viernes, 30 de septiembre de 2011
"Nada es para siempre" de la dramaturga Verónica Bujeiro, fue presentado en tierras potosinas.
Por: Roberto A. Valenciano Capín
Como parte del convenio entre Editorial Tierra Adentro y la Dirección de Cultura Municipal se presentó la dramaturga Verónica Bujeiro con su libro" Nada es para siempre" en la Sala de Cronista que se encuentra en el Centro Cultural Municipal, en donde compartió comentarios con el también dramaturgo, actor y productor potosino, Edén Coronado, así como tener invitados a los alumnos de la Secundaria No. 79, turno matutino.
Una dramaturgia que sin mas nos expone ese visión muy particular de ver lo que acontece de la malograda política mexican, de ahí que surge este libro que converge en dos obras que le da título de la dramaturgia originaria del Distrito Federal.
A través de un interesante diálogo entre Coronado y Bujeiro fueron desentrañando desde su propia perspectiva de lo que conlleva este devenir creativo dentro de su quehacer que es la dramaturgia, así como crear ese puente de acercamientos a través de preguntas puntuales en donde estos jóvenes estudiantes conocieran la importancia de la dramaturgia y como la importancia de este libro.
Ya en la tranquilidad, tuvimos la oportunidad de platicar con Verónica Bujeiro, quien además impartió un interesante taller de dramaturgia y esto fue lo que nos comento:
Muchas gracias por tu tiempo. Estas dos obras fueron escritos en farsa y ¿porqué no en la realidad o el melodrama mexicano?
"Pues es un punto de vista definitivamente quererlo hacer farsa, en realidad el tema podría ser una tragedia, pero creo que parte de este mensaje que hemos recibido siempre en particular para esta obra que trata temas políticos, de este mensaje de la política que nos dicen que si pero es no. que cuando dicen que esta muy bien es que esta muy mal. Entonces ese juego de la doble significación por así decirlo, es lo que a mi me da pie para la farsa".
"Después de escribir la obra me di cuenta el señor Carlos Marx que la historia sucede una vez como tragedia y otra vez como farsa, bueno me dije, eso se adecúa a México de una manera espectacular, primero vivimos la tragedia y después como que nos queremos reir de eso y decir ya pasará, ni siquiera pasará. De ahí que es punto de partida al título del libro-Nada es para siempre- ".
Consideró Bujeiro Ortega que es muy difícil que la dramaturgia retome estos temas políticos. "Es complicado hablar de la política porque tememos a adoctrinar, no queremos a adoctrinar. Para mi me fue complicado. Yo tuve que vencer mi propia apatía para decir si quiero hablar sobre este tema desde este punto de vista, que sea lúdico y que la gente se identifique con eso. Pero creo que en este sentido no todos los dramaturgos hablan de temas políticos, yo creo que más que nada hay un temor a la doctrina, a caer en lo panfletario".
¿Cómo se dio este proceso para no caer en lo panfletario?.
"Pues yo tenía muy claro que ninguna de los tres contendientes más grandes me interesa, en el sentido de que es una feria de remate, no solo te intereses por el poder y no por los que prometen y, en ese aspecto era centrarme en los defectos de todos y yo pensaba que era por ahí, podría no adoctrinar y demostrar que más que nada es una lucha por el poder, es una ambición enferma por el poder más que otra cosa, pero también fue difícil porque habia ciertos tratamientos que yo tendía hacia lugares y otros que no necesariamente, pero que hay que estar manteniendo el balance".
¿Cómo ha sido la reacción de áquel que ha visto como puesta en escena y aquel que solamente lo ha leído?.
" En la lectura, lo ha leído gente que entiende la metáfora, que dice que estas hablando de los partidos políticos, que no les es del todo claro, sienten como que hay algo que los identifican como mexicanos; en ciertas lecturas hay gente que lee completamente como lo que es y me agrada eso de que haya varias lecturas. En contraparte en la escena había unos acentos más puntuales de que era, de todas maneras había la duda, igual la reacción ha sido desde el estereotipo de lo que yo me base no es efectivo, esas son las críticas teatrales. Pero aun así tuvimos muchísimo público el director y yo estuvimos emocionados, en ese sentido creo que la gente esta recibiendo algo y encontrando una especie de comunión, porque el teatro es comunión, más que nada la comunión de decir allá arriba esta la feria de remates y nosotros que, que aluden al público y no tiene la posibilidad de hacer nada, como es la sociedad mexicana que no hacemos nada".
Al ser cuestionada en base al título de su libro, "¿de verás nada es para siempre?, ¡vamos a dejar que nada sea para siempre!, en el sentido de que si es nada es para siempre pero siempre se repite". Para quedar ese hálito de una posibilidad de una especie de catarsis.
Entonces podemos referirnos a que esta apatía puede incidir a cierto visos de optimismo, a lo que expresó. "No sé si haya optimismo en la obra, como la cerrada Ginés era bastante trágica, pero creo que en el optimismo esta en que la gente salga con ese cosquilleo de esta historia ya la vi pero esta historia la estoy viendo otra vez ".
Nos platica la dramaturga que prefiere salir de lo convencional, tejiendo historias donde pueda explotar sus conocimientos sobre lingüística, a través del lenguaje escénico que esta historia fue concebida para el 2006 y a pesar de que estamos en el 2012, se pregunta al decir ¿cómo?, aunque aclara que no le gustaría que esta obra se volviera atemporal," porque los hechos no me parecen algo que tengan ese tono optimista, pero a mi me sorprende que se haya mantenido".
Tanto esta obra citada como- Me falta aire- formarían parte de una trilogía que inició su devenir en el 2004. "Bajo el plantemiento de un partido que nos gobernó setenta y cinco años estaba apestado, esa es la palabra, entonces están situados todos los personajes muy icónicos de ese partida, están ubicados en un basurero y están buscando como revivir. Esta basado en todo el discurso del PRI, el nuevo PRI".
