juan Tanamera.”
De esta forma agradecieron sus integrantes: Hilda Karina Pérez Ríos, Ricardo Orta Rodríguez, Eduardo Rodríguez Aguilar, Arturo Loera Rivera, Adrián Gerardo López Contreras, Omar Guillermo Valera Alemán y Gerardo Guillermo Almendárez Mireles, bajo la dirección artística y musical del maestro José Luis Soto Fraga.
Siendo “Sentimientos Comunes” su segunda grabación, “ya que la primera se hizo en 1994, pero fue un poquito más artesanal, con elementos técnicos de la misma universidad, en donde este disco se hizo más serio, en un estudio de grabación formal, con un apoyo mejor; de ahí que afortunadamente salieron mejor las cosas”, comenta su director.
En cuanto a la selección del repertorio de Sentimientos Comunes se baso en escoger lo más representativo de los años setentas, piezas como: “Duerme Angelito” y “Luna Tucumana”, “Alfonsina y el mar”, “La exiliada del Sur”, “Lágrimas Negras”, “Tinkú”, “La Muralla”, sin olvidar “la Bruja” y “El Balajú.”
Es “algo que estaba por ahí y que no se escuchaba, que en su momento -los años 60´s- fueron grabados por sus originales, Atahualpa Yupanqui, Violeta Parra, y ahora nosotros los adoptamos a nuestra instrumentación y otra rítmica”.
Gracias a su reciente disco ha detonado en el grupo Axtla para ir armando su tercer disco, “que ya pronto estaremos trabajando en ello” destacó Soto Fraga.
Aunque enfatizó que hasta el momento no se han incluir temas propios de la agrupación universitaria, debido al no contar actualmente entre sus integrantes con este talento, pero lo aliciente es que acaba de entrar un integrante, “él si tiene buen talento para la pluma, entonces vamos a experimentar con su poesía, para empezar a ponerle música”.
Con 12 años de interpretar música latinoamericana, su vocalista Hilda Karina Pérez Ríos, reconoció que a pesar de no ser música de su generación, mas sí de sus maestros, le han sabido transmitir lo bueno y lo importante del aprendizaje de esta música que es nuestra raíz finalmente, de ahí que sea el trabajo que hace Axtla.
En cuanto a lo que significa ser parte del Grupo Axtla comento es algo muy importante, “porque es una cuestión para la mayoría de los artistas más espiritual, más bien una cosa que te llena en tu sensibilidad, de lo que uno quiere hacer verdaderamente. De ahí que para mi sea sorprendente haber encontrado después de viajar por varios estados de la república, encontrar un grupo universitario que se dedique a interpretar la música latinoamericana. Fue como un encuentro, como el título de este disco” comenta.
Una producción realizada por la Universidad Autónoma Potosina y la Secretaría de Cultura del Estado de San Luis Potosí.
Un evento realizado por la división de Difusión Cultural y la Dirección de Arte y Cultura de la U.A.S.L.P.

Nuevamente el reggae de Ganja en San Luis Potosí

Nuevamente por tierras potosinas, una noche jamaicana pero con textura y sabor mexicano, al presentarse una de las más importantes bandas de reggae nacional, Ganja, quienes compartirán el escenario con la mejor banda de reggae potosina "Patchamama", asi como la pujante "Livity" y Pablo Rahim en las selecter consolas, quien amenizara toda la noche con lo mejor del reggae en español.
No olvides que gracias a este tipo de eventos, sigues apoyando a la escena local.
Asi que no puedes dejar de ser parte de esta noche tan especial en La Santa, Escobedo 125, a un costado de la Plaza del Carmen, en el Centro Histórico.
Para mejor información checa el flyer.

El cantautor Rafael Mendoza este 15 de Noviembre en la Querencia.

Rafael Mendoza es un compositor que suena a nuestro tiempo. Sus canciones se acercan a los diferentes géneros de la música popular del mundo, y su cercanía con la canción mexicana es profunda.
Quien sin mas se presenta nuevamente por estas tierras del Tunal Grande, este 15 de Noviembre a las 21:30 horas en la Querencia, que se encuentra en Av. Carranza 485, en nuestro Centro Histórico o más información comunicarse al 151-79-99.
Así que no falte a esta cita para disfrutar esta noche de cantautores, quien podrá deleitarse con ese interesante tránsito de la canción e indagara afanosamente en sus bellas y bien cuidadas letras que integran su discografía conformada por MENDOZA Y MACONDO (1987), ¿QUÉ ME PASA? (1997), FIN DE SIGLO (1999) y ESTA LOCURA (2003), así como una peculiar forma de interpretar exquisitamente boleros y demás.
La invitación esta hecha, solamente falta que sea parte de esta locura que compartirá en este esplendido espacio y a la vez sea parte de este viaje musical y locura del cantautor defeño Rafael Mendoza.
Ahí te esperamos…

Presentó su nuevo disco “Plural Espejo”, el trovador Yahir Duran.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

A pesar de su caída fortutita en la trova y estar más inclinado hacia lo popular, el compositor oriundo de Topolobampo en el estado de Sinaloa Yahir Duran.
Se ha consolidado como una de las jóvenes voces detonantes de la canción mexicana contemporánea, quien se ha consolidado por su calidad letrística como musical.
Desde su confín del mundo, actualmente radicado en Guadalajara, visita estas tierras de la Tuna y el Nopal, para presentar su más reciente producción discográfica “ Plural espejo” que reúne 17 canciones de su autoría.
El cual fue presentado en la Querencia, que se encuentra en el Centro Histórico potosino, al compartir su canciones con el público gustoso de la trova, así como también compartir el escenario con sus amigos en el infaltable palomazo; Carlos “Carlitos” Hernández, Darío y Toño Parga, quienes interpretaron rolas de sus autorías.
Un artista que se ha alejado de la farándula, modas y sonsonetes, quien mas bien intenta, busca, se atreve y vuelve a intentar ser propositivo.
Yahir Duran, un apasionado de cantar e interpretar no solamente sus canciones, sino aquellas que le muevan lo sentido a través de la poesía hecha canciones. Sin olvidar de hacerle un sencillo homenaje a Gabilondo Soler, por sus cien años de natalicio.
Así como también invitó el autor de los discos “Disímbolos”, “Acerca de soñar” y “Una cascarita en directo” al público a ser partícipes de esta fiesta, al interpretar sus canciones bajo el formato de la música ranchera como guapachosa; desde la imitación vocal de un acordeón, hasta los metales de una banda sinaloense o hasta un poco de rap.
Mas de dos horas de concierto que fluyeron en si mismas, gracias a aquel muchacho que salió del puerto un día, guitarra en mano, aunque con más años y más canciones para cantarles.
Una noche muy agradable, una avenida Carranza que empezaba a convulsionarse su perenne tranquilidad por aquellos adeptos a la vida nocturna, con su ruidoso andar y su acelerado vaivén de la moda.
Sentados en las cómodas bancas de esta principal avenida, tuvimos esta deliciosa charla con un relajado y animoso amigo, Yahir Duran y esto fue lo que nos comento:
¿Cuál ha sido el detonante de tu última producción discográfica independiente “ Plural espejo”?.
YAHIR DURAN(YD). ”Es un retorno a toda mis raíces, que viene a resumir todo lo que soy hasta esta edad, porque hay que seguir creciendo y haciendo música. Pero lo considero como una forma multiforme de espejarse en la niñez, espejearse en la soledad, en lo festivo y en el folclor.
Aunque sigo hurgando en este tipo de eclecticismo, pero ahora se da en cosas más concretas de la vida que me están pasando”.
Así como le gusta asumir riesgos al compositor sinaloense. “Plural espejo” es un disco conceptual e independiente, quizás sea largo al contener 17 canciones, pero no le gusta estereotiparse de tener que ser de 12 a 14 canciones, además de que puede oírse de hilo de principio a fin, así como “el poder comer de mi propia horgaza, ahora me toca a mí”.
Ha cambiado tu concepción de hacedor de canciones.
YD: Me ha costado. No ha sido fortuito, ha venido habiendo un ajuste, el cual habla mas de cosas que nos atañe mas de la vida misma, la influencia que me deja el desazón, el sazón que me deja la vida, cualquier circunstancia, amorío, desamor.
Si ha cambiado porque creo que las canciones ahora pueden ser mas adaptables a cualquier vestidura de cualquier otra persona, son trajes hechos a la medida y sino le queda ese saco se lo podemos remendar un poquito para que pueda ajustarse.
En referencia al “hacer lo que me toca hablar” enfatizo que el artista no se preconcibe, no se prefabrica. “El verdadero artista que yo concibo es el que hace lo que le toca, que es el hacer del quehacer de saber lo que se esta sabiendo en el momento, saber del momento, del instante y saber de todo lo que esta pasando”.
Abundó que “Bajo estas circunstancias hacer lo que me toca es asumir como dirían los católicos o los religiosos el ministerio de vida o tu misión en la vida que es cantar a las cosas, a lo trivial, ir haciendo pinceladas minuciosas de cada instante que te toca vivir”.
Mas que ser un tipo de juglería es más bien como “un cronista caleidoscópico, en cuanto a la forma diversa y geométrica que es cambiante, es la que te dice que hagas crónica de adentro, hagas crónica para tus adentros y lo exteriorices; una introspección sempiterna y también una forma de jugar con esos balances que siempre me ha gustado estarlo manejando de la trivialidad y la profundidad”.
Aunque sigue trabajando el taller literario de Ricardo Yáñez en el oriundo de Topolobampo, aclaro que “aunque ya no tenemos esa dependencia artística, seguimos teniendo un vínculo muy cercano que ha sido lo que me ha mostrado. El día que yo crea que nací por generación espontánea, ese día voy a dejar de ser una persona que agradece a los demás”.
En ese sentido, “No soy de una generación espontánea, sino he venido una consecuencia de… y esa consecuencia mas importante y fundamentales ha sido el taller de Ricardo Yáñez, aunque trabajamos muy esporádicamente, aunque se tiene esa cercanía entrañable mas no de trabajo, pero una cuestión sana, pero aun así como son las cosas, en cada disco sigo poniendo una canción del poeta jalisciense”.
En un momento de tu vida tocabas rolas de compositores que te movían o te identificabas con ellas, ahora ¿Qué pasa con Yahir Duran que noveles compositores o cantantes toquen tus canciones?, ¿Un reto, un compromiso o un halago?.
YD. Es como parte de una consecuencia o justicia de la vida, pero de verdad no se si ponerme orgulloso o llorar de tener esta responsabilidad. Se que muchos chavos tienen mi influencia a nivel país, que no mas no solamente soy yo lo que venimos haciendo escuela, sino que estamos generando que los chavos busquen su voz propia.
De mi generación podemos hablar de Mauricio Díaz “El hueso”, Juan Pablo Villa, así como una generación que no tiene nada que pedirnos que se llama David Aguilar, Kevin García, son unos chavos con una creatividad y tienen tantos ramilletes a su alrededor que hay tanto fruto de que cortar que nosotros teníamos poquitas referencias y trabajamos con estas referencias.
También comentó que ahora nosotros somos referentes de muchos, no se si sea por obra de calidad o por obra de la terquedad, pero ahí esta ese fenómeno que solamente me toca agradecer y ala vez ponerme a temblar ante ellos-una risa nerviosa-
Determino que este 2007 ha sido un año muy fructífero, al ser éste en donde mas ha tocado. Un constante periplo de difundir su voz y espejearse con su público.
Al consignar que tiene dos tierras; Topolobampo y Guadalajara, corroboró que la primera es un lugar que ya nadie frena lo que me quiere la raza, es importantísimo lo que ahí esta pasando; ya van tres conciertos consecutivos, donde metemos a 600 gentes a la orilla del mar y por lo menos la gente se sabe una canción, me la piden o las corean algunas canciones.
En cuanto a Guadalajara (GDL) comentó que se ha dado un fenómeno de que se ha alejado un poco de la ciudad porque esta tocando más fuera. “No soy profeta en esta tierra pero todo se por añadidura. Ahora yo me invento los espacios, ya no voy a tocar a peñas, sino a cosas más importantes como son las universidades, parques o la Feria de Octubre”.
De ahí que tenga una relación entrañable y distante con GDL, como diría Joaquín Sabinas; “Todas las ciudades se llaman ansiedad”, y en todas estas ansiedades le gusta de ella para vivir, además “para tener mis hijos, mi esposa, irme a tomar un tejuino el domingo, irme a comer una torta ahogada, pero es poco con lo que nos movemos culturalmente ahí”.
Para finalizar, podemos encontrar temas que va cambiando el autor para que la gente escuche de su nuevo disco, además de las fotos, así como una reseña, que más bien es una plática muy de camaradas con el público, en el siguiente sitio: http://www.myspace.com/yahirduran.com
Postdata: Un fraterno agradecimiento a Yahir Durán, así como al equipo que integra “La Querencia” y amigos por las facilidades para estar en este concierto.

Toda una tradición con la banda más antigua de México; la banda Tlayacapan.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

Solamente basto la conexión espiritual que debe darse entre los músicos y el propio pueblo, para disfrutar del repertorio de la Banda Tlayacapan, al presentarse, como parte de las actividades de la última edición de la Muestra de Folclore y Artes Tradicionales que organiza el H. Ayuntamiento de San Luis Potosí.
Un público potosino que estuvo muy atento en escuchar y disfrutar un rico recorrido de música tradicional, matizado por los estilos de bandas de Guerrero, Morelos, Michoacán y del norte del país, así como los diferentes géneros interpretados esta noche por “la banda más antigua de México” en la Plaza de Fundadores del Centro Histórico potosino.
Al hablar de la Banda Tlayapacan nos remite a una gran tradición o al compromiso.
Cornelio Santa María Pedraza, director de la banda comento que “Son ambas cosas.Un peso de que no ha sido fácil sostener esta tradición por mas de tres siglos”.
Una banda que surge en 1870, la cual ha sobrepasado el transcurso de sexenios, movimientos sociales, políticos y modas, pero la banda sigue vivita en la tradición de los pueblos compartiendo su música en diferentes espacios.
Añadió que “Ahora en el siglo XXI, no ha sido fácil sostener una tradición a pesar de las adversidades, pero aquí estamos, seguimos sosteniéndonos en la tradición de la magia de los pueblos en sus fiestas patronales, en sus jaripeos, sus tradiciones, sus mayordomías, sus atrios, sus kioscos, sus desfiles cívicos y sus festivales.”
Fieles sostenedores de una tradición muy importante en nuestro México, el cual les llena de satisfacción y orgullo, a pesar de saber que esta banda ser de un pueblito, con toda humildad les significa estar arrinconados al norte del Estado de Morelos; pero es una banda que ha logrado trascender mas allá de nuestra propia región, nuestro país y a distintas partes del mundo.
En cuanto al que voltear al remirarnos con nuestros propios ojos, ¿Qué tan difícil ha sido para la banda Tlayacapan?.
CSMP: El beneficio de los festivales culturales que se realizan en el país, es precisamente lo que nos permiten estar los músicos tradicionales con el pueblo y eso parece que genera una reflexión profunda sobre los significados de la música tradicional”.
Enfatizo que la música no esta reñida con el concepto de creatividad, pero si con el espíritu, porque nos remite la suma importancia en el sentido de sostener la música tradicional, los sones y así como las expresiones de las diferentes regiones culturales del país.
Así mismo y al señalar que” la música genera identidad, y al tener un concepto muy claro de la identidad nos provoca un sentimiento de amor hacia nuestra tierra y a saber respetar las diferencias en esa pluralidad cultural”.
De ahí la importancia de su participación en los festivales y sobre todo en la asistencia de la gente, “para que nos demos cuenta a través de estos eventos de la pluralidad de la que goza y se privilegia el ser humano que es esto, el folclore, la raíz y sus tradiciones. Así como también fortalecer los lazos de unidad de la especie humana”.
Siempre en la constante revitalización en la banda.
ASMP: Sabiamente en el seno de esta banda la clave ha sido incorporar niños desde muy temprana edad. Yo empecé a tocar a los siete años. Nos llevamos cuatro o cinco años para que aprenda a leer lo básico en la musica, para después cinco o seis años para incorporarlo poco a poco para que vaya sintiendo el amor a la música.
Pero lo general casi la mayoría de los jóvenes de Tlayacapan, desde niños ingresan o piden permiso para aprender, al dársele esta oportunidad, aunque sea han dado poco los casos de que no han sido incorporados a esta tradición. Claro, con las naturales deserciones como son por haberse ido a estudiar a otras partes, se han casado o, irse a vivir a otra parte, pero la clave ha estado en que hemos incorporado a los propios nietos, sobrinos de los propios músicos, de manera que esta banda se ha sostenido porque tiene una columna vertebral-núcleo central- centrado en la propia familia, por eso nos hemos sostenido 135 años permanentemente. Por eso decimos que somos “La banda más antigua del país”.
Además no solamente les enseñamos a tocar un instrumento, sino también la filosofía que nutre y alimenta esta banda, los que nos han enseñado los viejos abuelos, esos valores musicales que están vinculados con la expresión de la cultura de nuestra comunidad, de manera que tenemos en nuestro sentimiento un arraigo muy fuerte en la tradición a través de las interpretaciones que hacemos de los sones, danzones, paso dobles, fantasías, polkas. De ahí que no aburre, al tener una diversidad que gusta por su sentimiento profundo, su espiritualidad es lo que le llega al público.
Destaco el director que su propuesta musical no es el clásico estilo de las bandas del Pacifico mexicano, de Sinaloa, Jalisco y Colima, que ya ha invadido el sentimiento de distintos pueblos del interior del país, a través de una fuerte jerga colectiva de la radio comercial y la televisión.
“No es una lucha entre bandas, en cambio nosotros si sostenemos los valores espirituales que tiene la música tradicional de los pueblos, no la comercial, no la criticamos, no la despreciamos, pero si somos los sostenedores de esta expresión que para nosotros significa más bien una responsabilidad y un privilegio a la vez” comento.
Se sigue revalorizando o rescatando en su caso la música tradicional de Morelos.
CSMP: Sí, afortunadamente hay mas de trescientos festivales en el país y eso nos permite difundir los valores auténticos de la música de bandas, por eso apreciamos mucho estos festivales, porque son los foros que permite conectarnos con las comunidades y no todo los grupos musicales o bandas nos interesa la difusión por sentimientos de mercadotecnia, nos interesa difundir los valores que encierra esta expresión musical, valorar y revalorar lo que significa en la vida colectiva de los pueblos.
Aunque resalto los pocos compositores en Morelos, “lo cual es un problema, ya que no se puede generar un repertorio fresco, siendo también parte de un problema que se suscita a nivel nacional”.
Señalo que una de las posibles soluciones a lo anterior, son los concursos de bandas que se realizaban en Michoacán, en cual se les proponía que las bandas interpretarán nuevas melodías, se premiaba y se reconocía a los compositores indígenas Purépechas. Se esta muriendo los viejos abuelos y eso nos preocupa, porque las instituciones gubernamentales de promover el arte y la cultura deberían de rescatar la producción musical o buscar los espacios para la producción y creatividad de los compositores de nuestro país.
¿Qué le falta por caminar a la banda Tlayacapan?
CSMP: Fíjate que estamos satisfechos porque hemos logrado mucho en cuanto a lograr la difusión de nuestra música por el país, en distintos foros internacionales muy importantes.
Yo creo que la aspiración es seguir sosteniendo esta tradición y seguirla compartiendo con el pueblo de México y del Mundo. Mientras los pueblos sigan respetando y valorando lo que significa la música tradicional, aquí estaremos nosotros.
Para mayor información de la banda pueden contactarlos en.bandatlayacapan@hotmail.com.