Continúa: "De ahí que esta clase política regresa como un monstruo, vigorizada con todas sus fechorías regresa como un monstruo, no sabemos y "yo esperemos que no sea profesía" entorno al comentario que le fue hecho por una reportera que esta obra habla de lo que pudiera ocurrir en el 2012".
Destacó que a pesar de la ruptura social de la izquierda y la derecha en el 2006, "eso es de celebrarse; hay optimismo en ese sentido". Aunque comenta que nunca había visto a la sociedad tan dividida, tan polarizada, "eso ya es un buen indicativo, pero luego volvimos al retargo, después del 2006, 2007 y el 2008 y otra vez estabamos iguales y, este año vamos a recibir lo que viene como si nada, ya lo estamos dando por hecho,volvimos al retargo y eso es terrible".
Convencida que el teatro exige ética, comenta que uno de los personajes sustanciales y motores de esta obra sin lugar a dudas son los niños. " Hay una figura muy importante en Nada es para siempre que son los niños de seis años, esos niños que están basados en una cita que encontré en un periódico que decía que el mexicano es un niño de seis años, por eso eramos tan vitales y por eso perdimos la memoria tan fácilmente y, nos volvían ha engañar como si nada porque nunca crecían; por eso a esta edad los niños tan presenten y tan ausentes, nunca los vemos en la obra. Son sus promesas de campaña y a la vez son el pueblo que jamás ven, el pueblo que se les pierde y regresa muerto, y ahora dicen que vamos a hacer con este cadáver, ese cadáver que cuando lo escribí no tenía esa violencia el terrible sentidoque tiene ahora".
Es necesario que se siga escribiendo dramaturgia sobre cuestiones políticas.
"Siempre es válido, en el sentido de la dramaturgia porque vive y porque son personajes tridimensionales que deben de tener un correlato muy fuerte con la realidad, siempre es válido que exista, no hay mucha gente que le parezca porque temen; pero hay gente como David Olguín, él ha tratado demasiados temas desde su forma alegórica y poetica como son -los insensatos- que nos remite a la Castañeda-centro psiquiátrico- y esta nave de los locos que sigue siendo este país".
Dramaturgos como: Flavio González Melo o el mismo David Olguín se destacan dentro de este devenir creativo.
Apunta: "Yo crecí y parece que Edén Coronado también, ya somos una generación dedicados a... No somos autores de una sola obra, seguimos trabajando sobre la marcha y que hay que decir de los de arriba, son nuestros maestros y muy respetado".
De ahí que se definen como una generación que no se deja intimidar por lo que quieran de nosotros, pero cuando quieren de ti son bajo los parámetros muy clásicos, para aclarar no somos tercermundistas".
Consciente y crítica que no hay mucha apuesta literaria de su generación. "Aunque no le guste mucho utilizar la palabra experimentación, apunta que si no hay un huída pero si una búsqueda hacia otras formas y eso parece que habla de la vitalidad de la dramaturgia".
Es egresada de la Licenciatura en Lingüística de la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH) y del Curso de Guión Cinematográfico del CCC/Conaculta. Finalista en 2002 del Primer Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo. Ha sido beneficiaria en 2003 y 2005 del Programa de Estímulos a la Creación Artística del Imcine y perteneció a la generación 2005-2006 del programa Jóvenes Creadores Fonca/Dramaturgia.
Como parte del convenio entre Editorial Tierra Adentro y la Dirección de Cultura Municipal se presentó la dramaturga Verónica Bujeiro con su libro" Nada es para siempre" en la Sala de Cronista que se encuentra en el Centro Cultural Municipal, en donde compartió comentarios con el también dramaturgo, actor y productor potosino, Edén Coronado, así como tener invitados a los alumnos de la Secundaria No. 79, turno matutino.
Una dramaturgia que sin mas nos expone ese visión muy particular de ver lo que acontece de la malograda política mexican, de ahí que surge este libro que converge en dos obras que le da título de la dramaturgia originaria del Distrito Federal.
A través de un interesante diálogo entre Coronado y Bujeiro fueron desentrañando desde su propia perspectiva de lo que conlleva este devenir creativo dentro de su quehacer que es la dramaturgia, así como crear ese puente de acercamientos a través de preguntas puntuales en donde estos jóvenes estudiantes conocieran la importancia de la dramaturgia y como la importancia de este libro.
Ya en la tranquilidad, tuvimos la oportunidad de platicar con Verónica Bujeiro, quien además impartió un interesante taller de dramaturgia y esto fue lo que nos comento:
Muchas gracias por tu tiempo. Estas dos obras fueron escritos en farsa y ¿porqué no en la realidad o el melodrama mexicano?
"Pues es un punto de vista definitivamente quererlo hacer farsa, en realidad el tema podría ser una tragedia, pero creo que parte de este mensaje que hemos recibido siempre en particular para esta obra que trata temas políticos, de este mensaje de la política que nos dicen que si pero es no. que cuando dicen que esta muy bien es que esta muy mal. Entonces ese juego de la doble significación por así decirlo, es lo que a mi me da pie para la farsa".
"Después de escribir la obra me di cuenta el señor Carlos Marx que la historia sucede una vez como tragedia y otra vez como farsa, bueno me dije, eso se adecúa a México de una manera espectacular, primero vivimos la tragedia y después como que nos queremos reir de eso y decir ya pasará, ni siquiera pasará. De ahí que es punto de partida al título del libro-Nada es para siempre- ".
Consideró Bujeiro Ortega que es muy difícil que la dramaturgia retome estos temas políticos. "Es complicado hablar de la política porque tememos a adoctrinar, no queremos a adoctrinar. Para mi me fue complicado. Yo tuve que vencer mi propia apatía para decir si quiero hablar sobre este tema desde este punto de vista, que sea lúdico y que la gente se identifique con eso. Pero creo que en este sentido no todos los dramaturgos hablan de temas políticos, yo creo que más que nada hay un temor a la doctrina, a caer en lo panfletario".
¿Cómo se dio este proceso para no caer en lo panfletario?.