Soft rock desde tierras hidrocálidas: Psicophono

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Desde Aguascalientes, la banda “Psicophono” descargo su energía a través de un sutil rock and roll bien hecho, en su primera visita a tierras potosinas versus El Wakamole restaurante- bar.
Sin más formo parte de la sutil invasión hidrocálida a tierras huachichilas, al tocar la banda electrónica-experimental de Sayonara en el Brixton-pub.
Una de las claras pautas del Wakamole es brindar un foro de exposición para bandas locales. En esta ocasión le toco compartir el escenario con el grupo invitado a Los Mustangs, quienes por cierto por ahí ya tienen en su haber un demo, fruto de su triunfo en el concurso de bandas Emo, organizado por el Instituto Potosino de la Juventud.
Una propuesta hidrocálida que gira en el rock and roll de aliento ingles, siempre en la búsqueda de hacer música sincera y que sean del gusto de la gente a través de unas rolas bastante escuchables.
En son de broma comentan que ya han superado el ciclo de vida de las bandas hidrocálidas, al estar conformada su alineación base desde el 2004, siendo su alineación actual lleva tres meses.
Una de las principales prioridades de Psicophono es hacer música, “antes de vivir de esto es algo que disfrutamos, pero realmente si vivimos de este proyecto, pero en el sentido emocional y espiritual, sin hacer dejo de depender de él a mediano plazo”.
En cuanto a la recepción de su primer disco homónimo, no solamente en Aguascalientes han tenido buenas respuestas, el cual ha permeado en los diferentes estratos y núcleos de la sociedad, “ya que contiene canciones buenas que la gente de cualquier estatus se pueden relacionar”.
Un disco que refleja el sentir de la banda, al haber sido diseñado técnicamente para que sea agradable al oído, además que busca dejar esa sensación de emoción.
El cual por cierto ha traído buenos dividendos para la banda, como es el abrirles las puertas a una serie de entrevistas a medios de comunicación, el colocar “Nuevas formas” y “Catalizador” como singles radiales tanto en estaciones comerciales como universitaria en Aguascalientes, además de conciertos importantes como el Hard Rock Café en el D.F. y otras partes de la República Mexicana, así como “Nuevas formas” formo parte de un disco colectivo “Antojitos Mexicanos III”.
En cuanto al reto que conlleva esta segunda producción-aun sin titulo- que esperan que salga a finales de esta año, comentaron que va más en la rebúsqueda de sus integrantes por el gusto de componer, hacer música y de no repetirse en las nuevas canciones, así como no sonar viejo al buscar diferentes matices que les refleje su personalidad y un sonido Psicophono.
Al puntualizar que no buscan vender más que su anterior disco, sino disfrutar plenamente este nuevo disco de transición, donde se busca tener una gran infraestructura.
En cuanto a ser parte del acoplado “Antojitos mexicano es como formar parte y existir dentro de la escena nacional underground o independiente, la cual hace que nuestra música se hermane con las otras bandas que sufren las mismas dificultades y problemas para dar a conocer su propuesta musical. Al darnos esa apertura a lo mejor nosotros solos no hubiéramos podido de otra manera”.
Entre un chile en ahogada, una carne asada término medio, un platillo que pues de degustarlo te queda un buen sabor, hasta una bolsita de bola de dulces mexicanos, se identificaron como parte de esos antojitos mexicanos los integrantes de Psicophono.
Entre las bandas hidrocálidas que recomiendan son los integrantes de Psicophono están: Bistec, Sayonara, Siddartha, el Azote, Doberman Blues, Hein
Para mayor información de la banda Psicophono, pueden checar sus sitios: http://www.psicophono.com/ o http://www.myspace.com/psicophono.

http://www.youtube.com/ pueden ver su videoclip promocional.

La plena irreverencia en sus canciones del estribo; Armando Palomas.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una noche muy especial por estas tierras del gran Tunal, al presentarse por primera vez en concierto, de un referente obligado dentro de la música popular mexicana, uno de los rupestres, Armando Palomas.
Con una mirada tal vez perdida por el asombro debido a la gran recepción de sus compas-seguidores- del también versificador de lo impensable y representante de una generación perdida entre el rock y el pop, el heavy metal y el bolero romántico. Como dijera atinadamente Javier Hernández “Chelito”.
Con esta canción no te la dedico a ti… sino… dio inicio a su toquín con su peculiar voz aguarmentosa-muy dañada por cierto-y el rasgueo de la guitarra, para ir prendiendo e involucrando a la banda que se dio cita en uno de los espacios de mayor tradición en la escena potosina, como es el Casino S.T.I.C.
Un viaje musical que transitó por sus diez discos en su haber, encadenados en tres vertientes muy definidas: lo fiestero y desmadroso, lo amoroso y lo séntido.
Una parte insoslayable del concierto fue hacer partícipe a la banda de su cáustica irreverencia hacia si mismo, el amor y la vida misma, así como su permanente y directo diálogo con su “gente”. Siendo uno de los puntos álgidos, cuando el músico hidrocálido dio por mofarse plenamente de las rolas de un tal Alejandro Lora o, en un tono más de farsa-denuncia muy a la Palomas del llamado emo-rock con su versión de una cumbia-corrido o, gritar “que se muera el rock” bajo un séntido blues para entrelazarlo con una base cumbiera muy Juana la cubana y mucho más diarreas musicales.
“Soy un rupestre feliz bajo el resguardo musical timbirecheano”, comenta en razón de su ex baterista que ahora toca con esta mediática banda.
Por un momento deja a un lado su irreverencia, para comentarle a su banda abogar por seguir plenamente esa línea que forjo “el profeta del Nopal”, Rockdrigo González y no de aquellos artistas plásticos siempre bajo el condicionado resguardo de ciertos medios mediáticos.
A estas alturas del concierto, era todo un festín, desde aquella chica que bailo bajo la cadencia blusera arriba de la mesa, para después hacerlo cachondamente a un lúdico Palomas; aquel que bailo sentado y a la vez cantaba desgallitándose, él que se sumo al viaje y en cierta forma hizo coherente las incoherencias del Palomas y su excelente guitarrista Agustín”Neto”Castillo y su peculiar forma de recrear y matizar las rolitas de Armando Jiménez.
Aseveró a sus extasiados compas, su sencillez y su gran frescura lingüística: “No soy artista, soy cómplices de ustedes, aunque porque no puedo ser un mamón. No puedo estar en mis días” al aceptar de regalo una playera de un compa, para proseguir con unos rasgados acordes a su guitarra y echarse las siguientes rolas ”Prisionero de papel”, “una cuarta más debajo de tu ombligo”, “Santa de Infonavit”, “Manual para conquistar a Claudia” hasta rolas de repertorio pasaron a ser interpretadas en su peculiar estilo de este infatigable e inquieto viajero.
Aunque no pudo faltar y dar por terminado este festín con una solemne irreverencia que ha distinguido a Palomas, como es el “Himno pacheco” y de esta forma agradecer a su gente por estar más de dos horas que compartieron su música.
No sin antes prometer regresar “si se ponía mal”, con alusión a presentar formalmente su última producción discográfica “Canciones del estribo” en el mes de diciembre en un peculiar espacio como es la Arena Coliseo que se encuentra en este mismo recinto.
Un gran aplauso que se postergó hasta la firma de autógrafos. Desde el trío que le cantaron al son de una lira su himno pacheco, la emocionada chica embarazada y su dulce sonrisa, los compas defeños medios·”Escuadrón de la muerte” avecindados en estas tierras potosinas, las fotos que no salían por el nerviosismo, hasta las sinceras gracias por su show, de su gente que pacientemente espero para estar un momento y compartir sus comentarios de este momento con este ser humano llamado Armando Jiménez alias Armando Palomas

La permanente preocupación de la sustancia de la palabra: Rafael Mendoza

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Con una preocupación constante por la sustancia de la palabra, “Ya que la parte esencial de mi trabajo es la palabra y elegir que palabra va es una cosa constante, es una parte ineludible que espero alcanzarlo en cada canción que hago y espero alcanzarlo cada vez”, enfatizo el cantautor defeño, Rafael Mendoza en su presentación por tierras potosinas.
Solamente basto una guitarra y una voz con-sonante para poder compartir su propuesta del cantautor con los potosinos, de esta forma, dar la bienvenida por los anfitriones de la noche; Darío Parga y Félix Díaz en el ex Centro - Cultural La Alfonsina- .
Una sencillez en el hacer y el decir, el cantautor defeño, comento como un compromiso- bienvenida- él que haya cobijado a talentosos cantautores, “más bien, lo que he pretendido hacer es juntarme con los demás con el ánimo de aprender básicamente, además con el ánimo de hacernos mas fuertes en un mundo que nos condena al aislamiento y promociona el individualismo, de ahí que es interesante y necesario juntarse”.
Entonces de ahí su constante enriquecimiento al juntarse con gente de su generación, con gente mayor y menor, gente que no hace música, que en opinión del compositor son siempre buenos.
Un ejemplo de ello, fue la presentación del espectáculo con Paty Kelly, una locutora de radio, donde ella leyó poesía erótica y él cantó; además de terminar el año pasado un disco que él produjo, en el cual reunió a once trovadores, entre ellos: Marcial Alejandro, Carlos Arrellano, Rafael Mendoza, así como jóvenes compositores como Alejandro Ontiverios de Morelia o David Aguilar de Culiacán.
Con buen talante y perspectiva de la cantautoría, comento el Rafael Mendoza, “creo que va bien, hay cada vez mayor diversidad, mayor consistencia”. Clara evidencia del porvenir de la cantautoría es “Dario Parga, un compositor muy consistente, cada vez que lo oigo me gusta más, así como un joven compositor sinaloense, David Aguilar que es muy consistente”.
“En cambio la gente de mi generación seguimos trabajando no solamente con la consistencia sino con una mayor capacidad de depuración. Entonces los que seguimos cantando y componiendo cada vez lo vamos haciendo mejor”.
Convencido que los medios de comunicación y la industria de la música tienen poco que ver con estas propuestas artísticas, sin embargo el productor resalto que a pesar de ello “hemos inventado canales para difundirnos, para circular, eso nos hacer estar vivo, estar circulando, grabamos con mayor frecuencia, porque ahora es más fácil grabar, las gente puede tener las canciones, escucharlas, aprendérselas y cantarlas con nosotros y trovadores que andan por ahí por el país cantándonos”.
Al considerar un destino deseable y halagueño de la escena, sin embargo es importante tanto para el entrevistado como otros compositores sean valorados sus canciones,” ya que estamos creando y contribuyendo a un cancionero popular que al tiempo va a tocar el corazón y la memoria de la gente”.
Para Rafa Mendoza lo importante es el revolucionar la canción en función de lo que escuchamos y de la herencia que tenemos. “Pero es básico para mí, que la música toque el corazón y dejémosle a la gente va a saber quien propone, es innovador y tiene la capacidad de depurar todo este trabajo de composición para quedar las obras que realmente sean las que deben de quedar”.
En que lo significa José Alfredo Jiménez para él comento que mucho, al sincerarse y decir que tardo mucho en valorarlo, porque a pesar de que hay un prejuicio muy torpe sobre el compositor guanajuatense como el cantante que reivindica el machismo y el alcohol.
“Creo que José Alfredo Jiménez le da una nueva personalidad melódica a la canción ranchera, al incorporar sentimientos masculinos que no estaban en la canción ranchera y que tiene muy poco que ver con el machismo; tiene mas que ver con la capacidad de conmoción del hombre y creo que lo logra en sus canciones, además de incorporar palabras que no aparecían en la canción ranchera” expreso el autor de fin de siglo.
Con el transcurso del paso de los años se le revela José Alfredo Jiménez a Mendoza como un compositor sumamente preciso, sumamente conmovedor, sumamente innovador en su género, “de ahí que lo respete mucho y lo escuche con bastante frecuencia”.
En otra orden de ideas, platico que en relación a su disco- DVD grabado en Tijuana, esta detenido por diferentes situaciones, a pesar de hacerse tomas adicionales al concierto brindado en esta transitada border.
El cual es contrarrestado este desaguiso, al salir el disco de la presentación en vivo de Marcial Alejandro, David Haro y tu servidor-con el Proyecto Bohemia-, grabado el año pasado en Los Angeles, California.
Para finalizar dijo estar feliz al estar nuevamente en San Luis Potosí, además de hacer una extensa invitación para escuchar el disco grabado con Marcial Alejandro y David Haro. Así como esperar la nueva producción discográfica, que cuenta con el trabajo de Rosino Serrano que demarca la diferencia a sus anteriores discos al utilizar otros recursos instrumentales.
Para mayor información de Rafael Mendoza, pueden checar sus siguientes sitios: http://www.rafaelmendoza.com.mx/
www.myspace.com/rafaelmendoza

Solamente basto el power-indie a cargo de Los Actors en el Brixton Pub –S.L.P.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Ante la vorágine de propuestas musicales que han salido en estos últimos años dentro de la escena del rock nacional, sobresalen bandas donde aflora su honestidad y un claro sentir por ser independiente. Uno de ellos es Los Actors, quienes transitan con su power trío/indie, en este difícil camino.
Se presentaron con gran éxito por primera vez en tierras huachichilas, este trío radicado en la capital mexicana, en un excelso espacio como el: Brixton Pub-San Luis Potosí.
Gonzalo en el bajo, Meño en la guitarra y Ricardo en la batería integran esta banda indie, con un año de formación, donde se manifiesta su madurez musical y su sentido de credibilidad, al pasar sus integrantes por toda esa vorágine de devenires, chamaqueadas y demás artilugios en otras bandas. De ahí que sea un proyecto bien pensado y dirigido. “Algo que nosotros hacemos, es que sentimos las canciones, con ellas podemos expresar sentimientos que no podemos expresar normalmente, y el hecho de tocar en vivo, es lo que nos permite como liberarnos y hasta cierto punto es donde llegamos a la idea del nombre de los actors, ya que en el escenario somos personas que no somos en la vida cotidiana, ya que nos ponemos como locos, rompemos instrumentos” comenta Ricardo.
El ser conscientes de ser independientes le da un sabor muy especial a esta banda defeña, más autenticidad. “hasta sus últimas consecuencias”, asevera Gonzalo. Sin olvidar que lo que buscan es que su música sea escuchada por más gente, sin hacer dejo de ser programados en la radio, siendo su mayor prioridad el tocar en vivo.
En cuanto a la relevancia como promotora de bandas independientes como son los festivales: el Motorock Fest, Vive Latino, Manifest, Corona Fest comentaron ser de suma importancia, “ya que cuando eres una banda que apenas va empezando, solo puedes obtener cosas positivas, claro si tu rendimiento en el escenario es optimo, si la gente responde bien, obtienes muchísimas cosas. Te haces de un nombre, no cualquier banda participa en este tipo de eventos. Tu nombre es reconocido, de ahí que te inviten a eventos de mayor calidad. Sin duda alguna lo que buscamos es participar en algún momento en este tipo de festivales”.
De ahí su honestidad, al verse reflejado en la gran aceptación de los potosinos, receptivos y bailarines, quienes se dieron en buena cita en este espacio. El trío musical hizo partícipe de su frenética descarga musical de sus letras con un toque de melancolía, tristeza y desamor a través de la inquietante voz de Meño, el punch de la batería de Ricardo y el presionado bajo del paisano, Gonzalo ante esas máscaras que definen todos esos personajes en la vida real, al presentar un interesante set de canciones de su propia autoría como: “Nowhere Land”, “Im not alright”, “House in fire”, “Some times”, “I want leave you”, “Waiting for you”, “Friends”, “One love”, “Shake my mind,” por cierto una de las canciones más aplaudidas y cantadas, para terminar su presentación con “Lies”.
Una banda que nunca cayó en hacer payasadas en el escenario, que se distingue por el respeto al escenario, donde queda manifiesto el hacer cosas que les nace, les agrada y divierte, aunado al excelso juego potente, desgarrador, sutil y cierta melancolía a lo melódico, donde por cierto prosiguen con buena lid en la búsqueda del jugueteo formal creativo, a pesar de las posibilidades de ser un power trío.
Ya en su haber con un Ep homónimo, hecho de forma independiente, el cual incluye cinco canciones, cantadas en ingles, debido a sus influencias, aunque comentaron que esperan para el próximo año producir otro disco, esta vez con letras en español.
Para mayor información de la banda, pueden checar su sitio web: www.myspace.com/losactors

Convite musical bajo los ritmos Jamaican Beat a cargo de los Guanabana

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Desde tierras poblanas llegaron con muy buena talante musical a tierras potosinas, la banda de Los Guanábana, quienes se autodefinen como una propuesta bajo los senderos del Jamaican beat, pero no tienen ninguna ideología o bandera, “simplemente hemos aprendido a apreciar a la música como un concepto humano y creemos que se puede identificar cualquier persona si esta dispuesta a hacerlo”.
Con plena conciencia de su devenir histórico- musical, reconocen que son parte de parte de una época y de una generación que creció con el ska en México, cuando ya estaba muriendo el rock y empezaba a surgir otros ritmos y manifestaciones. “De ahí que lo que nos llega pues, el ska y reggae mexicano como Rastrillos, Antidoping, Panteón Rococó y esas ondas. Pero nos dimos cuenta que había otra búsqueda en nosotros, no porque renegamos de esto, entendimos y tuvimos que investigar y clavarnos en ello y darnos cuenta que detrás de lo que hay en estas bandas de generación que representaban, existía cosas interesantes culturales e históricas”.
Por cierto, una de las bandas más aplaudidas y reconocidas bandas por su calidad musical, que formaron parte del cartel de bandas amigas, dentro de los festejos del cuarto aniversario de Rebeleon Sound Crew, revolución sonora consciente “Tha People”, al compartir el escenario con Lengua Alerta del D.F., Atletas Campesinos de Querétaro, Mr. Raggazam de España y los locales Patchamama y Beat Stompers en la Huerta del S.T.I.C.
A pesar de la premura del tiempo se ganaron el respeto del respetable que se dio en buena cita, al presentar algunas rolas de su disco compilatorio “Guanábana 2002-2005”.
Al hablar sobre la escena poblana nos remiten de inmediato a Guanábana, a lo cual Isaac Rivera comento que es como extraño decir en Puebla. “No hay que olvidar que también hicimos un movimiento alterno al hacer festivales con Ricardo Guzmán de Germinal 960, demasiados festivales, de ahí que Puebla ha tenido el honor de tener muy importantes festivales de corte internacional de Dub”.
Siendo de esta forma el 2004 un año muy decisivo para el movimiento que se ve reflejado actualmente por el gran quehacer y la necesidad de decir. Ya a raíz de lo anterior se forjó su propia personalidad en relación con el D.F. y a todos los lugares de la República, “porque aquí puedes escuchar unas escenas dub que ni en el D.F. vas a escuchar”.
A pesar de la constante búsqueda de ser no solamente mejores músicos y personas, actualmente esta agrupación opta por desarrollarse desde dos flancos; Xalapa y Puebla, no siendo un obstáculo para seguir compartiendo su música y seguir siendo bien recibidos en su tierra.
Con una clara percepción en sus preocupaciones que atañen en este momento a la banda, señaló Rivera: “ El país esta de la chingada, es una situación muy fuerte y decadente, donde los jóvenes estamos en una situación de que si sufrimos una represión grande y a la vez que se cierra cada vez más espacios. Un ejemplo palpable es aquí que se vende cerveza hasta las diez de la noche y los eventos termina la tocada”, enfatizo el baterista de Guanbana.
Pero puntualizo que a largo plazo se va jodiendo el movimiento, “porque nosotros sentimos que la música crece de acuerdo a como los espacios públicos-los jóvenes- se reúnen y disfrutan de un toquín, sin represión”.
“No hablamos de una libertad a lo pendejo, sino que los jóvenes vayan, asistan a lugares. Hay de toques de queda en el Norte, en el sur esta jodido no hay varos para las bandas”.
Al buscar algo aliento ante lo infalible, le sugerimos a Issac que propusiera algunas bandas que sobresalen por su propuesta musical, a lo que contesto a la petición: “Ska María Pastora, un dub experimental poblano que por cierto acaban de presentar su disco. En cuanto a una raíz africana, por cierto viene a cuenta por el festejo del día de la Raza-Farsa muy puntual comenta Issac- como es Sonex – con base en el son jarocho fusionada -de Xalapa y Abbacan, ensamble de música africana más allá de los típicos tamborazos.
En relación al reggae y ska señalo que hasta el momento no ha oído una banda que no ha sentido, aunque reconoció que no ha escuchado demasiado en últimas fechas.
Siendo una de las características de los Guanábana señalo que la música que se siente, no es necesario tanta apariencia o disfrazado de un discurso, cuando a veces no has madurado muchas cosas.
En relación a su primer disco, comento: “Fíjate que es un disco doble, en su primera parte contiene con los remixes de Tom Rice y Jack Omusik y lo complementa puros remixes de productores de música electrónica tanto de América Latina y del D.F.
Es importante resaltar que tres dubs fueron producidos por el Tom Rice, gran institución en la escena del reggae y el ska en todo el mundo. Otro track producido por un cantante afroamericano neoyorkino radicado en Xalapa, que canto con la banda. El cual sale a la venta en Enero en las principales casas de música.
Hizo un llamado a quien corresponda: Al saber de las limitantes de hacer esto grande. “Al existir un centralismo, además si no hay tocadas, no hay permisos para las tocadas, sino hay ventas de discos y todo se reduce a internet también, no se puede generar algo grande”.
Para mayor información de la banda pueden checar las siguientes direcciones: www.myspace.com/losguanabana o http://www.losguanabana.com/

Una propuesta Oi desde la gran border; Tijuana. Kung fu Monkeys, Oi Kontrol Oi en tierras potosinas.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una gran expectación causo en aquellos adeptos al llamado ska punk, al tener nuevamente por tierras huachichilas a la banda de la gran border; Tijuana. Kung Fu Monkeys, en su última gira nacional al tener doble festejo; sus diez años de permanencia del gusto de la banda y el de remontar vuelos para cruzar el charco para realizar su primera gira por Europa.
Muy motivados se encuentra la banda tijuananense, que han afrontado adversidades como fue el quedarse sin disquera y con loables esfuerzos de la banda por sacar su última producción discográfica el cual será ya distribuido por aquellas tierras del viejo mundo.
Poca asistencia, pero muy emotiva fue para la banda que presenció este abundante festín musical de rock en un céntrico espacio. A pesar de un sonido muy austero, que no fue pretexto para disfrutarlo, bailar y cantar cada quien a su tono, gracias al apoyo incondicional de las bandas anfitrionas; Splint con su emo punk, más melódico y con la incursión de teclados. Por cierto presentaron rolas de su segundo demo. Considerados la mejor banda de ska punk local, así se auto presentaron los Richard Nipples, con una propuesta desmadrosa y bailadora, donde aun no es sustancioso su sonido, a pesar de las máscaras de algunos de sus integrantes, claro sin faltar el falaz vedettismo de su cantante al quedarse en calzones y la graciosa facilidad de regalar playeras de la banda.
Sin tantos aspavientos, probaron sonido, unas cuantas afinaciones para presentarse con buena aceptación por primera vez por estas tierras potosinas, la banda de Irapuato, Gto. “Nadie Calavera”, interpretaron las rolas que integran su demo “ No volverán”. Hicieron bailar a loa ahí presentes con su fluido ska-punk, con buenas bases de metales-sax y trombón, un claro homenaje a aquellos gustosos del ska que bien dominan, por cierto.
Como grupo invitado de los KFM a esta gira que en palabras del buen Benja, es una banda que puede dar mucho, se presentaron con un energético y potente street punk, con reminiscencias de hardcore y Oi, los bajacalifornianos, “Oi Control Oi”, con un Ep en su haber “Seguiremos”.
Un street punk, creado en la Unión Americana, pero que esta creciendo y es aceptado esta escena en nuestro país.
En cuanto a sus letras, hablan más sobre lo que ven en las calles, lo que han pasado, aunque no hacen dejo de canciones sobre echar desmadre o pistear, pero dándole prioridad a lo que se ve en las calles, “aunque mucha gente ve y no quieren hablar sobre ello, más bien hablan de cómo se sienten o les gusta una morra”, comentan.
De ahí que buscan que la gente se de cuenta de lo que esta pasando, porque mucha gente no se cuenta o no saben. “No se si sea apatía de la gente, lo que queremos es dar el mensaje de que esta pasando, algo tiene que cambiar si las cosas están tan jodidas, algo tiene que ser diferente”, comenta Jules, guitarrista de la banda”, aseveran.
En cuanto al manejo de temas políticos en sus letras comentaron que no son muy políticos, “porque en la banda hay diferentes opiniones entre nosotros. No queremos provocar conflictos al saber que hay cierta gente que no lo toma a bien, al estar muy encerrado en este tema”.
Con rolas como; Tijuanas Punks, y cuanto el tiempo cambia.., sin temor, la guerra, oi control oi, país muerto, el obrero, fueron enaltecidos por sus peculiares gritos de los skinhead potosinos que hicieron acto de presencia.
Es importante resaltar que como banda buscan la unión entre punks y skinhead. No importa tus ideas políticas, lo que importa es la unión.
Por ultimo, recomendaron algunas bandas de street punk nacional: Solución Mortal, Agente Calavera, los Agresores- ex Mercado Negro y Tijuana No- y Oi Control Oi.
Para mayor información de esta banda pueden checar: http://www.myspece.com/oikontroloi
Después de su presentación, el convite musical continúa con unos explosivos, energéticos Kung Fu Monkey, tocando sus rolas, peticiones y una plena interacción con sus seguidores.
Desde aquí, un aplauso de pie y mucha energía a través de estas líneas a todos los que integran KFM por esta anhelada gira por tierras del viejo continente. www.myspace.com/kfm

Kung Fu Monkeys, una buena alternativa musical.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Desde la bien llamada esquina de Latinoamérica-Tijuana- nos visitaron una de las más representativas bandas del ska punk nacional, Kung Fu Monkeys. Donde presentaron su más reciente producción discográfica homónima.
No sin antes sentirse muy feliz de estar por estas tierras potosinas, ya que es una ciudad que les encanta por su gran fraternidad y respeto, así lo describe el buen Berna, quien comento que para este disco, hubo cambios de integrantes, salieron algunos y entraron otros, “pero gracias a Dios tratamos de seguir manteniendo viva a la banda y así vamos a hacerle siempre”.
Desde la transitada border, unos KFM que se destacan por tocar música del corazón y su sinceridad, quienes se desparraman literalmente en el escenario, ¿Por qué?, “porque queremos que la gente sienta lo que sentimos, de ahí que tocar en vivo es una descarga de energía, además de brindar un buen concierto y buena música, y que el público sea parte ineludible de KFM”.
Quienes presentaron su primer disco en español y hecho para la República Méxicana, el cual es autoproducido, distribuido por la banda tijuanense.
En relación a las letras del mismo, señalo que van enfocadas a conciencia social, aclarando que no es pegándole a la política, pero si el tratar ciertos problemas sociales que afectan nuestra vida diaria, “más que nada son temas que nos rodean-, temas ecológicos, situaciones reales como la de un muchacho y amigo nuestro que fue quemado- no bajes la guardia-; abuso de poder como lo hace Estados Unidos, al decir están luchando por la libertad para tratar de controlar el mundo-minutos de silencio-;el interesado y amarillismo poder mediático, así como sentimientos personales; un canto tipo futbolero y el pleno sufrimiento de la banda en este acontecer musical- A donde voy-“.
En cuanto al seguir manteniendo este sueño que es ser Kung Fu Monkeys declaro el también guitarrista que han logrado mucho desde que inicio la banda, “de una banda de jóvenes de prepa, con el simple hecho de juntarnos, de tocar y ser amigos y tratar de hacer algo. El hecho de haber poder decir que hemos tocado con bandas que nos han influenciado como: Voodu Skull, Bacconion, Maldita Vecindad, 2 Minutos, Panteón Rococó, así como bandas clásicas de Latinoamérica y como de E.U.A; en donde si de plano nos quedamos más satisfechos y que hemos logrado más de lo que realmente empezamos es el hecho de haber participado en el Warped Tour 2005, y este año ser incluidos en el disco recopilatorio y de hecho somos la primera banda mexicana y latinoamericana de estar en este compilado”.
“Nos sentimos orgullosos de ser mexicanos y latinos, y ser los primeros”, resalta entre el sudor y los calurosos saludos de los seguidores potosinos.
En cuanto a la posible represión de este nuevo gobierno a la propuesta alternativas como lo hace KFM, el Buen Berna comento que al gobierno le conviene tratar de convivir con los jóvenes, “no porque solamente seamos roqueros y queramos música, porque creo, que el gobierno se olvida de nosotros, más bien de los muchachos, porque no mas se enfocan en los que votan y no en los que no votan; pero deben fijarse que los jóvenes quieren música, quieren arte, quieren educación y es algo que nos tienen que dar, por lo que va a hacer muy difícil que vayan a reprimirnos”.
Fue muy enfático al comentar que la gente no tiene que temerle a su gobierno, porque más bien el gobierno tiene que temerle a su gente.
Para mayor información pueden checar: www.myspace.com/kfm y http://www.kfm.net/

Un Legacy de certidumbre y fuerza; Ganja, reggae mexicano.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Hoy estamos de fiesta, al tener la oportunidad de escuchar y disfrutar una de las consolidadas propuestas de reggae nacional, con una plena apertura y reconocer en ellos toda esa fuerza del rastafari en México. Donde sus canciones nos hablan de lo que les sucede a los jóvenes y a la vez lanzan un mensaje de fe, esperanza y certidumbre en este mundo tan loco, hablamos de Ganja, después de una ausencia de casi dos años de estar por estas tierras huachichilas, quienes nos presentan con mucha energía, su tercer disco “Legacy”. Al ser bien recibidos por la banda adepta a este mensaje de fraternidad a través de los ritmos jamaiquinos, en el legendario Casino S.T.I.C.
“No hay que olvidar que Ganja es un barco, del cual algunos se han bajado de la tripulación y se han subido otros más, de ahí que actualmente tengamos un personal muy completo; esto quiere decir que traemos una sección de completa de metales, un percusionista, un guitarrista y la banda de siempre; mas el regreso de Gerardo Corzo, iniciador de la Ganja-bajista-“.
En cuanto a su reciente producción discográfica señalaron: “Este disco se empezó a gestar en una etapa bien diferente de la banda, y en especial para el guitarrista y vocalista, Ernesto Delgado quien tiene pasadito el año de no tomar alcohol y fumar mota; lo cual este Legacy trae mucha conciencia, se siente totalmente en la piel al no haber un estimulante de por medio, el único estimulante es tu creatividad; en lo personal, es mi fe a mi poder superior, así como la perseverancia y un poquito del hacer música no para un círculo cerrado de reggeseros o rastas. Ya que el reggae es un gran regalo que nos dio nuestro señor, el cual tenemos la obligación de propagarlo para los niños, los papás y toda la gente que se pueda”.
Fueron muy enfáticos al señalar que siguen siendo una propuesta totalmente independiente, al seguir trabajando con sus propios recursos, “sufriéndole pero muy satisfechos por este maravilloso año, porque fueron a lugares que nunca tocaron en los diez años que tienen de vida la banda”.
En este andar por toda la república han sido testigos de la existencia de una escena de reggae más seria, “en lugar en donde paramos-tocamos-, ya existe una banda de reggae haciendo su propuesta”, comenta su guitarrista, Ernesto Delgado.
Con suma humildad comentan que siguen en el proceso de crear su propio lenguaje. Aunque reconocen que deben de estar coherente con las generaciones que van cambiando. “Ya que siempre debe de existir el respeto y dándoles algo a esas nuevas generaciones que se van acercando al reggae”.
Al hacer referencia que en este 2007 se festejan los 26 años del reggae en México, como conmemorarlo y pase desapercibido este movimiento de conciencia.
“Fíjate que no me había dado cuenta, con esta locura del disco, pero hay que festejarlo. Aun cuando estuve haciendo una pequeña investigación, al asistir a un festival en Playa del Carmen en donde estuvimos y le abrimos al “jefazo” de Michael Dread, me encontré ahí con algunos integrantes de una de las raíces y detonante del reggae en México; los Bosquimanos y Splash, que desafortunadamente se les dio todo, trabajo diario, fiesta y acá no-hablamos del D.F.-, donde estamos más obligados a ser más humildes y a trabajar más; por eso creo que el trabajo fuerte se esta dando en el centro de la república hacia el norte y hacia el sur”, comenta Ernesto.
Por ahí nos adelantaron que tienen como meta hacer un disco al año, de ahí que para su próximo puede ser de canciones inéditas o de covers, que serían exclusivamente de boleros con letras con sentido y un tratamiento musical muy particular.
Pueden checar más información de esta banda en sus web site: www.myspace.com/ganjamx o www.myspace.com/ganjalegacy

Gran cierre de la fiesta danzaria potosina a cargo de la compañía Emio Greco/PC.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

Un proyecto dancístico que reúne a el coreógrafo italiano Emio Greco y el director de teatro holandés Pieter C. Scholten fundaron la compañía de danza contemporánea Emio Greco PC en 1996, en Amsterdam, con la finalidad de desarrollar producciones coreográficas y promover una actitud hacia la conciencia del cuerpo.
Al presentar la obra “Conjunto di NERO”, un montaje donde se conjunta bailarines, luz y espacio, los cuales se unen para crear un mundo cambiante, entre la alternancia de claridad y la oscuridad, separando el movimiento, de la quietud.
Donde sin más fue una propuesta interesante, al compaginar las esencias de una excelente calidad de movimientos de los bailarines en conjunción con las diferentes intensidades que fueron compartidos con un excelente diseño de iluminación que propone Henk Danner.
Donde intensidades en el movimiento y hasta en el mismo silencio, incidió en poner a flor de piel las emociones resguardas bajo los impactos visuales y musicales que dieron el tono perfecto de volverse controversial el que dice o propone esta puesta coreográfica, pero ante una serie de sentir del publico que fue testigo salió desde ser cuestionada hasta el ver una deliciosa obra, debido a su gran equilibrio de lo dancístico con lo visual.
Ante un lleno del recinto cultural, debido a la gran expectativa que causó esta agrupación europea.
Con la presentación de esta extraordinaria compañía de los países bajos da por concluida esta XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López en el Teatro de la Paz.
Entre el asombro y el gozoso de haber disfruta una de las mejores funciones programadas del festival, fue anunciado por su directora de dicho festival, los ganadores siendo para la mejor coreografía votada por el público a la compañía Circo Barroco que dirige Alejandra González, en cuanto a la mejor bailarina fue para Jacielme López de la compañía Angel Rosas , quien recibió un reconocimiento, así como un cheque por treinta mil pesos , gracias al patrocinio de José Cerrillo Chowell.
Entre el que no llegaba, hablamos del ganador del premio al mejor bailarín, ya que tuvo ayer-antier-una función en Zacatecas, hablamos del bailarín Isaac Chau integrante de la compañía sonorense de Antares Danza Contemporánea, quien recibió de igual forma que la bailarina ganadora, gracias al apoyo de Ignacio Toscano de Intrumenta A.C. y el Gobierno del Estado.
“Todo nuestro alrededor se mantiene siempre en movimiento. Todos... somos parte de la incesante vibración del universo, por lo tanto, esto no se acaba hasta que se acaba y todavía no se acaba pues la danza es una fiesta interminable que nunca debemos dejar de celebrar”. Palabras certeras del bailarín Edgar Poll en nombre de este gremio que sigue en su proceso creativo.
Hasta pronto en la próxima edición de este festival danzario.