"Pues yo tenía muy claro que ninguna de los tres contendientes más grandes me interesa, en el sentido de que es una feria de remate, no solo te intereses por el poder y no por los que prometen y, en ese aspecto era centrarme en los defectos de todos y yo pensaba que era por ahí, podría no adoctrinar y demostrar que más que nada es una lucha por el poder, es una ambición enferma por el poder más que otra cosa, pero también fue difícil porque habia ciertos tratamientos que yo tendía hacia lugares y otros que no necesariamente, pero que hay que estar manteniendo el balance".
¿Cómo ha sido la reacción de áquel que ha visto como puesta en escena y aquel que solamente lo ha leído?.
" En la lectura, lo ha leído gente que entiende la metáfora, que dice que estas hablando de los partidos políticos, que no les es del todo claro, sienten como que hay algo que los identifican como mexicanos; en ciertas lecturas hay gente que lee completamente como lo que es y me agrada eso de que haya varias lecturas. En contraparte en la escena había unos acentos más puntuales de que era, de todas maneras había la duda, igual la reacción ha sido desde el estereotipo de lo que yo me base no es efectivo, esas son las críticas teatrales. Pero aun así tuvimos muchísimo público el director y yo estuvimos emocionados, en ese sentido creo que la gente esta recibiendo algo y encontrando una especie de comunión, porque el teatro es comunión, más que nada la comunión de decir allá arriba esta la feria de remates y nosotros que, que aluden al público y no tiene la posibilidad de hacer nada, como es la sociedad mexicana que no hacemos nada".
Al ser cuestionada en base al título de su libro, "¿de verás nada es para siempre?, ¡vamos a dejar que nada sea para siempre!, en el sentido de que si es nada es para siempre pero siempre se repite". Para quedar ese hálito de una posibilidad de una especie de catarsis.
Entonces podemos referirnos a que esta apatía puede incidir a cierto visos de optimismo, a lo que expresó. "No sé si haya optimismo en la obra, como la cerrada Ginés era bastante trágica, pero creo que en el optimismo esta en que la gente salga con ese cosquilleo de esta historia ya la vi pero esta historia la estoy viendo otra vez ".
Nos platica la dramaturga que prefiere salir de lo convencional, tejiendo historias donde pueda explotar sus conocimientos sobre lingüística, a través del lenguaje escénico que esta historia fue concebida para el 2006 y a pesar de que estamos en el 2012, se pregunta al decir ¿cómo?, aunque aclara que no le gustaría que esta obra se volviera atemporal," porque los hechos no me parecen algo que tengan ese tono optimista, pero a mi me sorprende que se haya mantenido".
Tanto esta obra citada como- Me falta aire- formarían parte de una trilogía que inició su devenir en el 2004. "Bajo el plantemiento de un partido que nos gobernó setenta y cinco años estaba apestado, esa es la palabra, entonces están situados todos los personajes muy icónicos de ese partida, están ubicados en un basurero y están buscando como revivir. Esta basado en todo el discurso del PRI, el nuevo PRI".
Continúa: "De ahí que esta clase política regresa como un monstruo, vigorizada con todas sus fechorías regresa como un monstruo, no sabemos y "yo esperemos que no sea profesía" entorno al comentario que le fue hecho por una reportera que esta obra habla de lo que pudiera ocurrir en el 2012".
Destacó que a pesar de la ruptura social de la izquierda y la derecha en el 2006, "eso es de celebrarse; hay optimismo en ese sentido". Aunque comenta que nunca había visto a la sociedad tan dividida, tan polarizada, "eso ya es un buen indicativo, pero luego volvimos al retargo, después del 2006, 2007 y el 2008 y otra vez estabamos iguales y, este año vamos a recibir lo que viene como si nada, ya lo estamos dando por hecho,volvimos al retargo y eso es terrible".
Convencida que el teatro exige ética, comenta que uno de los personajes sustanciales y motores de esta obra sin lugar a dudas son los niños. " Hay una figura muy importante en Nada es para siempre que son los niños de seis años, esos niños que están basados en una cita que encontré en un periódico que decía que el mexicano es un niño de seis años, por eso eramos tan vitales y por eso perdimos la memoria tan fácilmente y, nos volvían ha engañar como si nada porque nunca crecían; por eso a esta edad los niños tan presenten y tan ausentes, nunca los vemos en la obra. Son sus promesas de campaña y a la vez son el pueblo que jamás ven, el pueblo que se les pierde y regresa muerto, y ahora dicen que vamos a hacer con este cadáver, ese cadáver que cuando lo escribí no tenía esa violencia el terrible sentidoque tiene ahora".
Es necesario que se siga escribiendo dramaturgia sobre cuestiones políticas.
"Siempre es válido, en el sentido de la dramaturgia porque vive y porque son personajes tridimensionales que deben de tener un correlato muy fuerte con la realidad, siempre es válido que exista, no hay mucha gente que le parezca porque temen; pero hay gente como David Olguín, él ha tratado demasiados temas desde su forma alegórica y poetica como son -los insensatos- que nos remite a la Castañeda-centro psiquiátrico- y esta nave de los locos que sigue siendo este país".
Dramaturgos como: Flavio González Melo o el mismo David Olguín se destacan dentro de este devenir creativo.
Apunta: "Yo crecí y parece que Edén Coronado también, ya somos una generación dedicados a... No somos autores de una sola obra, seguimos trabajando sobre la marcha y que hay que decir de los de arriba, son nuestros maestros y muy respetado".
De ahí que se definen como una generación que no se deja intimidar por lo que quieran de nosotros, pero cuando quieren de ti son bajo los parámetros muy clásicos, para aclarar no somos tercermundistas".
Consciente y crítica que no hay mucha apuesta literaria de su generación. "Aunque no le guste mucho utilizar la palabra experimentación, apunta que si no hay un huída pero si una búsqueda hacia otras formas y eso parece que habla de la vitalidad de la dramaturgia".
Es egresada de la Licenciatura en Lingüística de la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH) y del Curso de Guión Cinematográfico del CCC/Conaculta. Finalista en 2002 del Primer Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo. Ha sido beneficiaria en 2003 y 2005 del Programa de Estímulos a la Creación Artística del Imcine y perteneció a la generación 2005-2006 del programa Jóvenes Creadores Fonca/Dramaturgia.
The 90 Project, residencia artística, este 30 de Septiembre en el CEART
Con la intención de desarrollar las herramientas para entender los proyectos interdisciplinarios en performance-danza, enfocados a la precisión y la disciplina performativa, desde el 19 de septiembre, el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, a través del Centro de Arte y Nuevas Tecnologías estará impartiendo la residencia artística Project 90º, un proyecto de colaboración con artistas locales del arte electrónico y performance.
Un proyecto que se desarrolló a través de tres talleres: el primero de ellos, denominado Ashtanga yoga, una de las versiones de yoga más física, será impartido por Helena Stenkvist y Josefine Larson Olin.
El segundo taller, Pay homage o cómo empezar tu propio grupo de covers coreográficos, estuvo a cargo de Helena Stenkvist, Josefine Larson Olin y Tova Gerge, quienes proporcionaron la actualización profesional enfocada a la reflexión en torno a los discursos críticos y la investigación sobre el trabajo coreográfico y la interdisciplina en el arte contemporáneo.
El tercer taller denominado -El cuerpo en hélice-, a cargo de Juan Francisco Maldonado, quien desarrollará un programa de actualización en técnicas dancísticas-performáticas, cuya práctica permita disminución de esfuerzo, mayor eficiencia y desarrollo, así como exploración del movimiento de acuerdo con las características personales del intérprete, utilizando la columna como eje y foco, y a través de fases de movimiento para encontrar relaciones con el release y las «técnicas postmodernas».
Resultado de estos talleres se tendrá la presentación de un espectáculo escénico en el que pondrán en práctica lo aprendido durante la residencia artística.
jueves, 29 de septiembre de 2011
Hibrid-acción, espectáculo performático en el CEART. Este Jueves 29 de Septiembre
Jueves 29 de septiembre de 2011
Salón 3, Área de Danza / 20:00 hrs.
Sin costo, presentando boleto de admisión al CASLPC*
El manejo de conceptos híbridos no solo se da a través de la combinación de disciplinas, que se conjuntan en un montaje escénico, sino también a través de una postura desde la que se observan las transformaciones culturales de nuestro pueblo: la visualidad, la música y el sonido, el folklore y el discurso contemporáneo, el colorido, las imágenes, y todo ello reunido en un discurso en donde el sincretismo forma una concepción diferente de nuestro contexto: universo cósmico deconstruido, en el que convergen espacio, tiempo, movimiento y magia, desembocando en planos en donde la improvisación deja escapar los universos abstractos de los jóvenes posmodernos.
Colectivo del CANTE
Intérpretes: Montserrat Chávez, Fátima Mejía, Cristina Nieto, Efrain de León y Rubén Ruelas.
Música: Julio del Toro, José de Jesús Castro, Joel Argüelles, Iván Sánchez
Videoarte y video en vivo: Pedro Iván García, Carlos Castillo, Omar Bernal
Programación e interfaces: José de Jesús Castro, Alejandro Medina, Carlos Castillo
Iluminación y cabina: Rubén Ruelas
Diseño escenográfico y espacial: Pedro Iván García
Coreografía: Montserrat Chávez, agradecimiento especial a Magdalena Leite (coreógrafa, bailarina)
Creación colectiva interdisciplinaria CANTE
Dirección: Juan Martín Cárdenas
Soporte técnico logístico: Dirección de Divulgación CASLP, Departamento de Servicios Generales CASLP, Claudio Delgado
Diseño gráfico: Elisa Rico, Gabriela Merchan
Boleto de admisión al CASLPC $10.00
Informes: Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE)
del Centro de las Artes San Luis Potosí, Calzada de Guadalupe núm. 705,
Col. Julián Carrillo, Expenitenciaría. Tel. 137 4100, extensiones 7003 y 7005
Arturo Gutiérrez del Ángel inauguró su exposición fotográfica "" Los Hijos del Sol (fotografía y etnografía sobre el pueblo huichol) en el CEART
Por: Roberto A. Valenciano Capín
Con la alegría que se desgaja del violín, vihuela y contrabajo que se resume en diseminar la música tradicional huichola, oriunda de las tierras nayaritas, dieron la bienvenida para la inauguración de la exposición fotográfica " Los Hijos del Sol (fotografía y etnografía sobre el pueblo huichol) del fotográfo Arturo Gutierrez de Ángel, en el área de integración del Centro de las Artes y de esta manera se suma a los festejos del Día Internacional de los Pueblos Indígenas que este año se tituló "Culturas en diálogo".
En su intervención la directora del CEART, Déborah Chenillo dijo estar muy orgullosa por inaugurar la primera exposición en una área académica " lo cual hay que celebrarse, porque poco a poco todo el centro empieza a volverse espacio para exponer y compartir la actividad artística que hacen del Centro u de otras instituciones"
Destacó que "siempre que pasa por primera vez un evento de este tipo en el Centro de las Artes, nos da un poco de emoción, porque eso quiere decir que vamos caminando y transformando un poco a este centro a las necesidades y exigencias del mismo. Así como ayudando a que este centro tenga el arte y culturas populares como parte de su quehacer diario y no como algo excepcional, sino que poco a poco vamos incorporándolo al día y creo que esto es fundamental y esperemos que no mucho haya más presencia al interior dentro de todas las áreas académicas y de las expresiones de divulgación artística que llevamos a cabo".
Por su parte, el fotográfo destacó que esta exposición fotográfica se basa en una técnica basada en el proceso R3 que desafotunadamente ya no existe, al existir solamente en los fotográfos que se dedican a las técnicas que la tecnología dejo atrás, la cual se basa en pasar la transparencia al papel, lo que antes se conocía como Cinatroph, el cual desapareció.
Es una exposición itinerante que ha ido a diferentes partes no solo del país sino también al extranjero como Cuba, Argentina, Francia; así como el mismo lugar en que fueron tomadas las fotos, tanto en la parte huichola como cora.