Excelente muestra de su gran riqueza: Ensamble Nacional de Danza Alan de Ossetia.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Como parte de su primera gira a tierras mexicanas, le toco el turno a San Luis Potosí de ver el excelente espectáculo dancístico a cargo del Ensamble Nacional de Danza Alan de Ossetia, de Rusia, quien se presentó en días pasado en el apacible y bello Patio Central de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí.
Un evento organizado por la dirección de Difusion Cultural de la máxima Casa de Estudios Universitarios, que dirige el Ing. Ramón Ortiz Aguirre.
Una bella muestra de danza, bajo la dirección de Magkaev Yury y en la dirección artística y coreógrafo Kasaev Kaspolat, presentada a un receptivo público potosino, quien por cierto se dio en buena cita en dicho recinto cultural, para disfrutar de lo menos conocido dentro de toda la riqueza del folclore ruso; danzas del Cáucaso y Ossetia, que es una república que se encuentra al sur de Rusia y cerca del Cáucaso”, pero tan admiradas en otras partes del mundo.
30 bailarines en escena, que mostraron su gran disciplina, fortaleza, juventud y alegría, además se contó con la participación de músicos en vivo- Abaev Albert y Guchmazov Ursanbeck- que tocaron las tradicionales dulas, que son tambores típicos de Ossetia.
Un compañía que se distingue de los ballets rusos conocidos, como el Ejército Ruso u otros grupos tradicionales rusos, quienes a diferencia de los citados por cerca de setenta años este Ensamble Nacional de Danza han conservado las tradiciones de Alania y sus diversas regiones con coreografías que muestran a través de la danza la habilidad de sus hombres en el uso de dagas, así como danzas nupciales tanto tradicionales como más actuales, siempre destacándose y exaltando la belleza de sus mujeres y sus bellos vestuarios.
Una gran demostración de los bailarines desplegada en el escenario; su gran disciplina, fortaleza, juventud, alegría, elasticidad y un sutil aspecto cómico que se vio refleja en sus ejecuciones de danzas que van desde las danzas de dagas, hasta danzas de cazadores y pescadores de Adjariana, danzas de celebración-Danza Lezginsky-, danzas que simbolizan la libertad y el poder de la mente y orgullo-Eagles Tribu- hasta la danza ancestrales bajo el formato militante de los Alanos.
Se puede percibir en el aspecto musical una gran influencia de los bailes irlandeses e árabe en la música, al predominar las flautas, que sin más hacen que se contagie con sus diferentes velocidades e intensidades.
En fechas recientes el ensamble ALAN recibió el más alto premio de titular de la Order of Peoples Friendship, con la que la Federación Rusa premia a organizaciones que obtienen importantes logros en la consolidación de la amistad y la cooperación interétnica e internacional. Así mismo, recibió Medalla de Oro en el Festival Internacional de los Cinco Continentes en Dijon, Francia.

Excelso viaje musical a cargo de Cultura Profética.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

A pesar del nerviosismo por estar en una nueva plaza y a la vez por ser un nuevo reto para los integrantes de la excelente banda puertorriqueña de Cultura Profética, quienes aun así lo asumen con muy buena expectativa, “eso sí, con la buena intención de pasarla bien, de traer buena energía, aunado a la gran sinceridad de la música y la letra a través de cada instrumento que la integra”.
Donde nunca se ponen ni límite ni frontera, de ahí que se distinga con un sonido muy especial que identifica a la banda y de ahí que no se le pueda ubicar en ningún género.
Para Willi, su vocalista y vocero de este grupo de la isla del encanto comento que no le importa el número de asistentes, “porque sabemos que la gente que este y que lo siente, lo cual es lo importante”. Al ver y sentir como los potosinos los cobijaron plenamente al cantar con ellos en todos los tonos posibles, entre gritos y algunas lagrimas desbordadas por ahí... Todo esto al tener como escenario el Casino S.T.I.C. en su primera visita a tierras potosinas.
Sin empacho su vocalista, describió a esta banda potosina como” demasiado tranquilita pero rica, eso si, muy atentos. Entendemos que nuestra música es demasiada relajada, no tocamos los temas más fuertes o energéticos, pero los potosinos igual se sentía muy rico, al escuchar y ver como coreaba los temas, ver las caras como de hipnotización”.
Considero que a pesar de manejar en sus letras que van desde hacia el amor, hacia también sobre la patria, hacia la vida en la ciudad, sin hacer dejo al hablar y expresar lo que se sienten en el momento, claro sin olvidar el sentido social, a lo cual asevero que se tienen otros trasfondos culturales muy particulares y aun así trata de ser abierto a las posibilidades , “ya que a unos les permiten lidiar con las ideas, ya que como personas te encierras a un pensamiento y estas te separan como pasan con las religiones. De ahí que yo prefiero sentirme que todos somos iguales y todos vamos en la búsqueda de la pureza”.
No hay que olvidar que uno de los grandes momentos históricos de Cultura Profética ha sido el único grupo latino que ha sido invitado para el tradicional festival en torno al icono del reggae, como lo es Bob Marley.
De ahí que cada concierto es como si fuera una reunión familiar de toda Latinoamérica y tengamos una historia en común.
¿Cómo se ve Cultura Profética ante Cultura Profética? A lo cual revelo que en lo personal odia escucharse,” pero me gusta la idea de lo que uno viene bañándose, semidormido o en el estado Alfa o caminando con un pana o teniendo una conversación, de ahí que con estas situaciones florezca una canción y tenga el honor de compartir con talentosos amigos boricuas o compañeros de por vida que esta canción se vista tan elegante.
”En cuanto a su última producción discográfica M.O.T.A – momentos de ocio en el templo del Ajusco-, viene en relación a los cuatro meses que vivieron en el sureste de la capital mexicana, mientras giraban-tour- en el 2004 por la República Mexicana.
Donde la mayoría de los temas de este disco nacieron ahí, después de la vivencia, regresamos a Puerto Rico, donde absorbimos y las digerimos, donde salieron las letras, a pesar de que no se escucha directamente la influencia de México esta bien presente en este disco. M.O.T.A. es resumen es nuestra experiencia mexicana.
En relación a la inevitable piratería como pleno de la difusión asevero que no esta de acuerdo con ella y este feliz de eso, de ello no se vive, “ya que cuesta mucho trabajo hacer un disco. Nosotros especialmente somos de las personas que más les encanta y que más gastan en hacer un disco,¿ porque?, porque lo hacemos con muchísimo cariño y con cualquier melodía que haya, ya sea antigua o moderna, juntamos ambas cosas y queremos darles a la gente lo mejor que puedan escuchar con la mejor calidad y eso cuesta. Entonces es bien difícil que tú veas a otras personas que ganen dinero de tu arte y tú no. Los discos para eso son, los músicos también comen. Aunque si agradece el vocalista de aquel que tiene una copia-original-aunque tenga poco dinero
Para finalizar comentaron que para este mes de Febrero sale un DVD “Legend”, del último tributo que le hicieron a Bob Marley en Puerto Rico, del cual se escogieron 11 canciones de este concierto.
Para el próximo verano están proyectando sacar el primer disco-canción de venta, regrabado, no remasterizado ni mezclado, sino grabado completamente.
En cuanto al disco “ León para una a nueva vida” que se grabó hace ocho años, comento que desafortunadamente le pertenece la grabación a una disquera y como ya no tienen la relación con ella, “de ahí que queremos retomar los temas, ya que los seguimos cantando, cada vez de una forma muy diferente y de ahí que la gente sienta esa diferencia y pueda comparar estos arreglos”.
Para mayor información de esta banda puertorriqueña, pueden checar sus sitios más próximos son: www.myspace.com/culturaprofetica o http://www.culturaprofetica.net/

Se presentó Improvisación en San Luis II en el espacio universitario potosino.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Irrumpen ocho bailarines con su provocativo, energéticos y sugerentes esbozos dancísticos en un bello escenario como es el patio central de la máxima Casa de Estudios Potosinos, la Universidad Autónoma de San Luis Potosí.
Donde sin mas, se traducen en un lenguaje que fluye a través del cúmulo de energía contenido que emerge sin premura a través del cuerpo en movimiento, resueltos éste en la incidencia de saltos, deslizamientos, vueltas, volteretas, cargadas, variaciones sobre un mismo movimiento, siempre bajo el compás musical de la música electrónica, transitando desde el solo hasta lo grupal; siempre bajo el resguardo de la sobriedad arquitectónica y su bella arquería de cantera.
Como eco latente la proyección de imágenes de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX-competencias deportivas hasta una secuencia de investigación del movimiento ecuestre- de poder disfrutar de forma alterna estos valiosos documentos históricos visuales.
Se llevo a cabo la función de improvisando en San Luis II, por los integrantes del taller de contacto y superficie a cargo del maestro Félix Oropeza. Así como la presentación de dos trabajos finales del curso de videodanza impartido por las maestras Mariana Arteaga y Hayde Lachino, dentro de las actividades didácticas de la XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Todo surge a partir de una idea no tan preconcebida, para de ahí partir a la creación, experimentación de las formas que van desde un esbozo hasta la coherencia que denotan las cualidades del buen bailarín.
No solamente basto el espacio ex profeso para la improvisación de los integrantes del taller, sino los corredores y el mismo patio de este recinto universitario.
En momentos el espectador se volvía parte cautiva de esa seriación de movimientos confabulados con la libertad de romper sus propios espacios y nunca desenfadarse de la inherente energía proyectada por los bailarines.
Así como la inclusión de elementos como el agua que sofocaba o alentaba la explosión creativa de las composiciones presentadas por este grupo de “jóvenes bailarines entusiastas, dueños de cuerpos muy bellos y entrenados de espléndida manera; talentos en pleno desarrollo, que están destinados en el futuro a dar continuidad al trabajo que hace ya muchos ... muchos años inició Lila López” Tito Vasconcelos-La Miss-. Y dar por terminado su presentación de los alumnos de este taller.
No todo termino ahí. En una segunda parte se presentaron los dos trabajos resultantes del taller de videodanza, impartido por Mariana Arteaga y Hayde Lachino.
“Uno solo”, videodanza acuática, con la participación de Gervasio Cetto e Isaac Chau y concluyeron con “¡Cuaz!”, una sátira que recopila las instantáneas gestuales de los bailarines y demás, interpretado por varios integrantes del taller.
Y ¡tan tan! como se escuchara por ahí, en la voz de la videoasta Mariana, de esta forma dar por terminado este espectáculo, en una noche muy agradable para disfrutar este magnifico recinto.
Estos talleres estuvo integrado por los bailarines: Israel Chavira, Daniel Delgadillo, Flor Garfias, Gervasio Cetto, Isaac Chau, Alberto de León, Alicia Cuevas, Edgar Poll y Guadalupe Rodríguez.

Divertido concierto didáctico para escuincles al ritmo del son de la ciudad

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

“Son de la ciudad”, es un grupo que se caracteriza por hacer sones mexicanos para niños o “sones para escuincles” a través de un divertido viaje musical encaminado en despertar en el escuincle y también en los papás el interés por sus raíces; además de conocer distintos rincones de México a través de las chilenas, sones de tarima guerrerenses, sones jaliscienses y jarochos, fomentar el gusto y el conocimiento de su tradición popular, de una manera agradable y divertida.
Al presentarse esta agrupación formada en el año de 1991, y desde 1995 realizan este importante trabajo musical, dentro de las actividades de la Feria Infantil y Juvenil en la Plaza de Fundadores de la capital potosina.
Al presentar un programa didáctico e interactivo con los niños que participan en esta excursión musical por danzas michoacanas con la canción “Juchieti”; son chileno de “hay escuincles”, sones de Nayarit con “el Gallito”, chilena guerrerense con “salti, salti conejo”, son oaxaqueño con “el son de la tortuga”, así como canciones de los hermanos Rincón-La Lagartija-, El becerro de la vaca de Martín, Metete Teté de Crí –Cri y Mariana la araña hawaiana.
Consciente sus integrantes que no buscan rescatar estas voces, sino más bien, “utilizar los instrumentos tradicionales que se utilizan en México, para hacer canciones que tengan un contenido reciente para los niños y que tengan que ver con su actualidad, además de hacer cuentos, leyendas”, comento Gabriel Sanvicente, director y arreglista de Son de la Ciudad.
“El publico fácil es el más difícil, en medida que trabajas para niños en comparación con los adultos”, pero aun así hay el compromiso de la formación de público. Muchas de las veces el público no se fija en eso, pero es gratificante al ver a los escuincles y adultos que estuvieron aquí en la feria, el haber recibido esta experiencia y por al menos se llevaron algo con ellos” sentenció.
Precisó SanVicente, que la diferencia entre la creación de las canciones de adultos y niños. "No es que para ellos solamente es hacer la canción-adultos-, a diferencia de los niños que hay que hacer la canción, su arreglo, su instrumentación y finalmente como se la vamos a presentar a los niños".
En cuanto a lo mediático sucede que “en la música unas veces creemos que lo visual-televisión- siempre es la que gana, pero al momento de trabajar ya sea con el adulto como con el pequeño sea de una forma lúdica o de una buena forma para llegar a ellos, se da cuenta que todo lo visual que uno piensa es lo máximo, no es tan importante porque uno puede desarrollar otras capacidades como es reírse, jugarse, eso por más que traigas escenografía no lo puedes cumplir”.
Lo relevante, es el puedes trabajar con los niños no importando que hayan visto televisión, lo fundamental es darles un trabajo atractivo, para conectarse con el público, para hacerlo más emocionante. Eso va a ocasionar que el niño se suelte sin tapujos.
En cuanto al involucrar a los adultos en este proceso, puntualizo, “Es increíble porque a veces se piensa que se trabaja para los niños y luego los papas se hacen para un ladito, eso a mi no me toca es para mis hijos, les va enseñarles algo”.
Con una firme idea de no enseñarles, sino más bien, el trabajo de Son de la ciudad o de muchos grupos es más bien darles una opción creativa o de arte para que el niño pueda decidir más tarde o incidir en el adulto al presentarle propuestas creativas y a la vez involucrarlo, “ le puedes quitar ese caparazón que tienen escondida, divertirse y entrarle a pesar de que algunos adultos no lo soportan por su cultura o por su formación.
Destacó dentro de ese gran acervo musical infantil actual: los hermanos Rincón, grupo Cántaros, Pepe Fran, Elva Rodríguez, que payasos, patita de perro, monedita de oro, la botarga, Sonia y Sergio, la Chicharra, Jorge Sosa con su Nueva Cultura, Chelo Rivas, Palabra cantada, Mazapán, Caqui, Emilio Santana de Venezuela, Julio Grun de Uruguay y Luis Piscceti .

Son de la ciudad esta integrado por: Eugenia Figueroa Ortiz, voz, vihuela, jarana y percusiones; Guillermo Cortés en la voz, guitarra sexta, guitarra de golpe y jarana; Gabriel Sanvicente en la voz, requinto jarocho, violín, mandolina Arpa; Gonzalo Rodríguez en violín e invitados.
Para mayor información del grupo, pueden checar escucharlos todos los jueves en Radio Educación en el 1060 A.M., o consultar su web site: www.myspace.com/sondelaciudad o su correo electrónico: sonparalosescuincles@yahoo.com.mx.

Para Lydia Romero y Clara Carranco fueron los premios Guillermina Bravo y Flores Canelo.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Fueron otorgados los premios; Guillermina Bravo a la maestra Lydia Romero, coreógrafa y directora de la compañía El Cuerpo Mutable por su trayectoria artística y el premio Raúl Flores Canelo a la maestra Clara Carranco por su trayectoria en el quehacer de la docencia. Al recibir las premiadas un reconocimiento, así como un bello rebozo de Santa María del Río y un premio económico de 30 mil pesos.
En un acto previo a la presentación del grupo Quiatora Monorriel, con la coreografía Alma Daltónica de Evoé Sotelo en el Teatro de la Paz, dentro de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Se contó con la presencia de la maestra Guillermina Bravo, directora del Centro Nacional de la danza en Querétaro; Lic. María González, directora de Festivales Internacionales de San Luis Potosí; Ignacio Toscano, integrante del Comité artístico del FIDCLL. Juan Autrique, patrocinador del premio Guillermina Bravo y Javier Jiménez en representación del C. Jacobo Payán Latuff, patrocinador del premio Raúl Flores Canelo.
En la intervención de la maestra Guillermina Bravo, quien se considera a si mismo como una artista del siglo XX comento que los artistas de su generación, en todas las disciplinas existentes; música, pintura, escultura, literatura, pero sobremanera la naciente danza, se tenía considerado a el arte como una forma para expresar fundamentalmente lo que se vivió en su tiempo.
De ahí que espera que los actuales coreógrafos tomen la estafeta para decir lo que pasara en el siglo XXI.
Fue muy enfática la fundadora de uno de los principales íconos de la danza contemporánea como es el Ballet Nacional, al señalar que “con mucho cariño y esperanza cede mi estafeta a Lydia Romero, quien va encabezar al grupo de coreógrafos que van a expresar lo que va a pasar en el siglo XXI”.
Por su parte la galardonada con el premio Guillermina Bravo, Lydia Romero agradeció a la bruja, artífice de la danza, “a nuestro oficio que me ha proporcionado los momentos más gozosos y divertidos de mi existencia, a los interpretes que son la danza y al público potosino por su lealtad que ha participado durante 27 años el festival”.
Aun con la emoción refleja al recibir este reconocimiento se comprometió públicamente de presentar ante el público potosino el próximo año la obra de los festejos de los XXV años de la compañía el Cuerpo Mutable, que convoca a las obras más representativas de vida dancística de la compañía; El viaje(1982), golpe de gracia(1985), bajo relieve(1989), Special the delivery(2004) y papeles de guerra( 2006) que son objeto de este reconocimiento.
Comento que este reconocimiento es “como un camino andado, más que un reconocimiento. Ya que es una participación de la construcción de la danza en el país. Un espejo que solo muestra la obra de un creador con sus múltiples caras de la danza”.
Ante la concepción del que el arte es efímero y la danza muy personal manifiesto la directora de la Compañía El Cuerpo Mutable: “Algo que a mí me encanta pensar, es que las imágenes que pasaron por el espectador en su cerebro, se conserven, eso es maravillo”.
La galardonada por su trayectoria en la docencia Clara Carranco, maestra especializada en la técnica de danza clásica cubana dijo que es un honor recibir este premio, el cual le hace vibrar su corazón.