La cual originariamente eran más de 60 fotos pero con esta itinerancia han quedado 30 de ellas, siendo que muchas de ellas han sido regaladas a las personas fotografiadas.
Gutierrez del Ángel comentó que esta exposición fotográfica es parte de una obra mayor de un trabajo antropológico que podemos llamar dentro del corte que es la antropología visual. "Lo que me interesó fue las celebraciones, los rituales, la forma de vida de estos grupos y retratarlos, tratarlos de expresar como yo los observó".
Así como destacar que muchas de estas imágenes expuestas acompañaron a un libro que se llama - la peregrinación a Wiricuta, el gran rito de paso".
¿Cuál sería la aportación de Arturo Gutiérrez en cuanto a este bagaje fotográfico-antropológico con estos trabajos llevados a cabo?
"Lo que pasa es que sobre los temas que trabajo ahora ya hay más, pero yo empecé a trabajarlo hace más de 20 años. No había mucho, ahorita se ha ido incrementando. Esta exposición la empecé a ser desde el 1994 hasta la fecha y la aportación es que trabajos como éste no había, ahora ya empieza a haber".
Hablamos entonces de un punto de partida " de cierta manera se puede decir que si fui punto de partida en términos de este término de fotografía. Ya que retratan celebraciones que no se habían visto desde un punto de vista tanto antropológico como fotográfico, sino es la fotografía etnográfica clásica, desenfocada, fuera de foco, mal expuesta. Esta es la mirada del fotográfo sobre un conocimiento antropológico".
¿En que le cambió como persona el ver el mundo con todo este bagaje que conlleva estas celebraciones?
"Si te cambia, porque aprendes a ver el mundo de los otros, que eso es un poco desde el punto de vista tanto antropólogico como fotográfico".
Su más reciente trabajo - Las danzas del padre Sol- les llevo un trabajo de diez años de investigación, el cual es una aproximación semántica a los procesos rituales de los huicholes, es decir, el ciclo ceremonial visto desde la semántica. Enfocado específicamente al ciclo ceremonial Neyra, que son las danzas agrícolas que se celebran de acuerdo a los sistemas solsticiales y equinocciales.
De ahí que este libro es una buena invitación para conocer a los huicholes en su diferentes facetas , es un buen acercamiento.
Un libro bajo la coedición por El Colegio de San Luis, UNAM, UAM Unidad Iztapalapa y Editorial Porrúa
Un evento realizado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, el Colegio de San Luis y la Comisión Estatal para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas.
Así como destacar que muchas de estas imágenes expuestas acompañaron a un libro que se llama - la peregrinación a Wiricuta, el gran rito de paso".
¿Cuál sería la aportación de Arturo Gutiérrez en cuanto a este bagaje fotográfico-antropológico con estos trabajos llevados a cabo?
"Lo que pasa es que sobre los temas que trabajo ahora ya hay más, pero yo empecé a trabajarlo hace más de 20 años. No había mucho, ahorita se ha ido incrementando. Esta exposición la empecé a ser desde el 1994 hasta la fecha y la aportación es que trabajos como éste no había, ahora ya empieza a haber".
Hablamos entonces de un punto de partida " de cierta manera se puede decir que si fui punto de partida en términos de este término de fotografía. Ya que retratan celebraciones que no se habían visto desde un punto de vista tanto antropológico como fotográfico, sino es la fotografía etnográfica clásica, desenfocada, fuera de foco, mal expuesta. Esta es la mirada del fotográfo sobre un conocimiento antropológico".
¿En que le cambió como persona el ver el mundo con todo este bagaje que conlleva estas celebraciones?
"Si te cambia, porque aprendes a ver el mundo de los otros, que eso es un poco desde el punto de vista tanto antropólogico como fotográfico".
Su más reciente trabajo - Las danzas del padre Sol- les llevo un trabajo de diez años de investigación, el cual es una aproximación semántica a los procesos rituales de los huicholes, es decir, el ciclo ceremonial visto desde la semántica. Enfocado específicamente al ciclo ceremonial Neyra, que son las danzas agrícolas que se celebran de acuerdo a los sistemas solsticiales y equinocciales.
De ahí que este libro es una buena invitación para conocer a los huicholes en su diferentes facetas , es un buen acercamiento.
Un libro bajo la coedición por El Colegio de San Luis, UNAM, UAM Unidad Iztapalapa y Editorial Porrúa
Un evento realizado por la Secretaría de Cultura, a través del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, el Colegio de San Luis y la Comisión Estatal para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas.
Aniversario 1 de Lulú Roja Simplemente Música..88.5 FM
Lulú Roja realiza este evento de aniversario juntando a las bandas más representativas de la música actual como en cada uno de sus géneros, invitándolos para que puedan ver a estas grandes propuestas de música juntas tocando en un escenario para que las disfrutes.
En:
ROCKABILLY REBEL BAR - ITURBIDE #945 CENTRO
SAN LUIS POTOSI
...
The Lextra Large (San Luis Potosí) - Industrial-Pop
Los Jóvenes Salvajes (Edo. de Méx.) - Garage-Fuzz
Los Mods (Edo. de Méx.) - Surf-Rock
Underprogram (San Luis Potosí) - Rock-Indie
Los agradables (Aguascalientes) - Garage
El acceso será desde las 8 pm.
La entrada será GRATIS (no cover)
En:
ROCKABILLY REBEL BAR - ITURBIDE #945 CENTRO
SAN LUIS POTOSI
...
The Lextra Large (San Luis Potosí) - Industrial-Pop
Los Jóvenes Salvajes (Edo. de Méx.) - Garage-Fuzz
Los Mods (Edo. de Méx.) - Surf-Rock
Underprogram (San Luis Potosí) - Rock-Indie
Los agradables (Aguascalientes) - Garage
El acceso será desde las 8 pm.