“Alma daltónica” de la compañía Quiatora Monorriel.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Se presentó la obra “Alma daltónica”, una coreografía de Evoé Sotelo en el Teatro de la Paz, como parte de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
“Es una coreógrafa que quiere decirnos algo, al querer expresarnos ese dolor humano, aunque esta un poco plana y lenta la coreografía”, declaró la maestra Guillermina Bravo en relación en su primera visita a esta propuesta dancística.
Una obra que plasma y desentraña un universo, donde el quebranto se manifiesta como una condición innata en los hombres y mujeres en estos tiempos actuales.
Donde transitan ocho personajes en el marasmo de lo animado e inanimado del dolor en todas sus extensiones posibles, quienes van construyendo su propia dramaturgia bajo los linderos de lo escatológico, a pesar de solventarse bajo la economía del movimiento y el rico sustento por las atmósferas creadas bajo el diseño escenográfico y de iluminación a cargo de Mauricio Asencio- Becario de jóvenes creadores del FONCA 2006-2007- y el transito musical tan cambiante.
Esos itinerante y doliente viajeros son: Fredy Campos, Katia Castañeda, Mitzy Dávalos, Frida Islas, Surasí Lavalle, Hunab ku Mata Caro, Victoria Riva Palacio y Benito González
Alma daltónica, representa el lado B de esta notable coreógrafa, quien siempre se ha distinguido por reflejar sus preocupaciones con un sentido más lúdico del acontecer humano, así como trastocar su propia lógica creativa.
Una coreografía que representa la madurez como creadora, y a la vez refleja la consistencia de la agrupación en estos 15 años de existencia. Con la consistencia de la experimentación que estimula la creación plena, sin la intención de jerarquizar las expresiones acuñadas en sus procesos como son; la música, la danza y las artes plásticas.
Una Sotelo en conjunción con Benito González, son la parte medular y creativa de este proyecto dancístico, Quiatora Monorriel, el cual ha sobresalido como una de las mejores compañías de danza contemporánea en el país, por su innovación y frescura.
Alma Daltónica es una coproducción del programa México en Escena de CONACULTA, la UNAM y Quiatora Monorriel S.C.

Cabaré Cri Cri. Un homenaje múltiple.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Se llevo a cabo un homenaje respetuoso, lúdico e irreverente a Don Gabilondo Soler, Cri Cri, por el centenario de su nacimiento, el espectáculo “Cabaré Cri-Cri” un homenaje múltiple.
Como resultado del trabajo realizado en el taller “Así fue el Cabaret 2 dentro del marco de las actividades de los talleres de actualización del XXVII Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Un espectáculo que contextualiza temas de actualidad como la ecología, la discriminación, la diversidad sexual, sin hacer dejo de los asuntos de la política nacional. Todo esto bajo las versiones inéditas de canciones tanto conocidas como desconocidas del homenajeado como: “Las brujas”, “Chong Ki Fu”, “Métete Teté” , “los Mayates”, “Che Araña”, “el chorrito” y “la muñeca fea”.
Dedicado también a memoria de Marcel Marceu y Luciano Pavarroti, con todo el debido respeto.
Con un elenco de entusiastas, talentos en pleno desarrollo y entrenados bailarines, trabajo el maestro Tito Vasconcelos dados en su curso, donde los bailarines pusieron en práctica sus conocimientos de este arte multidisciplinario, al presentar un programa que estuvo integrado por los siguientes sketches: “Che Araña”, “canción de las brujas”, un puntilloso cuento titulado “Terror Sicológico, “el Chorrito”- muy dedicado a María González, directora de festivales internacionales de esta entidad.
Con un “arránquesela que es suya”, daba la entrada la anfitriona y la bien afinada cantante, la Beba Boticelli- distinguida pepsicóloga e investigadora argentina de la conducta humana, magníficamente interpretado por el maestro Tito Vasconcelos a su músico y arreglista Alejandro Muraira.
Se destaca la interpretación como el Ropavejero del maestro Orlando Scheker, ex bailarín del Ballet Nacional de México y la pequeña intervención de la periodista Rosario Manzanos.
Sin caer en la nostalgia generacional y más en relación de este polifacético compositor. La anfitriona fue llevando con su peculiar visión de la vida profesional y... personal, siempre acompañada con un humor ácido, directo, sin tapujos de decir que “Soler no es mexicano, es argentino, por el único motivo que no se lo merecen” y la clara misogenia de Gabilondo Soler. Enfatizo la anfitriona Argentina.
Un viaje musical que va desde un terrorismo maternal encarnado en la estructura de un cuento corto, la historia de Maruco y Charito- Terror Psicológico- hasta toda una propuesta escénica del grupo verde, quien con una sátira muy de conciencia ecologista y ser complementada con una interactiva y divertida coreografía bajo la pauta musical de “El Chorrito”.
Con los pases y evoluciones de Miguel Mancilla e Isaac Chau, se presentó el estreno mundial del bailable ¿ No que no? Con la compañía “Las quebraditas del Norte”, el cual estuvo cariñosamente dedicado a la maestra Guillermina Bravo.
Todo bajo el compás musical del “Ratón Vaquero” de unos irreverentes y sediciosos vaqueros: Isaac Chau, Israel Chavira, Gervasio Cetto, David Salazar y Daniel Delgadillo y complementada por las imágenes de la película Secretos de la Montaña, para después mezclarla con la canción de “los Mayates”.
Contándose con el apoyo incondicional para la realización de esta pieza, gracias a Rosario Manzanos quien fungió como reggiseur y diseños de la Miss-Tito Vasconcelos-.
Bajo la cadencia y el sabor, se presento una coreografía guapachoso y muy de actualidad “Metete teté”, interpretada y cantada por Flor Garfias junto con excelso y desinhibido cuerpo de baile.
Una de las obras menos conocidas por el respetable que abarroto este espacio dedicado a la salsa, bajo el formato de Opera china Pirata, “Chong Ki Fu
Para proseguir con el Jicote Aguamielero y terminar este espectáculo con una imprenscindible canción de gran acervo musical infantil ” La muñequita fea”.
De esta forma da por concluido este festín de irreverencia, alegría y un poco de cualquier tipo de conciencia.
Los integrantes de este taller agradecieron a los presentes con su apoyo para la puesta en escena de este espectáculo.
“Es para mi un privilegio contar con este elenco. Jóvenes bailarines entusiastas, dueños de cuerpos muy bellos y entrenados de espléndida manera; talentos en pleno desarrollo, que están destinados en el futuro a dar continuidad al trabajo que hace ya muchos ... muchos años inició Lila López” Tito Vasconcelos-La Miss-.

Por fin se presenta la Maldita Vecindad en tierras potosinas

Después de varios intento de traer a tocar a estas tierras huachichilas, por fin se hizo y tener esa buena oportunida para disfrutar de esta banda de world beat, la Maldita Vencindad y los hijos del Quinto Patio, que sin más hicieron eco con sus peculiares letras-urbanas-, que sin más incidieron en el sentido critico y estético en los jóvenes ochenteros y noventeros, quien además presentará su más reciente producción discográfica.
Además de disfrutar de una de las bandas potosinas más sobresalientes en este momento del quehacer musical, Pamalanga, que presentarán también una probadita de su primera producción discográfica que esta en proceso de grabación, al tener como productor musical al paisano de Soledad, El SAX de la Maldita,.
Todo se congrega en este Tuna Fest. No que olvidar que este festival va aunado a las diversas expresiones artísticas que se conjuntaron para este festín que se llevará a cabo en el Tradicional lugar como el el Salón Río.

No hay que olvidar que además se apoya a organizaciones no gubernamentales que trabajan con y para los chavos como tú.

Checa el flayer para mejor no errrarle.

Con tu Hombro; comparten con los potosinos sus XX años de quehacer dancístico;Antares.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

Con la presentación de la compañía sonorense, Antares, una de las compañías con mas trayectoria en el quehacer dancístico nacional, quienes compartieron con el público potosino sus XX años de trayectoria ininterrumpida en estos devenires tepsicorianos.
Los bailarines sonorenses bajo la dirección de Miguel Mancillas presentaron la coreografía “Tu hombro”de Miguel Mancillas.
Una pieza que recupera la esencia de Antares; la preocupación de hablar sobre la soledad y la interioridad del individuo en relación con los demás.
al que implica. El cuestionamiento en cómo se debe de llegar a enfrentarse sin dejar de ser yo, así como la indefensión de los personajes.
Una obra que demuestra la madurez del también coreógrafo. Con una dramaturgia del movimiento que queda signado en ese juego que va desde un dúo hasta el quinteto, al sumarse a este proyecto la bailarina Tania Alday y el cantante Emanuel Bojórquez que contribuyen a desentrañar la complejidad del movimiento, así como las excelentes atmósferas logradas por Ivonne Ortiz.
Siempre en la inquebrantable búsqueda de una continuidad del movimiento y no caer en la facilidad del lugar común, a pesar de la complejidad del movimiento que pasa desapercibido por la excelsa calidad interpretativa de los integrantes de esta compañía sonorense; Isaac Chau, David Salazar y Gervasio Cetto.
Una pieza coreográfica que incorpora el video como parte de un discurso paralelo, donde los bailarines demarcan el olvido, abandono y la nostalgia, así como la confrontación de distintos de la sexualidad reflejados en los mingitorios o baños.
Tu hombro, una coreografía que podría caer en lo pretencioso, pero es más bien una secuencia de una madurez en la forma de plantear una de las principales preocupaciones que no solo le atañe a este creador sonorense, sino a muchos, a pesar del mordaz y seductivo post modernismo.
Para muchos queda con un buen sabor de boca, al presentar una seductora y penetrante poética en la investigación de sensaciones motrices; para otros la postergación del tiempo a través del movimiento en movimiento.
Además, no hay mejor forma de concelebrar estos XX años de luchas, gratificaciones y denuedos, que siendo parte del justo homenaje a una de los pilares de la danza contemporánea, la muy querida y respetada por el gremio dancístico, la maestra Guillermina Bravo, quien recibió por parte de las autoridades pertinentes por su labor artística en México como en el Mundo, una bella medalla de oro, así como un jugoso cheque y una serie de homenajes dentro de las propuestas musicales y dancísticos. Pero ante todo esto, uno de los máximos galardones que puede recibir un creador, quien ha creado un estilo muy particular de hacer danza y a hecho escuela, es el cálido y respetuoso aplauso del respetable que se dio en buena cita en el Coloso de Villerías, para honrar la sencillez de esta gran mujer mexicana.
Todo esto como parte de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional de danza Contemporánea Lila López.
Como epílogo: En festivales anteriores, era tanto el cuidado por parte de la organización en cuanto a detalles como entrar a tiempo y esperar si era oportuno el programa presentado por la compañía en turno, hasta eran regañados tanto el público como medios de comunicación por entrar a tiempo en las funciones, donde no se quería el mínimo de luz por respeto a la compañía que presentaba su propuesta dancística. Fue muy palpable el descuido de este, al verse abrir puertas como en su casa, tanto por el público y parte de la organización-verdad María González- para perderse el respeto en ese momento lo propuesto por la compañía en turno- Antares-. O será que ya es el final del festival o tuvo que ver todo la maramalla protocolaria por la bienvenida y salida del Gobernador del Estado que estuvo en dicho homenaje. Ahí queda el dato.-

Emotivo homenaje a la Maestra Guillermina Bravo.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

Referirse a la personalidad de la maestra Bravo, “no sólo fue una gran bailarina y luego coreógrafa, sino una mujer de gran controversia, en la época en que la defensa de los derechos a los débiles era considerada materia subversiva. La maestra Bravo, por su perseverancia trascendió a éstas críticas y a mucho más, para así colocarse en la cumbre del éxito. Su trabajo no quedó ahí, debido a su vocación como formadora de tantas generaciones de jóvenes bailarines”, comentó la crítica de danza e integrante del Consejo artístico del festival en relación a la maestra Guillermina.
Pero particularmente le atrae de la maestra Bravo a la también periodista es la gran pelea que tuvo con el compositor y director de la Orquesta Sinfónica Nacional y hoy en día, mantenga con sustento sus ideas radicales que sin más conforma un gran apoyo a los mexicanos, así como la gran formación de bailarines mas no de coreógrafos.
Uno de los máximos reconocimiento otorgado por el Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López por la labor indiscutible a la difusión dancística en México y en el mundo, le fue entregado a la maestra Guillermina Bravo, considerada como la primera coreógrafa del siglo XX.
Por su parte, el maestro Ignacio Toscano, director de la fundación Instrumenta Oaxaca, con un tono emotivo, reconoció la labor artística de la maestra Bravo, y anunció que en breve se efectuará un homenaje colectivo organizado por esa institución y el Gobierno del Estado de San Luis Potosí, en el que participarán los compositores Mario Lavista, Ana Lara, Eduardo Álvarez, Marcela Rodríguez, José Luis Castillo, Eugenio Toussaint, entre otros, con la composición de obras por encargo en homenaje a la maestra Bravo; así mismo, los coreógrafos Marco Antonio Silva, Pilar Gallegos, Alicia Sánchez, Miguel Mancillas, Benito González, Lidia Romero, Adriana Castaños, serán los encargados de crear las respectivas coreografías en torno a la rectora de la danza contemporánea de México.
Para darse cita en este acto emotivo, un público conformado por artistas, críticos y amantes de la danza, en el marco del esplendoroso Teatro de La Paz. Donde la homenajeada estuvo acompañada por el Gobernador Constitucional del Estado de San Luis Potosí, Marcelo de los Santos Fraga y de su señora esposa, el maestro Ignacio Toscano, la crítica y escritora Rosario Manzanos, integrantes del Consejo Artístico del Festival; los bailarines Antonia Quiroz, Miguel Ángel Añorve, Orlando Scheker, bailarines del Ballet Nacional de México; Carmen Alvarado, fundadora de éste festival, así como María González, directora de Festivales Internacionales de San Luis Potosí.
La Maestra Guillermina Bravo recibió entre la emoción y el haber recorrido durante más de seis décadas los caminos del escenario por ésta extraordinaria artista mexicana, un bello rebozo de Seda plateado-pieza artesanal del pueblo de Santa María del Río, así como una medalla de oro y un premio económico de 100 mil pesos.
Visiblemente emocionada, la homenajeada, con su voz ronca pero certera, comento que siempre ha deseado y buscado obtener este premio, hecho en su honor por cierto, al preguntarle y confirmar el dato con Carmela, como le dice la maestra Guillermina a la otrara homenajeada. Le contesta en el mismo tono, “27 festivales maestra”, entre la risa nerviosa de Carmela y las personalidades que acompañan a la maestra Bravo.
Para después de recibir dichos premios fue plenamente cobijada por varios minutos en un cálido aplauso y los bravos del respetable que se dio cita en este recinto cultural, previo a la presentación del grupo sonorense Antares Danza Contemporánea, con la coreografía de Miguel Mancillas: Tu Hombro; también en homenaje a la maestra Guillermina Bravo.

Pacificofly, una propuesta musical de entrega y el firme compromiso con su entorno.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una banda que vive “al borde” como da titulo a su disco de cuatro músicos de entrega y comprometidos con su entorno.
Hablamos de los Pacíficofly que se presentaron en uno de los espacios que da cabida a las propuestas musicales independiente de nuestro país y más allende de... en estas tierras potosinas. Brixton Pub San Luis Potosí.
Una banda que se distingue por dar un “plus” en vivo, donde todo gira en un juego energético en el stage, y a la vez contribuye a resaltar esa línea de emoción, siempre apoyado por un sonido que es un grito de guerra para la banda, la cual incidió en los asistentes que bailaron y hasta tararearon sus canciones en su primera visita a estas tierras huachichilas.
Muy puntuales en sus comentarios tanto Adrián como Henri en cuanto a sus canciones no son efímeras- y por lo tanto son tan conscientes que están seguros que se van a quedar en la savia del público.
Sin una preocupación en cuanto a la utilización de un lenguaje musical en especial, a pesar de ser acotados como rockpop/alternative, para ellos “simplemente es un medio para que el mayor número de gente posible los escuche y los entienda, ya que no van encaminados solamente para un grupo específico, sino más bien para las masas.
Esta banda originaria del Norte del Distrito Federal no buscan poner una barrera entre la gente que los escuche y ellos. Sino más bien, se ven como una banda que tiene esa energía que muchas bandas actuales no las tienen.
Con cinco años en su haber de estarle talacheando y pagar el derecho de piso en este difícil medio, comentaron que ha sido fructificante para ellos, desde su encuentro en una escuela de música, el cual los ha conformado como un proyecto muy satisfactorio.
De ahí que “hay muchas maneras más fáciles de ganar dinero en el rock and roll, pero sino tienes un ideal y no tienes una bandera que defender a capa y espada, no sé que tienes que hacer en el Rock and Roll”, destaco Henry, guitarrista de la banda
Con un claro sentido de su ideal y a la vez conscientes de que ahí que generar que las cosas sucedan, como lo que significa -Pacíficofly-; pacifistas en acción; hombre comprometidos con su entorno y atentos a la búsqueda de estar bien con él, así como su preocupación por lo que acontece en nuestro país y el mundo”.
Con una propuesta encaminada en la búsqueda de hacer canciones con una buena calidad musical, no hace dejo de participar en importantes festivales como el Festival Manifest, Corona Fest y demás semejanzas, simplemente buscan ser escuchados y valorados su trabajo creativo por la gente.
De ahí la gran seguridad mostrada por sus integrantes en cuanto a su proyecto trascenderá más allá de las modas y las críticas en su tiempo.
“Creemos en la bandera que tenemos, de ahí que no solamente es salir en la radio, salir en las revistas o tener entrevistas, “sino más bien es creer en lo que hacemos”.
En relación a su primera producción discográfica titulada “Al Borde” comento Adrián: “Es un disco muy logrado en su totalidad. Una producción totalmente independiente, que quizás no entre tan fácil a la primera escuchada, porque hay que buscarle más allá. Pero que creemos que su –plus- es tienen canciones que tienen que perdurar y agradecen por la total confianza de Fonarte Latino” en creer en su proyecto y la libertad creativa del disco.
Comentaron que entre sus proyecto a mediano plazo se encuentra la terminación de su la primera parte de su gira que comprendió el centro norte de nuestro país, para continuarla en febrero por el sureste mexicano.
Pacíficofly esta integrado por: Adrián en las vocales y guitarra, noise&programs; Henri en la guitarra:. Yago en el bajo y Pablo en la batería.
Para mayor información de la banda pueden checar su: www.myspace.com/pacificoflymusic

Se presento ante su gente, el Ballet Provincial en el Teatro de la Paz.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Con una proyección de un estilo y una mística dancística en el Ballet Provincial que ha durado y ha permeado desde su fundación en 1964, creada por la inolvidable Lila López.
Se presentó ante su público, como parte de las actividades de la XXVII edición del Festival de Danza Contemporánea Lila López.
Un programa en el cual se presentaron las coreografías de repertorio con un aire nacionalista; “Cactus”y “rebozos” de la maestra fundadora, Lila López, de esta forma quedo integrada la primera parte, para ser complementada por: “Historias de la inmovilidad; Ensayo No. 1”, coreografía colectiva-Magdalena Brezzo, Antonio Salinas y Marco Antonio Silva y el estreno mundial “A fuego lento, coreodrama epistolar, 15 provocaciones para 15 bailarines” de igual manufactura al anterior trabajo coreográfico.
Dio inicio la función entre las tardías entrada del público para tomar sus lugares en el Teatro de la Paz y los inoportunos encendidos de las luces de sala, para disfrutar? de los trabajos coreográficos presentados por esta compañía danzaria potosina.
Cactus, un baile emblemático para el ballet Provincial, pues además de visualizar a través de buenas metáforas en movimiento, reflejan los aspectos orográficos de San Luis Potosí, como son sus zonas desérticas, a la vez que simboliza la soledad y el estado reflexivo del ser humano, mientras que Rebozos pondera la feminidad de la mujer mexicana y muestra las 45 formas en que se puede portar esta prenda tradicional y entrelazar imágenes de la cotidianidad.
Historia de la inmovilidad, ensayo número uno, coreografía colectiva-Brezzo, Salinas y Silva-Interesante trabajo corporal en los noveles bailarines, aunado con interesantes interconexiones de escenas y sucesos- elementos incorporados-, pero como dice su titulo queda como un simple ensayo o el aprendizaje del –real- trabajo formativo de un “bailarín en todos sus términos”.
Con respecto a la pieza “A fuego lento”, una de las coreografías más anunciadas como parte del trabajo de la apertura de “recibir otras corrientes, otros estilos, otras ideas, porque el Ballet Provincial crecerá y seguirá creciendo”, como fue señalado su directora, Carmen Alvarado, durante su intervención en su homenaje por parte del FIDCLL por sus cuarenta años de enseñanza de la danza.
Este trabajo coreográfico que se forjó bajo el formato del trabajo colectivo. Un quehacer introspectivo y denso, que narra todo los avatares sucedidos dentro de un ensayo que es perfilados por los jóvenes bailarines, quienes mediante la asesoría de Silva, Salinas y Brezzo lograron transformar esta intimidad en suspicaces pasos de baile.
Entre racimos de flores, sonrisas, algunas caras de asombro y otros de incertidumbre, así da inicio esa nueva etapa de una oxigenada compañía- Ballet- de danza potosina en esta certidumbre cultura potosina.
Como lo fue el ser prohibido la distribución de una revista cultural-cafetemas- de nuestro distinguido amigo y periodista Esquivel por una caricatura en torno a las excelsas condiciones higiénicas que se encuentran las instalaciones de un distinguido club social de los potosinos, que esta por el rumbo de Morales.