La entrada será GRATIS (no cover)
Este 1 de Octubre, Jamaica 69 presenta su nuevo disco " 11 años de alcohol" en el Mayas Bar
Este 1 de octubre JAMAICA 69 que detonan su propuesta en el rocksteady, early reggae y ska clasico, al presentar su nuevo disco "11 años de alcohol" y de esta manera celebran sus 11 años de trayectoria y festejando a katya! en el espacio de Mayas Bar que se encuentra en Alvaro Obregón 695eskina con Bolívar. Zona Centro. Se les recuerda que la entrada es de 50 pesillos.
Además compartirán con las bandas de: TIERRA DE NADIE (ska jazz) LOS UPPERCUTS (ska) PELEANDO A LA CONTRA (oi!)
Además se estará pinchando lo mejor del reggae ska rocksteady y northern soul en formato vinyl a 45rpm
BLACK LOAFER (northern soul)
S. DOWN BEAT (killer reggae & rockstaedy)df
EMBASSY KING (killer skinhead reggae) df
MAD-NESS (2tone) df
REGGAE AGENTES (killer reggae) df
+dj invitado df
José Cruz con su poética hecha blues y su Híkuris, este 1 de Octubre en la Santa Rock House
Para muchos que no saben quien es este singular personaje de la escena musical mexicana, al les van algunos datos, quien estará por primera vez con este proyecto este 1 de octubre en el espacio de la Santa Rock House que se encuentra en Nuestro Centro Histórico.
De José Cruz será del que les hablare más a fondo el día de hoy. Nacido el 2 de noviembre de 1955 en la ciudad de México en un día lluvioso como nos lo relata en una de sus canciones (El blues del atajo). Nacido en el seno de una familia con poco bienestar económico. José cruz desde su adolescencia busco hacer blues en español, lo cual fue incomprendido en aquel tiempo por el hecho de que se creía de que no se podía tocar el blues en español. Desde muy joven se dedico a la ejecución de la armónica llegando a convertirse en uno de los más grandes exponentes y maestros de su país, llegando incluso al virtuosismo. Hubo un hecho que marco el camino de su carrera y sobre todo de su vida, un viaje a Austin Texas donde hizo dueto con el bluesista Mr. O en donde toco la armónica. Integro la banda “Arrieros somos” y después “banco del Ruido” para por fin, unirse a Real de 14 en 1985.
José Cruz, junto con su banda, logro hacer lo que hasta entonces se creía imposible, Blues en español. En sus estrofas se pueden apreciar y disfrutar profundas y magnificas poesías, las cuales se complementan perfectamente con la guitarra, bajo, batería, violín, y por supuesto, la armónica con la cual José Cruz hace gala de su virtuosismo deleitando a todos sus seguidores.
Real de catorce es una fusión de diversos géneros musicales fabricando un vehículo de expresión propio, y aunque su mayor influencia proviene del blues, no son puristas del género.
Sus letras hablan sobre la sociedad del México de su época, su música, (citado textualmente de la banda), “pertenece al universo de las urbes, a los sueños que la modernidad y el pasado inconsciente nos provocan”.
Sus abras pueden ser consideradas como una de las más grandes aportaciones al blues contemporáneo.
Con diez discos nos dejan un legado inquebrantable de lo que es el blues mexicano y la puerta hacia nuevas ramas del género.
El compositor esta acompañado por los músicos de la banda "Los Hikuris": Iván Villanueva (teclados); Christian Villanueva (batería); Salvador Arceo, ex integrante de Real de Catorce (bajo); Emilio Gómez (primera guitarra); Eric Acosta (segunda guitarra) y Maraí José Camargo en los coros.
Quien también compartirá el escenario con las bandas potosinas de la singular forma de hacer blues de Betos Blues Band y los anfitriones de los Shamanes.
De José Cruz será del que les hablare más a fondo el día de hoy. Nacido el 2 de noviembre de 1955 en la ciudad de México en un día lluvioso como nos lo relata en una de sus canciones (El blues del atajo). Nacido en el seno de una familia con poco bienestar económico. José cruz desde su adolescencia busco hacer blues en español, lo cual fue incomprendido en aquel tiempo por el hecho de que se creía de que no se podía tocar el blues en español. Desde muy joven se dedico a la ejecución de la armónica llegando a convertirse en uno de los más grandes exponentes y maestros de su país, llegando incluso al virtuosismo. Hubo un hecho que marco el camino de su carrera y sobre todo de su vida, un viaje a Austin Texas donde hizo dueto con el bluesista Mr. O en donde toco la armónica. Integro la banda “Arrieros somos” y después “banco del Ruido” para por fin, unirse a Real de 14 en 1985.
José Cruz, junto con su banda, logro hacer lo que hasta entonces se creía imposible, Blues en español. En sus estrofas se pueden apreciar y disfrutar profundas y magnificas poesías, las cuales se complementan perfectamente con la guitarra, bajo, batería, violín, y por supuesto, la armónica con la cual José Cruz hace gala de su virtuosismo deleitando a todos sus seguidores.
Real de catorce es una fusión de diversos géneros musicales fabricando un vehículo de expresión propio, y aunque su mayor influencia proviene del blues, no son puristas del género.
Sus letras hablan sobre la sociedad del México de su época, su música, (citado textualmente de la banda), “pertenece al universo de las urbes, a los sueños que la modernidad y el pasado inconsciente nos provocan”.
Sus abras pueden ser consideradas como una de las más grandes aportaciones al blues contemporáneo.
Con diez discos nos dejan un legado inquebrantable de lo que es el blues mexicano y la puerta hacia nuevas ramas del género.
El compositor esta acompañado por los músicos de la banda "Los Hikuris": Iván Villanueva (teclados); Christian Villanueva (batería); Salvador Arceo, ex integrante de Real de Catorce (bajo); Emilio Gómez (primera guitarra); Eric Acosta (segunda guitarra) y Maraí José Camargo en los coros.
Quien también compartirá el escenario con las bandas potosinas de la singular forma de hacer blues de Betos Blues Band y los anfitriones de los Shamanes.
La mexicana Elisa Carrillo dijo sentirse honrada por compartir el escenario con Malakhov.