Homenaje en vida a la maestra Carmen Alvarado por sus 40 años dedicado a la danza.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Un 10 de Octubre, se cumplen seis años de la muerte de la maestra Lila López, creadora tanto del Ballet Provincial y como lo diría en su momento: “Estimado público potosino, yo estaré siempre con ustedes en espíritu, en este festival muy mío, muy de ustedes, muy de los bailarines y muy de los potosinos” en relación a su Festival.
Y no hay mejor forma de recordarla que bailando, al presentarse su compañía Ballet Provincial que dirige actualmente la maestra Carmen Alvarado, con un programa de repertorio y dos nuevas coreografías hechas ex profesamente para la compañía fundada en 1964, como parte de las actividades de la XXVI edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Al tener como escenario el Coloso de Villerías, se presentaron las coreografías de repertorio con un aire nacionalista; “Cactus”y “rebozos” de la maestra fundadora, Lila López, de esta forma quedo integrada la primera parte, para ser complementada por: “Historias de la inmovilidad; Ensayo No. 1”, coreografía colectiva-Magdalena Brezzo, Antonio Salinas y Marco Antonio Silva y el estreno mundial “A fuego lento, coreodrama epistolar, 15 provocaciones para 15 bailarines” de igual manufactura al anterior trabajo coreográfico.
Siempre hay sorpresas, gratos o no, al salir entre telones como un prima ballerina y ser cobijada de inmediato por aplausos y ser felicitada por el público-entre amigos, alumnos, profesores y gente de danza- a la homenajeada en vida; la maestra Carmen Alvarado por sus cuarenta años de consagrarse a la difusión y enseñanza de la danza, siempre acompañada de sus inseparables amigos con quien ha compartido muchas historias, enseñanzas y anécdotas; Lic. Gilberto Vázquez, director del IPBA, Ing. Raúl Gamboa López, hijo de la desaparecida maestra Lila, quien con una voz entrecortada comento acerca de la homenajeada; “Ciertamente todos conocemos a la maestra Carmen como la actual directora del Ballet Provincial de San Luis, o como Carmen la coordinadora del área de danza del Instituto Potosino de Bellas Artes, o quizá por su labor artística, y de gestión. Pero pocas personas fuera de San Luis, saben del arduo trabajo de trinchera que realiza a diario para inculcar amorosamente la danza en los niños y niñas potosinos”.
Continua: “Hoy, Carmen, se nos presenta como un pilar básico de la Danza en México y es por eso que en éste día tan especial para todos los involucrados en la danza de cualquier manera, nos representa un verdadero placer el poder rendirle un merecido homenaje”, ante la mirada conmovida de una de las partes que no sabemos de esa mujer amante de las cosas bellas, la música, la buena mesa, de charla agradable, acérrima enemiga de las cucarachas, incesante viajera, excelente amiga, luchadora incansable, compradora compulsiva de zapatos. Para después fundirse con Raúl en un gran abrazo fraternal.
Entre el dominio de la emoción que esta a flor de piel expresó la homenajeada: “estoy emocionada al ver lo que ustedes verán próximamente, ver bailar a –una nueva generación- del Ballet Provincial, -quienes en- esta noche están con ustedes entregando una parte de su emoción, de su trabajo, de su pasión, ellos lo merecen y les dio toda mi admiración, todo mi respeto, todo lo mejor de mis ideas que pudiera darles se las doy esta noche y siempre”.
Según la maestra Alvarado en cuanto al actual Provincial señaló,“ es una generación preciosa, a quien se los doy con todo mi corazón, mi alma y mi respeto”.
Enfatizo: “Seguiremos bailando. El ballet Provincial y su repertorio de la maestra Lila que este día hace seis años se fue y que orgullosamente lo bailamos ahora y –lo- seguiremos bailando siempre, pero, también estamos abiertos a recibir otras corrientes, otros estilos, otras ideas, porque el Ballet Provincial crecerá y seguirá creciendo, este yo o no este, alguien más por ahí, debe de estar para llevar al Ballet Provincial no a 40 años, no 50 años, sino todos los que puedan venir por delante, porque mientras exista alguien que tenga el amor por la danza este grupo seguirá y este festival también”.
Abrazada por un gran aplauso al recibir de manos de la Lic. María González, directora de festivales Internacionales de la Secretaria de Cultura de San Luis Potosí, un sencillo reconocimiento, la cual la homenajeada lo compartió con su gente, sin más preámbulos que inicie la función.

Se presentó el “Circo Barroco” a cargo de Anima A.C.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

A pesar de plantearse como una interesante propuesta coreográfica ligada a lo circense con texturas barrocos, como es anunciado en el programa de mano:“Es un circo invisible que hospeda un universo alterno, una realidad paralela dentro de la cabeza de una persona, es un macondo particular”, a cargo de la compañía Anima Inc.
“Circo Barroco”, un montaje coreográfico basado en la idea original de -Miriñique ¿Seré yo la causa de mi propio dolor?- de Alejandra González Aranda, fundadora y directora artística de la compañía.
La cual nos remite a ese Circo Miriñaque Gigante, que no es solamente es el símbolo de la enagua universal, de la panza de la madre, la suya y supongo que la de todos, sino más bien como explica claramente Alejandra González Anaya, lo que representa y simboliza el concepto Miriñaque en su vida: la cerrazón en la educación de las mujeres en su nativo Coatzacoalcos; el mundo católico y convencional que la atrapaba, y su fuerte decisión a romper con todo lo que le apretaba y la constreñía a ser la mujer que no quería ser.
Un espectáculo complaciente que cuenta la historia de una mujer que no sabe volar, “la Mujer Azul”, la mujer sola con su lucha incansable de quitarse ese corset, de la estructura que conforma su jaula, su propio encarcelamiento, a pesar de escoger una vida distinta de las demás dentro de su jaula- mundo lúdico e imaginario- al fusionar tanto la danza contemporánea clásica, aérea, circense y teatro, el cual esta dividido en dos actos o tempos.
Se puede rescatar y destacar las interpretaciones técnicas de los bailarines que hacen un fuerte derroche físico, pero no hay mucho que esperar, sino un gran despliegue de fuerza y virtuosismo de sus integrantes, así como la destacable interpretación mímica en el papel de la cantante.
Donde los danzas se suman más hacia su autobelleza- bonitas-, para incidir en un público que se dio en buena cita a este recinto cultural Teatro de la Paz-, que salió más que complacido de este placentero viaje, como parte de las actividades de la XXVII edición del Festival de Danza Contemporánea Lila López.
Anima Inc, surge como parte de la transformación de la Compañía Humanicorp Danza Aérea que dirigían de forma conjunta: Gerardo Hernández y Alejandra González Anaya, al renunciar esta última de la compañía hace más de un año y medio, y decidió crear su propia compañía que fusiona danza clásica y contemporánea, teatro, humor y artes circenses.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO; BAILAR EN GUADALAJARA DE ANGELICA IÑIGUEZ.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

“Es lamentable que no sepamos de lo que pasa en el país, no solamente en el quehacer dancístico”cuestionó la crítica de danza Rosario Manzanos en la presentación del libro Bailar en Guadalajara-árbol genealógico de la danza contemporánea- de la periodista y bailarina, Angélica Iñiguez.
Simplemente es esa solitaria gota que discurre lentamente por ese inhóspito desierto, para tratar de solventar la aridez del quehacer de la investigación de lo dancístico que se hace y ha hecho en la tan llevada “”Provincia Mexicana”.
Ese sentido de vida-gota- que se ha sido transformado en un libro que habla sin tapujos de ese árbol genealógico de la danza contemporánea tapatía.
Un trabajo periodístico que fue presentado dentro de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional Lila López.
La autora estuvo acompañada por la periodista y critica de la revista Proceso Rosario Manzanos, Nesly Mombrum director de danza de la Secretaría de Cultura Jalisciense y la Lic. María González, directora de festivales internacionales de la SCSLP.
Un libro que hace la afrenta de la enemistad del poder con el periodismo, ya que el reportero informa, consigna y publica, a pesar de Angélica ser una periodista natural que sabe utilizar perfectamente cada una de las reglas más voraces del periodismo.
Una lectura interesante en donde la autora va en la búsqueda directa de los personajes; bailarines, coreógrafos, fotógrafos, iluminadores y ponerlos en su contexto, “ en donde también va en la búsqueda Angélica de otros tratamientos de investigación, pero lo más importante es que se quede la información en los lectores o interesados en el tema”enfatizo la crítica de danza Rosario Manzanos.
Ante una falta de documentación sobre danza, se lanza a esta aventura la periodista Iñiguez con “ Bailar en Guadalajara”, el cual sin más hace transitar en sus primeros capítulos al lector hacia una reconstrucción histórica de la danza en estas tierras tapatías a través de la documentar el panorama reciente de la danza contemporánea con su pasado, hasta llegar a las primeras manifestaciones de la danza, a finales de los años 50`s, Se recopilan fechas y lugares, nombres de coreografías, también puntos de vista, anécdotas y contradicciones, que permitirán a cada lector formar su propio juicio.
No hay que olvidar que la memoria es un acto que se transforma por si mismo, de ahí que aparezca el conmovedor lado humano donde los recuerdos pueden ser inexactos. De ahí que recurre a la entrevista , al reportaje, a la crónica , a la nota informativa y al pie de foto. Pero que sin más puede volverse en un acercamiento fundamental que podría ser parte del gran diccionario de la danza.
Surge este libro por la necesidad de esta hija de artistas- su padre es profesor de danza y teatro, su madre- fue bailarina y actualmente es maestra de música, a partir de sus trabajos periodísticos escritos de “esta actividad rara y poco bonita o entretenida”, la danza en el periódico más decano de Guadalajara, el Informador, para después concretarse en un proyecto y ser aprobado por el Consejo Estatal de Cultura y las Artes de Jalisco, dentro del rubro de publicaciones de investigación.
Para surgir este pertinaz libro no convencional de historias donde se impone una versión digerida, más bien ofrece datos concretos que llevan a una lectura bajo un régimen periodístico, se vuelve un viaje ameno, que va desde la rotunda negación de ser entrevistada, uno de los pilares de la danza jalisciense, Celina Taydee López Gálvez hasta lo más reciente de preposiciones coreográficas, sin hacer dejo de un capitulo injusto concatenado con ese ¿Futuro promisorio?, todo esto con el ánimo de ser parte de esa indagación del árbol genealógico de la danza contemporánea en Guadalajara, para colocarlo en una de sus ramas donde mira con creciente interés todo lo que sucede a su alrededor.

Magnánima interpretación de las Suite para cello de J.S. Bach a cargo del Mtro. Ignacio Mariscal.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Muy gustoso de estas por estas tierras potosinas con gente tan bonita y tan agradable y sensible para el gusto de la música culta. comento el maestro Ignacio Mariscal, considerado como un ejemplo de los magníficos ejecutantes que reúnen la peripecia digital de las escuelas europeas y un sentimiento innato.
Al presentar un tener un espléndido programa que comprendiò la ejecución de la Suite No. 1 en Sol Mayor, BWV 1007; Suite No.3 en Do Mayor, Bwv 1009 y finalizar con la Suite No. 5 en Do Menor, Bwv 101, al tener como escenario, la Sala Francisco de la Maza del Museo Francisco Cossío, como parte de la XXXV Temporada de Promúsica en San Luis Potosí A.C.
Para el también integrante del grupo de concertistas de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música y ópera de INBA, las suites siguen teniendo la magia y a la vez siguen siendo una música susceptible de mejorarse en la interpretación, “Ya que se puede pasarse toda una vida tocándola y siempre se encontrara algo que pueda uno mejorar, cambiar o de aumentar música, sino más bien, en la experiencia de profundizar en esta gran obra de Bach.
Obras que el genio alemán compuso a la mitad de su vida cuando vivía en el principado de Cöthen”, al realizar música llamada en ese entonces profana, donde estaba más bien dedicada esta en su relación de su vida a Dios y el cual lo refleja en su espiritualidad, misticismo y la grandeza de lo que el hombre puede desarrollar.
Señalo el cellista que “nunca me canso de interpretar esta obra”, de ahí el compromiso de seguir aprendiendo, renovando y estar madurando las obras que son enormes, que como catedrales góticas, buscándole cada rincón, cada ángulo. No termina uno de encontrarse sorpresas”.
Al ser una selección al azar de las Suite antes señaladas, están basadas en una gradiente de dificultad, en donde la ,1,2 y 3 son menos complicadas de las últimas tres.
“De ahí que sea muy saludable la interpretación de las suites completas en dos programas, para que sea este muy sano y saludable tanto para el que lo escucha como el que lo interpreta”, puntualizo el también recitalista.
A pesar de la dificultad que contrae escuchar dichas suites, comento que hay mucho entusiasmo del público por escucharlas y estar en la expectativas de estas obras. “A pesar de ser muy complicadas ha tenido muy buena aceptación como es el caso de haberlas presentado en la sierra queretana y en lugares donde nunca habían escuchado un concierto y la gente salió muy feliz”.
“No es solo cuestión de conocimiento sino de sensibilidad, el ser receptivo al captar el mensaje”, enfatizo el concertista.
En cuanto a lo música contemporánea revelo que tiene pendiente la presentación del estreno del concierto para violoncello y orquesta del compositor Leonardo Coral, así como el Concierto de Samuel Maynéz.
Con su talante de inconformidad el maestro sigue incursionando en el repertorio de música contemporánea, buscando obras para complementar programas y uno de ellos es la de conformar un programa de violoncello bajo este término.
Es importante resaltar su incansable trabajo de revaloración de compositores mexicanos, el cual se siente orgullo de poder tener la oportunidad de rescatar la obra de algunos compositores que estaba su obra a punto de desaparecer-desde piezas muy apolilladas hasta las de caerse en pedazo, el cual se ve reflejado este arduo trabajo en una seria investigación que reúne más de 300 obras de autores mexicanos de los siglos XIX y XX, que comprende piezas para violoncello solo, violonello y piano, violoncello y orquesta y violoncello con otras combinaciones.
Pero no todo ese ímpetu quedo en la investigación antes citada, sino que organizo el también catedrático de la Escuela Nacional de Música(ENM), un festival donde se interpretaron más de 60 de estas obras recuperadas, además de quedar integrada este notable bagaje musical para formar parte del acervo de dicha institución musical y a la vez formar parte del plan de estudio y programas de la ENM, para que los estudiantes lo sigan tocando y desarrollando estas obras mexicanas.
A pesar de que en la actualidad hay mucho interés en Europa y en Estados Unidos por la música latinoamericana, afortunadamente tenemos una pléyade de compositores muy valioso y talentoso. “Un tesoro musical olvidado un poco pero gracias a instituciones culturales y el incremento de la planta de maestro investigadores se ha venido una revalorización de música mexicana”, asevero el maestro Mariscal.
Actualmente esta realizando un seminario en la ENM de música latinoamericana para el violoncello, “esto viene a repercutir que hay un extensa acervo musical de este noble instrumento en nuestro continente”, pero enfatizo que este seminario tiene una prioridad que es la música mexicana en voz de los noveles estudiantes así como los compositores mexicanos”.
También ·”con la idea de que se conozcan este repertorio, donde también- nosotros- lo conozcamos”-enfatizo el investigador
En cuanto a la producción discográfica comento que esta por concluir un disco con el maestro Carlos Alberto Pecero, el comprende con obras del tiempo de Schubert, el cual incluye piezas de la sonata de Richard Strauss, Elegía de Gabriel Fauré y el Arpegione de F. Schubert; por cierto este programa ya fue presentado aquí en este mismo escenario potosino.
Así como también esta la realización de un disco con los más importantes encore-pequeñas y bellas piezas musicales- sin excluir música mexicana. Proyecto compartido con el pianista y maestro de la ENM Emilio Hernández.
Para mayor información de este excelente persona, maestro y músico, pueden checar su website; http://www.ignaciomariscal.com/