Yaotzin Botello / Corresponsal
Berlín, Alemania (29 septiembre 2011).- El Ballet Estatal de Berlín tiene una nueva estrella: la bailarina Elisa Carrillo.
Anoche, la mexicana debutó como Prima Ballerina de este grupo berlinés, es decir, en el puesto más alto que se puede lograr en una compañía de danza.
La noche de su debut inició con una gala en la que la compañía presentó a todo su cuerpo de ballet y la variedad de géneros de danza que podrán apreciarse durante la temporada 2011-2012.
El director de la compañía, Vladimir Malakhov, eligió presentar a Carrillo en una pieza moderna. Él, también primer bailarín de la compañía, compartió un "Pas de deux" con ella.
"Es todo un honor que el director de la compañía y toda una leyenda en Alemania me haya escogido para salir bailando con él", dijo a REFORMA la originaria de Texcoco.
Cuando el telón se abrió, el escenario se oscureció y al centro sólo se dejó ver un cuadrilátero de luz. De las sombras apareció de repente Malakhov. Carrillo entró al cuadrilátero unos segundos después para empezar el "Pas de deux", pieza en la que ambos realizaron saltos y deslices tras los cuales terminaban separándose constantemente.
"Para mí era como interpretar a un ser querido que tiene que irse de mi vida", comentó la bailarina al final de la función y confesó que al interpretar sus personajes trata de basarse en historias personales.
Ella, con un traje completo blanco de dos piezas; él, con uno gris. Ambos bailaron descalzos, lo que en una interpretación, según Carrillo, les ayuda a tener más "movimientos reales".
La pieza duró poco más de tres minutos y fue parte de una danza completa de la coreógrafa turca Zeynep Tanbay, reconocida bailarina y coreógrafa de danza moderna que vino directamente de Turquía.
"Esa parte estaba escrita para una chica pequeña y un hombre grande. Pero aquí los dos bailarines hacen muy buena pareja y los dos hacen muy bien el baile", afirmó a REFORMA Tanbay.
La música que usó la coreógrafa fue del compositor Philip Glass que, aunque no fue elaborada particularmente para Azar, como se llama la pieza original, fue el triángulo perfecto para darle el encuadre moderno que quería el Ballet Estatal de Berlín.
Las mil 800 almas berlinesas que abarrotaron la Deutsche Oper para presenciar esta probadita de la temporada se mostraron agradecidos con la sorpresa.
Aplausos por casi un minuto, algunos "bravo" que se oyeron desde el segundo piso y una segunda tanda de aplausos cuando los bailarines salieron de entre el telón cerrado.
El resto de las danzas que presentó la compañía giraron en torno del clásico-romántico.
La crítica vio con detenimiento lo que Carrillo hizo en su debut.
"No se pudo ver lo que Elisa es. Al menos esta coreografía no le ayuda en nada. Elisa es la mejor del Ballet Estatal de Berlín y no se pudo ver en su debut como primera bailarina", indicó a REFORMA el crítico de ballet por excelencia de Alemania, Volkmar Draeger.
El director del ballet y su compañero de baile defendió ante REFORMA que lo importante es "darle vida" a una bailarina con algo diferente y no hacerla bailar las cosas que ya todo mundo conoce.
De entre las seis primeras bailarinas de la compañía, Carrillo es destacada por la crítica por su brillante técnica, un gran cuerpo y un gran carisma en sus representaciones.
Conócela
Lugar y fecha de nacimiento:Texcoco, 1980
Estudios: Inició a los 5 años de edad en una academia de danza privada, a los 7 ingresó en la Escuela de Iniciación Artística del INBA y a los 9 se formó en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, también del INBA. A los 16 años obtuvo una beca para estudiar en la escuela del English National Ballet en Londres.
Trayectoria: En 1999 fue contratada por el Stuttgart Ballet, compañía en la que permaneció durante 8 años hasta que recibió la oferta para incorporarse al Ballet de la Ópera de Berlín. En abril de 2009 fue la protagonista de Blancanieves y la crítica alemana la reconoció como la nueva estrella del ballet berlinés. Apenas en julio pasado, Vladimir Malakhov, director del Ballet de la Ópera de Berlín, la nombró primera bailarina.
Berlín, Alemania (29 septiembre 2011).- El Ballet Estatal de Berlín tiene una nueva estrella: la bailarina Elisa Carrillo.
Anoche, la mexicana debutó como Prima Ballerina de este grupo berlinés, es decir, en el puesto más alto que se puede lograr en una compañía de danza.
La noche de su debut inició con una gala en la que la compañía presentó a todo su cuerpo de ballet y la variedad de géneros de danza que podrán apreciarse durante la temporada 2011-2012.
El director de la compañía, Vladimir Malakhov, eligió presentar a Carrillo en una pieza moderna. Él, también primer bailarín de la compañía, compartió un "Pas de deux" con ella.
"Es todo un honor que el director de la compañía y toda una leyenda en Alemania me haya escogido para salir bailando con él", dijo a REFORMA la originaria de Texcoco.
Cuando el telón se abrió, el escenario se oscureció y al centro sólo se dejó ver un cuadrilátero de luz. De las sombras apareció de repente Malakhov. Carrillo entró al cuadrilátero unos segundos después para empezar el "Pas de deux", pieza en la que ambos realizaron saltos y deslices tras los cuales terminaban separándose constantemente.
"Para mí era como interpretar a un ser querido que tiene que irse de mi vida", comentó la bailarina al final de la función y confesó que al interpretar sus personajes trata de basarse en historias personales.
Ella, con un traje completo blanco de dos piezas; él, con uno gris. Ambos bailaron descalzos, lo que en una interpretación, según Carrillo, les ayuda a tener más "movimientos reales".
La pieza duró poco más de tres minutos y fue parte de una danza completa de la coreógrafa turca Zeynep Tanbay, reconocida bailarina y coreógrafa de danza moderna que vino directamente de Turquía.
"Esa parte estaba escrita para una chica pequeña y un hombre grande. Pero aquí los dos bailarines hacen muy buena pareja y los dos hacen muy bien el baile", afirmó a REFORMA Tanbay.