“ Live “ Interesante y peculiar propuesta a cargo de Wee Dance Company.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una propuesta de una video instalación-coreográfica que esta enfocada más hacia la importancia al concepto que está detrás de la pieza, a pesar de que hay un fuerte sentido de la tecnología, pero solamente a un nivel de expresión”, señalo el coreógrafo y productor italiano, Francesco Scavetta, de la agrupación Wee Dance Company
Quienes se presentaron en el Teatro de Difusión Cultural Raúl Gamboa Cantón del IPBA, como parte de las actividades de la XXVII Edición del Festival internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Con una propuesta muy particular del coreógrafo italiano, tiene como base de investigación siempre el tratar con la paradoja y la fragilidad, epifanía y sueño, empatía y sorpresa, eludiendo la narrativa y el cliché físico, cuestionando realidad e identidad con humorista incredulidad en compañía del análisis sobre la visión y la ilusión, la vida diaria que ha denominada simplemente en este montaje como; “Live”.
De ahí que el también director artístico opta por la utilización de recursos multimedia, más como un elemento necesario para la concepción coreográfica, pero no en exceso en cuanto a la utilización de este lenguaje, ya que se nota la búsqueda del creador de la aportación de más elementos en torno al discurso del creador.
“A pesar de que “el video está presente todo el tiempo, pero no puedes estar siempre mirándolo porque hay algo que te empuja a observar lo que pasa en el piso, porque hay cosas que parece que están sincronizadas, pero no, entonces te preguntas cuál es la realidad que estoy viendo, la de la pantalla o la del piso, es interesante en ese sentido", señaló Scavetta.
De ahí que siempre ocurre en un ambiente visual y acústico, donde la realidad y su reproducción electrónica/virtual nunca están bien definidas, pero interactúan continuamente en complejas y variadas relaciones.
Solo basto una gran pantalla, un sillón de color rojo, un grácil dinosaurio, un micrófono y seis cámaras instaladas estratégicamente para accionar las reacciones del público, ante el deliberado de enfocar la cámara de video hacia ellos, donde re-cobra su importancia el texto implícito sobre la imagen, para incidir en deliberadas risas, evasiones y el inminente cuestionamiento- dialogo consigo mismo-.
Una pieza que causo expectativa entre el público que abarrotaron este recinto cultural, en donde incidió sin más la risa inmediata-nerviosa o cómplice-, extrañamiento, hasta la sorpresa, sin olvidar el cuestionamiento de las mediatas mezclas de realidades y pensamientos hechos visibles por la relación entre las complejidades que conlleva los hechos que no existen-proyectado o sobre imágenes ya grabadas- y lo grabado o, el empate de ambas partes; siempre bajo el acompañamiento del excelente trabajo musical de Luigi Ceccarelli, bajo la interpretación del clarinetista Paolo Ravaglia.
“Una realidad en la cual vivimos a menudo nos da la sensación de que los hechos no existen fuera del registro o de la reproducción tecnológica. La cámara siempre presente a los ojos que no siempre es fiel a lo que los ojos ven, esta miente con una especie de mueca. Todo esto para recordarnos que frecuentemente la realidad es adulterada cuando es registrada por la mirada objetiva y neutral de la cámara”.
Una función que para muchos fue un sueño un poco extraño en si mismo, sin embargo divertido, lúdico, donde se percibió el trabajo de investigación del movimiento corporal, sin olvidar un claro matiz de sorpresa dentro de ese constante flujo de interferencias auditivas y visuales.
Para otros una pérdida de tiempo ya que iban en la búsqueda frenética de las mayores fracciones mágicas de danza postmoderna o tal vez de una poética hecha movimiento.
Wee fue fundado en Oslo (Noruega) en 1999, por el coreógrafo y bailarín Francesco Scavetta (Italia) así como por el también bailarín Gry Kipperberg (Noruega).
En unos cuantos años esta se ha convertido en una compañía líder en la escena Noruega.

“Erase un tiempo en el orejas largas, de la compañía Apoc- Apoc.

Por. Roberto A. Valenciano Capín.

Con el objetivo de acercar al público infantil a esta expresión dancística, la Compañía A poc A poc Danza, bajo la dirección y coreografía de Jaime Camarena, presentó la obra, “El tiempo en las orejas largas” en el Teatro de la Paz, como marco de las actividades de la XXVII Edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López
Que pasaría si de pronto se presentara en el escenario a una pequeña Alicia que, aburrida, quien sin más se interesa por un nervioso conejo blanco vestido de chaqueta que corre y siempre murmura que llegará tarde sin dejar de mirar su reloj de bolsillo. De ahí que Alicia lo sigue sin premura para introducirse a su madriguera, donde beberá una sustancia que la aumentará de tamaño; posteriormente comerá una galleta que la convertirá en un ser diminuto. Así, pequeñísima. Como un insecto se introducirá a muchos otros mundos mágicos para vivir un sin fin de aventuras.
Para muchos les sonara conocida esta historia, hablamos de la introducción a uno de los clásicos de la literatura Alicia en el país de las maravillas” del escritor inglés Lewis Carroll.
A partir de esta sugerente propuesta literaria, el coreógrafo se arriesga a entrarle a ella desde una óptica muy personal y actual de este clásico literario, al realizar una nueva lectura a partir de la danza de la obra original y volverse una revisión capaz de reinterpretar el ambiente onírico imaginado del escritor inglés Lewis Carrol, para resultar ser una pieza coreográfica dueña de una sorprendente dramaturgia rica y sostenida para el espectador, aunado a una unidad tanto en lo escenográfico como de iluminación.
Un espectáculo dancístico estructurada en nueve cuadros: Imagen y desdoblamiento, El túnel, El milagro del reflejo, La ciudad a la salida, El tiempo en las orejas largas, El gran sombrerero, El té, Tic tac y Vuelta al mundo. Las cuales cautivaron no solamente al público infantil, al usar un lenguaje muy particular de la compañía, aunado a la seducción de una coreografía ágil, divertida y vital. En esta ocasión complementada bajo el sabor musical percutido y rítmico de los Barbatuques.
Los artífices de este suceso son los bailarines: Maura González, Vladimir Souto, Francisco Maldonado, Sergio Orozco, Wendy Plata y especialmente Yuridia Ortega, como Alicia, y Saúl Freyre, como el sombrerero. Quienes consiguen a través de su excelente calidad y delicadeza interpretativa de cada uno de sus movimientos sobre el escenario del Coloso de Villerías.

Entre la fusión reggesera y ska bajo la fuerza de Mata la Bacha en el Wakamole.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una noche muy divertida se vivió en un nuevo espacio, como parte de sus actividades culturales de este mes patrio. Siendo una de sus prioridades el apreciar de las diferentes propuestas musicales del quehacer tanto nacional como internacional. En esta ocasión se contó con la presencia de la banda hidrocálida “Matalabacha” y como anfitrión a la veterana banda Agente 33.
Por cierto, uno de los pocos espacios para este devenir cultural independiente en esta capital potosina, que debe ser salvaguardado, apoyado por todas aquellos adeptos al quehacer musical independiente tanto local como más allende de nuestras fronteras.
Con una buen asistencia se departió una velada musical con la presentación de la veterana banda local, Agente 33, con una fusión que va desde el ska- punk y la inclusión de ritmos latinos, con letras concientes, este sexteto potosino convoco a sus seguidores y aquellos suspicaces a bailar, hacer un intenso slam, siempre bajo la regiduría de la voz del Toy, las estridencias de Esdruval, el bajo del Marce, los certeros tamborazos y los buenos arreglos en sus metales.
Entre la resonancia y cierta estridencia de la prueba de sonido, toman posesión plena del stage, la banda invitada esta noche del mes patrio, “Mata la bacha”; originarios de Aguascalientes, quienes parten de las esencias del punk, para sin más evolucionar hacia una fusión de ska, reggae, algo de salsita, un poco de cumbia. “Eso si, siempre como base el ska y el reggae. Con una propuesta de sus letras más enfocada a la conciencia, aunque no hacen dejo de canciones más hacia el desmadre, al enfatizar de no proyectar la imagen de que el grupo es “rasta”, a pesar de que algunos de sus integrantes comulgan con esta ideología.
“No queremos caer en lo de siempre de las bandas que toman el rastafarismo como forma de vida y que las letras sean sobre este tema, sino más bien, son las vivencias que tenemos, que vemos en la calle, en la televisión; pero siempre basado con el amor hacia nuestro Dios.”comentaron sus integrantes.
Entre el cobijo de las banderas de un país africano, sobresalen las rastas y una imagen prehispánica, así como una bella voz que no luce todavía su potencial, una forzosa ausencia de uno de sus integrantes por un deceso familiar. Da inicio el show de esta banda hidrocálida, con tres años de estar trabajando en este proyecto musical, al denotarse el aun proceso de asimilación de un estilo, al caer todavía en un trillado ska ochentero muy de boga en México, aunque lo predominante en el rigor musical de los matabachas es su dominio hacia un sabrosón reggae como en; “Blanco y negro”, “Reyna Omega”, “el dinero no es fé”, “Pocos pero Locos”, “Wally”, “Círculo azul”, “Programar”, “Toro T” y la que le da titulo al demo y la banda, “Mata la bacha”.
Formales sembradores de esa semilla de la conciencia, comentaron a este medio en cuanto a la escena de Aguascalientes,”Apenas va para arriba, ya que hubo un momento que el ska estuvo arriba y empezó a caer. Ahora el reggae es lo que rifa. Pero aun así va creciendo la escena por acá”.
En oposición a lo que pasa con los espacios que están muertos, pero existe el hálito, ya que los mata la bacha tienen el gran compromiso de organizar eventos y abrir espacios para las voces que van surgiendo dentro de este espectro musical. “Es complicado, porque lo principal es el dinero, ya que vivimos de lo que trabajamos. Aun así han salido bandas nuevas que ya han empezado a organizar sus propios toquines, de ahí que les damos nuestro apoyo de lo que sabemos, claro en si es más un movimiento subterráneo”.
A pesar de que esta manejado el Instituto de la Juventud de Aguascalientes (IJA) por personas que han tocado en bandas, han vivido en barrios. Ya no más subieron y completamente se han olvidado de la banda, nada para acá. Aun así es complicado, a pesar de que son invitados a conciertos por dicha institución gubernamental, salen con que no hay paga para las bandas locales, eso si, traen a bandas como Zoé, Volován. Ahí si, lo que la banda pida y lo que cobre. De ahí que no existe el espacio ni apoyos para los artistas de graffiti, pintores y grupos musicales.
Entre los proyectos de esta banda hidrocálida están el realizar un nuevo disco, seguir haciendo conciertos para que crezca la escena. Así como realizaran una gira por España en Marzo próximo, al regresar de haber cruzado el gran charco, ya proyectan una gira por el sureste mexicano.
Para más información de la banda, pueden checar su espacio: www.myspace.com/matalabacha o www.matalabacha.cjb.net

Moyenei Valdés con una interesante sandunga social desde tierras chilenas.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Definitivamente, para la música autodidáctica Moyenei Valdés, fundadora del exitoso grupo chileno Mamma Soul, gestora del proyecto Afarentis y figura relevante para la música chilena de los últimos años, quien ahora se encuentra con su mente ocupada en un nuevo proyecto musical, quien además ha dado la vuelta la página con su exitoso grupo de Mamma Soul. Para retomar con buenos bríos su naciente etapa como solista.
“No fue una decisión sencilla, porque el grupo, el concepto, su música y las canciones, eran parte de su creación”. Comenta en su primera visita a tierras potosinas, como parte de su gira por México. Donde compartió en esta presentación el escenario con el cantante de reggae Jah Fabio, así como Natty Congo Crew y Soyotrotu Sound System en el Antro Cultural La Alfonsina.
"Soy una artista que ha dejado las grandes ligas- en relación a su postulación al Grammy Latino con Mamma Soul-, para empezar desde cero, porque mi propuesta tiene que ser tan honesta como mi verdad y mi música, con swing, humildad y con calidad. Porque yo voy a morir haciendo esto-música-. Eso me hace tener obligaciones con mi carrera, no puedo dar pasos en falso". Así se define Moyenei.
Con una propuesta musical que entremezcla la música soul, rythm and blues y raíz afro peruana negra, dancehall, reggae, canto latinoamericano y con una propuesta social muy latente, sin hacer dejo de una onda gozadora -muy chida-.
En cuanto a lo social en su decir, Moyenei lo define simplemente como -Sandunga Social; “es cuando el pueblo protesta a través de la alegría también, no solamente a través de la guerra y la matanza, donde también pueda reconocer nuestras críticas y nuestros problemas con arte y cultura, además de la Sandunga. No rompiendo ni odiando, sino buena onda del corazón que palpite a través del arte”.
Se sintió muy agradecida con el público potosino por el respeto del mismo, a pesar de que solo fue un aperitivo de su propuesta musical que espera que la gente la conozca a mediados de año. Quien además se dedica a trabajar en la música con mujeres, al ser productora y realizando eventos de los trabajos de mujeres chilenas.
“Morenita”, como le llaman sus amigos más cercanos, comento que espera estar por acá nuevamente con su más reciente producción discográfica. “Volver con mi banda-sound system-, me gusta mucho el trabajo con banda. Con hartos vientos, percusión, harto afrolatino. Además quiero que sea un disco destinado a la gente, para que lo puedan adquirir. No quiero un disco fashion. Quiero que sea para el pueblo. Quiero que las letras, que el mensaje esté super bien cuidado, con el mejor sonido, la mejor imagen, con las mejores herramientas de las que pueda disponer.
Una optimista Moyenei Valdés quien proclama “ gozar, cantar, amar, soñar y seguir repartiendo en cuanto escenario se cruce en su camino”. Así que chequen su espacio cibernético: www.myspace.com/moyenei .

Samuel Ethi; una estridencia dentro del reggae chileno.

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Muchas de las veces los silencios se vuelven un síntoma de premonición, para algunos se traducen simplemente en un daño mediato, o más bien, se vuelven para otros como una necesidad de no incidir en lo cotidiano, pero nunca contrariando lo vital y creativo que da la vida.
Así fue como han optado muchos por el halito alentador del reggae. Al visitar por primera vez tierras huachichilas del músico chileno Samuel Ethi , quien comparte su mensaje de unidad y conciencia bajo el argumento musical que va desde el dance hall, dub, ragga, hip-hop de su propia autoría, hizo bailar y disfrutar de una excelente noche jamaicana a una buena asistencia que se dio cita en un espacio en nuestro Centro Histórico, al complementar el cartel con Malik Bala desde tierras chiapanecas, Rebeleon sound crew e invitados.
Un disfrute el platicar con este ser humano y amigo, donde las geografías dan cuenta de ser el necio pretexto de la voraz deshumanización que impera en nuestros tiempos y más bien hermanan.
Con una voz fuerte, segura y confrontante, dio inicio a esta pequeña charla, el cual comento de inicio el sentirse muy sorprendido por la calidez y fraternidad de los mexicanos en relación con sus paisanos, de ahí que le gustaría que hubiere ese calor en Chile, debido a la atenta percepción de sus canciones mas aclara que no son alabanzas ni doctrina, a pesar de venir de una familia cristiana. A pesar de decirse seguidor del rastafarismo, pero sin caer en la “ortodoxia”.
Samuel sale de una de las partes más violentas de la capital chilena. De ahí que aprendió que el Señor es su salvación y la política es una mierda.
Un incansable agente de cambio, al trabajar en la radio comunitaria llamado “ Raíces”, el cual se encargaba de postular los proyectos viables para destinarles recursos para la construcción y así como la realización de proyectos con decisión y harto corazón.
Con una escuela que se circunscribe al reggae, hip-hop, soul, dub, con personajes como Pedro Foncea, Moyenei Váldes con quienes se ve concretado esta enseñanza en un primer trabajo titulado “Poema Negro”.
Del cual comento que esta seguro de lo que siente, ya que este es un interesante ciclo tanto a nivel espiritual como terrenal. Al enfatizar en cuanto al cambio del destino del mundo, al ser claro que va existir un reordenamiento original del mundo.
Fue muy directo Ethi al señalar en cuanto a la escena chilena del reggae es muy sana, al concurrir a ellas familias enteras, “de ahí su continuidad a pesar de haber entrado al país fuertemente el rastafarismo roots, en parte gracias a Fidel Nadal para escucharse plenamente el reggae, así como Godwanna que entendió el reggae y lo volvió más familiar y como una super esperanza para muchos chilenos por su espiritualidad y fraternidad”.
“De ahí también esa responsabilidad de no solamente decir que las cosas están mal, sino hablar con optimismo, el cual hay que contagiarlo, siempre hacer el bien y hacer que toda la gente le guste esta humilde propuesta” comenta el cantautor suramericano.
Para mayor información de esta propuesta musical, pueden checar su myspace.

Con una propuesta desenfada de powerpop a cargo de la banda Simplifires

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

“Somos una banda que nos gusta tocar rock, no tenemos la pretensión de descubrir el hilo negro de la música o reinventarla. Somos cuatro amigos que se juntaron porque disfrutamos mucho escuchar rock y lo que nos interesa es que oiga lo que hacemos, como sonamos”, así definió Rodrigo, bajista de los Simplifires.
Quienes en base a un rock a secas-powerpop-, lograron este cuarteto musical compenetrar sus emociones, su fuerza y sacar todo lo que traes a través de sus canciones, al provocar que muchísima gente brincara y se la pasara muy bien en esta capital potosina, a pesar del inconveniente de no ser fácil, al desconocimiento de las canciones de esta banda de powerpop.
Al tener como anfitrión al Brixton-Pub-S.L.P para presentar su propuesta musical a la comunidad rockera potosinas, en un espacio que se ha vuelto fundamental en la proyección para las bandas indies tanto nacionales o más allende de...
En cuanto al sonido de la banda esta basado en el consumo musical desde niños, “solo basta ver la colección de discos y puedes darte cuenta que la mayor parte de la música es de Inglaterra”.
El mejor cumplido para la banda señalo que sería que un chavito se decida formar una banda rock.
En cuanto al transitar sobre esa línea frágil y delgada de lo independiente y lo comercial puntualizo que no tienen marcada esa diferencia, “simplemente lo que hacemos es bien honesto, si suena comercial es porque tenemos influencias comerciales si las puedes llamar así”. Aun así, se consideran oídos abiertos al escuchar música que va desde un corte comercial como no comercial.
A pesar de su definición sea políticamente simplificar, va más allá de un twist por ahí en sus letras. Más bien, acota “no pretendemos ser virtuosos, ni tocar lo más rápido posible o sacar las armonías más increíbles“, simplemente es rock en conjunción con las emociones, la fuerza y sacar todo lo que traes, ya sea brincando como lo hicieron muchísima gente que se la estaba pasando bien, a pesar de no ser fácil al no conocer nuestras canciones, eso es un buen regalo para nosotros de que lo estamos haciendo bien”, manifiesto.
Rodrigo, comento sentirse halagado por el apoyo incondicional recibido por Mypace, al estar promocionándolo por su web y poder bajar gratuitamente su Ep, grabado hace nueve meses.
Debido al gran interés de esta banda México-irlandesa que la gente tenga su Ep en su casa y esperando lo que van hacer con su disco de larga duración que incluye nuevas versiones de su Ep, más ocho o nueve rolas, el cual ahora se encuentra en la mezcla, siendo grabado gracias al apoyo de su productor Paco Ayala de Molotov y , el cual esperan que salga a la venta para inicios del próximo año, mientras finalizan de grabar el video de su primer sencillo.
A pesar de que existen ofertas por parte de dos disqueras independientes y unas grandotas-transnacionales-, se inclinan por hacerlo por la vía independiente.
Aunque la banda es joven, con más de un año de formación pero con un soporte de bastantes años de tocar en varios proyectos, tienen una idea muy clara en cuanto a participar en festivales como Manifest, Corona Fest, Vive Latino, “porque lo bueno de ellos es que compartes el público que va a ver una banda te ve a ti e inversamente. De ahí que nos hace falta compartir el escenarios más grandes con bandas buenas que están en este tipo de festivales”.
En cuanto a bandas mexicanas que recomiendan por su calidad prepositiva fueron: Descartes Zacan, “una banda que nos gusta mucho, acabamos de ir a la presentación de su disco”, los Dynamites, Bengala -que es una buena banda-
En lo internacional va más sobre los T.V.on the Radio, Kingston Lion, los Yeah Yeah Yeah, A.K Fighter y el solista ingles Tom Bake.
Dentro de sus planes son tocar más fuera del D.F., “Hemos estado tocando mucho en el D.F. donde hay muchísimo público de rock, pero a fin de cuentas no es tanto, se recicla”. Prosigue “Por eso cuando tocas mucho en la misma ciudad, no le das su oportunidad a los que te escuchan de refrescar sus oídos, en cambio, la gente de provincia reacciona muy bien, esta más perceptiva y receptividad más interesante, más cuando escucha algo le llama más la atención. En comparación con el D.F. que casi siempre lo dan como un hecho”.
Por ultimo como un buen comensal musical, se le preguntó ¿Cuál sería su desayuno?, al cual respondió que la banda Emo Swing, como comida-como plato fuerte-T.V. on the Radio y Led Zeppellin y como cena o algo para dormir; algo de U2 en los noventas. Sin olvidar el postre, quien sin pensarlo se deleito con Bjork.
Para más información de la banda puedes checar: www.myspace.com/simplifires o www.simplifires.com/

Simplemente un mundo mágico... Le ballet Trockadero de Monte Carlo

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Solamente bastaron las primeras notas del cambio de última hora y algunas notas musicales para sin más adentrarnos a ese mundo mágico de esta destacada compañía Les Ballet Trockadero de Monte Carlo, al presentarse en el Coloso de Villerías, como parte de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.
Con una clara propuesta de realizar parodias de obras de danzas clásicas y aderezadas con la puntualidad del humorismo y una altísima calidad interpretativa de ballet clásico, siendo uno de los puntos culminantes el ver a los bailarines vestidos de bailarinas.
Por cierto, uno de los eventos más esperado del festival por el público no solamente potosino. Tanto jóvenes como adultos se dieron cita y ser testigos de ser parte de la serie de presentaciones que ha tenido esta agrupación dancística por tierras mexicanas.
Un programa que dio inicio con una particular visión coreográfica y creativa de ese sutil reino de cisnes y pájaros de esta fantasmagórica elegía, donde la hermosa princesa Odette convertida en cisne por el malvado hechicero, pero es casi salvada por el amor del príncipe, pero muere a pesar de la perfecta metamorfosis de los mortales en lúdicos pájaros. Todo esto dentro del segundo acto del Lagos de los Cisnes del coreógrafo Alter Lev Ivanovic Ivanov, con música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.
Continua la obra “La Esmeralda”, destacándose por la interpretación del bailarín mexicano, Roberto Lara, alias “ Vera Tchumpakova/ Tino Xirau López-“,”, bailarín egresado de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporáneo del Centro Nacional de las Artes y ex integrante de la Compañía Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.
Se disfruto de uno de los mejores momentos de una imprescindible obra del gran repertorio del ballet clásico, “El Quijote” con la interpretación del Pas de Deux, interpretado con maestría y la inevitable irreverencia sobre las formas puras de la danza clásica.
De esta forma, la compañía itinerante e integrada por 16 bailarines de diversas nacionalidades, tienen el compromiso de que cualquier persona disfruten cada una de las presentaciones, reflejado en el oportuno aplauso o el agradecido grito del respetable que interrumpió varias veces la continuidad del programa.
Un sutil momento fue la interpretación de la “Muerte del Cisne”, creación sobre la música del compositor francés Camilo Saint-Saens, con una puesta en escena por Miguel Fokine, y perteneciente al cuento "El Carnaval de los Animales" de Saint-Saens.
Una vereda de plumas de un agónico cisne sobre el escenario, las cuales se entrelazan irremediable a través de un turbio ludismo como una dulce invitación al espectador para ser parte de la complicidad de su próxima muerte, a pesar de unos placenteros momentos de su trance, los cuales son solventados por una oleada de cálidos aplausos del público.
Heredero del estilo Balanchine en el período Middle-Blue-Verging-On-Black-and White, se presentó la coreografía “Go for Barroco” de Peter Anastos y una selección musical del compositor alemán Johan Sebastián Bach.
Una obra fresca, divertida, sin desenfado, a pesar de la
puntual de-construcción de la narrativa de la danza clásica, sin olvidar los placenteros chispazos de humor.
Para terminar esta histórica sesión danzaria y de esta forma compensar de muy buena forma para aquellos decepcionados por esa famosa Gala de Ballet “Virtuosos del Mundo en una edición pasada, participaron en esa desdibujada función; el bailarín cubano, José Carreño, el norteamericano Rasta Thomas, la mexicana Laura Morelos y dos bailarines más.

Con la presentación del divertimento "Paquita" de After Marius Petisa y música de Ludwing Minkus, el cual constituye un ejemplo soberbio del estilo francés exportado a San Petersburgo. Integrado por 7 variaciones, donde se notó el sumo cuidadoso del trabajo coreográfico, aunado a la gran calidad técnica e interpretativa de sus solista como grupal.
Una compañía fundada en 1974, integrado solo por bailarines varones, el cual se distingue por la ejecución de todos los roles-el peso de un hombre balanceándose precariamente sobre las puntas de los pies y pretendiendo ser cisnes, sílfides, ninfas de agua, princesas románticas y féminas victorianas. Y de esta forma cumplir cabalmente su premisa de llevar el placer y la gracia de la danza a la mayor audiencia posible.

Noche de atmósferas melancólicas y sublimes a cargo de Arty, en el Brixton Pub –S.L.P.

Por: Roberto a. Valenciano Capín.

Una propuesta musical consistente entre cortos y largos temas instrumentales a base de guitarrazos, siguiendo la tradición dentro del post-rock, al predominar la improvisación en base una melodía inicial; con una tendencia en saber intercalar pasajes tranquilos con pasajes más fuertes de una forma muy dinámica, un sonido más bien introspectivo, a ratos oscuro-melancólicos- y en momentos potentes y soberbios, siempre conllevando los sentimientos.
Todo lo anterior nos remite a usar el término Post-rock, para describir el sonido de muchas bandas de rock que usan instrumentos de rock para propósitos distintos a los del mismo (por ejemplo, usan guitarras no para riffs o power chords sino para texturas). El cual fue usado por primera vez por Simon Reynolds en una edición de la revista The Wire (en mayo de 1994).
Una de estas bandas que se integran a este género es Arty, de León, Guanajuato, quienes se presentaron con mucho éxito en Brixton Pub-San Luis Potosí.
El cual sin más fue del gusto de los asistentes en su primera visita a tierras potosinas, donde sin más tomaron desde un principio el riesgo de involucrar a la gente, a través del manojo de atmósferas sublimes, noble y con pasión que manejan en sus rolas de propia autoría, las cuales forman parte de su Ep, aunado a su candidez, su aplomo y honestidad en el escenario.
Una banda con empatía, y ser muy claros de ser una nueva generación pujante y comprometida con el llamado post- rock mexicano.
En cuanto a pregunta expresa a sus integrantes de cómo no ser una banda más dentro de este género enfatizaron que lo importante es mantener su lugar como un proyecto fresco.
Al referirnos a este género, muchas de las ocasiones es hablar de un pequeño grupo de gustosos, de ahí que esta banda guanajuatense busca abrir con su propuesta los oídos y decir que ahí esta disponible para ser escuchada con atención y respeto como cualquier otro género.
Aclarando que se corre la desfortuna de muchas bandas en caer en lo pretencioso, a pesar de la complicidad de la misma, a pesar de no ser todavía parte de lo comercial, de ahí que no sea muy escuchado.
También recomiendan para aquellos que buscan bandas nacionales dentro del post rock como: Ambiente de Tijuana, Child, Uztar, Minerva de León, de Guadalajara; 3 colores y Selma.
Una banda que ha tomado la ruta del respeto hacia la música y esperan vivir de ella. Así como proyectos a mediano plazo participar en los más importantes festivales tanto nacionales como internacionales.
Quienes por cierto han causado la admiración de bandas nacionales como: Austin tv y Desidente, por su calidad en su propuesta musical.
Arty esta integrado por: Jorge, Guitarra; Pablo, Batería; Isaac, Guitarra y Mario en el Bajo.
Para más información de la banda, pueden checar su website: www.myspace.com/artymusic.

El maestro José Ascensión Puente recibió un reconocimiento por 34 años de trayectoria en la danza.

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Con la presentación de un espectáculo integrado por coreografías inspiradas en formaciones militares y la utilización del antiguo arte del izamiento de las banderas, haciendo énfasis en el uso de éstas como armas de defensa en la guerra. El grupo Sbandieratori Ducado Caetano, de Italia actuó y compartió el escenario en esta ocasión con el ballet folclórico Xochiquetzal del Instituto Potosino de Bellas Artes, bajo la dirección del maestro, fundador y director. José Ascensión Puente, en la Plaza de Fundadores. Todo esto como parte de las actividades de la cuarta edición de la Muestra internacional y artes tradicionales, que organiza el departamento de Arte y Cultura del H. Ayuntamiento de San Luis Potosí.
El representativo italiano compartió con un cautivo público potosino, al presentar fielmente a través de uan serie de coreografías, la historia renacentista italiana, al lucir con mucha sobriedad, agilidad el manejo de la banderas azules y rojas distintivas de la región, siempre bajo el acompañamiento de un enérgico, seco redoble de los tamburellos italianos y el agudo tono de las trombas de guerra. Para ser ovacionados por el público que se dio cita en este foro al aire libre
Para ceder este bello escenario y dar inicio un festín de colores, movimientos, acechanzas y divertimentos musicales, con la actuación del internacional Ballet Xochiquetzal del Instituto potosino de Bellas Artes, que dirige atinadamente el maestro fundador y director José Ascensión Puente, al ofrecer un espectáculo que comprendió varias estampas de la riqueza de las cuatro zonas que comprenden nuestro estado; dio inicio con una "acuarela potosina", proseguir con una bella estampa a la alegoría de rebozo y dar por terminado este festín musical con un delicioso jarabe.

Durante un breve receso de la presentación de esta compañía de folclore, el titular de la Dirección de Cultura Municipal, Daniel García Álvarez de La Llera subió al escenario para ofrecer emotivas palabras con motivo de la trayectoria del maestro José Ascensión Puente, fundador y director del Ballet Xochiquetzal del Instituto Potosino de Bellas Artes, quien además estuvo acompañado por el director general del Instituto Potosino de Bellas Artes, el Lic. Gilberto Vázquez Chávez y la síndico municipal Karla Orellana Salazar, al ser testigos en la entrega de la placa que honra la trayectoria del maestro Puente durante los últimos 34 años de la plena difusión, formación y ser un apasionado en este arte dancístico.
Emocionado el homenajeado agradeció al respetable que fue partícipe de este sencillo pero emotivo homenaje, para después ofrecerlo-simbólica- como agradecimiento la placa a su gente-sus bailarines y aquellos mudos testigos de su historia con esta agrupación.
Pero como dijera el maestro Puente. "No hay mejor forma de agradecer que seguir bailando" y es lo que hicieron sus bailarines al son jalisciense-jarabes-para así dar por terminado este homenaje en vida a este digno embajador, ha podido ser apreciado sus coreografías en varios continentes del mundo gracias a las innumerables presentaciones del Ballet Xochiquetzal dirigido por el maestro Puente.

El arte de la danza mínima, a cargo de la coreógrafa canadiense Louise Lecavalier

Por: Roberto. A. Valenciano Capín.

Con un peculiar vocabulario de movimiento y su fascinación por la sutileza evocadora de un lenguaje capaz de leer el alma, se presentó el espectáculo “Fou Glorieuxc”, a cargo de la coreógrafa canadiense, Louise Lecavalier, en el centenario coloso de Villerías, como parte de las actividades de la XXVI edición del Festival de danza contemporánea Lila López.
Un interesante programa que comprende tres coreografías que siempre van en esa búsqueda constante de la danza mínima.
Tres trabajos muy cuidados, sobrios, controlados, donde la brevedad contrasta drásticamente con el justo presupuesto del lenguaje dancístico.
Tres creaciones; Lone Epic(2006) de la coreografa, Cristal Pite; Lula and the sailor(2005) y “I” is memory(2006).
Una oleada de las convenciones corporales, se ven perfectamente reflejados en el testimonio en esta primera propuesta dancística, que van desde la armonía de la música ex profesa para la película “ Ciudadano Kane”, creada por Bernand Herrman con la sutileza e impulso del movimiento de una supuesta directora de orquesta- Lousie Lecavalllier-, ante la presencia de ordenados atriles, quien reconoce a través de ellos sus emociones y amores con un corte muy personal, intimo y cierto humor, al insinuarse como antitesis-encore-y terminar en ser testigo mudo del retiro de un genuino corazón roto.
Lula and the Sailor, de Tedd Robinson, extracto de la coreografía “Cobalt Rouge”. Singular puesta en escena, bailado en dúo- Louise Lecavalier y Robert Abubo-, en el cual nunca no es revelado totalmente no solo la fisicalidad y la relación de cada bailarín. Sino más bien, retrata una dinámica encaminada a esa relación entre las líneas rectas, relación hacia dentro y fuera, donde sin más se yuxtaponen los diferentes estadios de ambos ejecutantes.
Una de las más interesantes coreografías del programa, a pesar del paulatino retiro del “respetable” que se dio cita a este majestuoso escenario. “I” Memory, coreografía de Benoit Lachambre, interpretada por Louise Lecavalier.
Una plena investigación e exploración corporal de la coreográfa canadiense, quien conlleva un excelso trabajo de concentración, invención y riesgo de las mediatas explosiones de las emociones humanas- abandono, pérdida de identidad o el pleno despojo, eso sí, siempre en armonía con una envolvente e intimidante música de Laurent Maslé.
Un programa cautivante para muchos y desertor para otros, que va desde lo absurdo hasta lo más sutil y sin previo aviso, no se dejaron envolver en estas nuevas veredas ósmica terpsicorianas.

Presentan diccionario con términos más usuales de la danza

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Debido a la falta de conocimiento, por parte de alumnos y maestros, de los términos más usuales en la práctica del ballet, la maestra Solange Lebourges se vio en la necesidad de publicar el libro “En busca del dégagè perfecto. Terminología del ballet”, editado por la UNAM.
Presentado en el marco de las actividades de la XXVII edición del Festival Internacional de Danza Contemporáneo Lila López, la obra, según palabras de la misma autora, no pretende ser una obra exhaustiva, sino un manual de fácil manejo para los amantes de este arte escénico.
“Nunca pretendí hacer un diccionario grande y pesado, además de que estaba fuera de mis necesidades. Más bien quise hacer un libro práctico que se pueda consultar en cualquier momento”, mencionó Lebourges, quien fuera solista principal del emblemático Ballet Teatro del Espacio.
Rodeada de alumnos y amigos, el libro —que ya fue presentado con éxito en Atenas, Grecia— reúne así una serie de términos ordenados de la “A” a la “V” con su significado y su pronunciación correcta en francés.
“En clases, todos los alumnos me preguntaban siempre lo mismo, fue cuando me di cuenta que había un hueco que había que llenar. Otros ya lo habían planeado, pero nunca lo editaron, así que yo me adelanté”, agregó Lebourges, quien fue galardonada con el Honor de ser Caballero de la Orden de las Artes y las Letras del gobierno francés.
Durante la presentación, que se llevó a cabo en céntrico restaurante, la maestra estuvo acompañada del bailarín, periodista y crítico Manuel Stephen, el maestro Guillermo Maldonado, bajo la moderación de la directora del Festival María González.
Stephen aprovechó la oportunidad para definir a la laureada bailarina como una “persona obsesiva” que siempre consigue lo que quiere.
“La obsesión de Lebourges la ha llevado a ser una figura emblemática de la danza”, dijo Stephen, investigador y crítico de danza la revista Proceso.
Su obsesión comenzó desde los siete años, cuando le dijo a su madre: “Me voy a dedicar a la danza”. Todo estaba en su contra, pero al final, terminó dedicándose a este arte durante más de 35 años.
“Para mí, el retiro fue un tipo de muerte, pero al mismo tiempo fue una recuperación de mi identidad”.
—El retiro fue muy difícil para ti...
—Lo fue, pero hay que tomar la decisión. Primero dije: ‘Me retiro a los 35; luego a los 40. Cuando casi llegué a los 50 supe que era demasiado, que tenía que retirarme ya porque estaba muy lastimada’.
El final llegó en julio de 2004 con una presentación triple en el Palacio de Bellas Artes.
No obstante, ella sigue dando clases e incluso ya prepara un segundo libro, que ya fue aprobado por el consejo editorial del CONACULTA, y que llevará por titulo “Lo bailado nadie me lo quita”, conformado por reflexiones de su vida como bailarina.
Por su parte, Maldonado, el maestro más querido y respetado por el quehacer dancístico contemporáneo, señaló que el libro es recomendable porque pone énfasis en la técnica que tienen que adquirir los bailarines para llegar a niveles de excelencia.
Y es que, a decir de Maldonado, “sin técnica, no son bailarines, son danzantes...”.