La música que usó la coreógrafa fue del compositor Philip Glass que, aunque no fue elaborada particularmente para Azar, como se llama la pieza original, fue el triángulo perfecto para darle el encuadre moderno que quería el Ballet Estatal de Berlín.
Las mil 800 almas berlinesas que abarrotaron la Deutsche Oper para presenciar esta probadita de la temporada se mostraron agradecidos con la sorpresa.
Aplausos por casi un minuto, algunos "bravo" que se oyeron desde el segundo piso y una segunda tanda de aplausos cuando los bailarines salieron de entre el telón cerrado.
El resto de las danzas que presentó la compañía giraron en torno del clásico-romántico.
La crítica vio con detenimiento lo que Carrillo hizo en su debut.
"No se pudo ver lo que Elisa es. Al menos esta coreografía no le ayuda en nada. Elisa es la mejor del Ballet Estatal de Berlín y no se pudo ver en su debut como primera bailarina", indicó a REFORMA el crítico de ballet por excelencia de Alemania, Volkmar Draeger.
El director del ballet y su compañero de baile defendió ante REFORMA que lo importante es "darle vida" a una bailarina con algo diferente y no hacerla bailar las cosas que ya todo mundo conoce.
De entre las seis primeras bailarinas de la compañía, Carrillo es destacada por la crítica por su brillante técnica, un gran cuerpo y un gran carisma en sus representaciones.
Conócela
Lugar y fecha de nacimiento:Texcoco, 1980
Estudios: Inició a los 5 años de edad en una academia de danza privada, a los 7 ingresó en la Escuela de Iniciación Artística del INBA y a los 9 se formó en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, también del INBA. A los 16 años obtuvo una beca para estudiar en la escuela del English National Ballet en Londres.
Trayectoria: En 1999 fue contratada por el Stuttgart Ballet, compañía en la que permaneció durante 8 años hasta que recibió la oferta para incorporarse al Ballet de la Ópera de Berlín. En abril de 2009 fue la protagonista de Blancanieves y la crítica alemana la reconoció como la nueva estrella del ballet berlinés. Apenas en julio pasado, Vladimir Malakhov, director del Ballet de la Ópera de Berlín, la nombró primera bailarina.
miércoles, 28 de septiembre de 2011
Festejaron sus XV años de danzar. Unidanza Contemporánea de la UASLP bajo la dirección del Mtro. Fernando Escalante
Por: Roberto A. Valenciano Capín
Cobijado bajo la certeza de un proyecto de vida como es la danza misma, la cual ha cimentado por más de tres décadas en este apostolado, la cual ha sido extendida sustancialmente a su compañía de Unidanza Contemporánea de la U.A.S.L.P. y del programa -Jueves en Movimiento-.
De esta manera se conjugan bajo la pauta de crear el espacio que alberga su postulado de arte del Mtro Fernando Escalante Guevara: Que esta manifestación sea para todos y con él un lenguaje coreográfico que los acerque a un mundo donde la forma y el movimiento conjugado con la música crean una forma de ver la vida.
Siendo partícipes de este hecho dancístico, bajo la pauta de dar espacio de expresión a las diferentes academias de la localidad: la academia Dance´n de la Mtra. Mónica Esqueda, la Academia Diaghilev de la Mtra. Juana María Meza, la Academia Danz@rte bajo la dirección de la Mtra. Isabel Moreno. Danza Jazz y Clásica del Instituto Potosino de Bellas Artes de la Mtra. Lidia Méndez, Escuela Estatal de Danza y el Instituto Buckingham ofrecieron su talento, su entusiasmo y creatividad en este escenario del teatro del Centro Cultural Universitario y de esta manera agradecer con su danzar la trayectoria del Mtro. Escalante en esta trigésima tercera temporada de "Jueves en movimiento" .
Como siempre ha distinguido al Mtro. Escalante siempre la discreción misma e incidir su profesionalismo tanto en el salón de clase como en el escenario. De esta manera queda presente su gusto, su pasión, entrega y constancia por la danza.
Por cierto, un recinto que no lució una manta alusiva al evento, solo aquella anunciando el primer aniversario de este espacio cultural y en su interior una con referente al espectáculo Trouppéando con los clásicos que se realizará el próximo 7 de Octubre, da fé de la discreción del homenajeado.
En el escenario, una continúa y sustanciada chispa tepsicoriana a través de las pequeñas vestidas de panteras rosas y disfrutando de bailar, aquellas pequeñas con sus tutús desprendiendo sus arcoiris, la pequeña que se desplaza y llena el escenario con su talento al ser ganadora de un premio de ballet nacional. La fuerza y el aprendizaje de ballet bajo el susurro del tango y desenfadarse el danzar con la potencia, energía y agilidad de la danza jazz.
Siempre bajo el aplauso del respetable que se dio en buena cita a este espacio cultural. Después de un intermedio, se proyecta un video creado por Televisión Universitaria en torno al quehacer del homenajeado, en donde la Mtra Carmen Alvarado, directora del Ballet Provincial, así como sus compañeros del danzar; Mtra. Noemí Torres, Angustias Lucio y Guadalupe Orellana dan testimonio del devenir tanto artístico como ser creativo y humano del homenajeado.
En su intervención, el Lic. Juan Carlos González Islas, quien ha acompañado al Mtro. Escalante durante sus inicios con la compañía hizo una breve pero sustanciosa semblanza del quehacer del homenajeado.
Para recibir de manos de un emocionado rector de nuestra Máxima Casa de Estudios, Lic. Mario García Valdés y de la responsable de la División de Difusión Cultural, un diploma y una escultura hecha exprofesa por el artista Juan Banda para el homenajeado por sus 15 años de trabajo bajo la agrupación dancística de Unidanza Contemporánea y su contribución al desarrollo artístico, al destacar el rector que es un orgullo para esta institución contar con profesores como Fernando Escalante Guevara, con esa entrega, disciplina y pasión por lo que lo ha caracterizado.
Cobijado bajo la certeza de un proyecto de vida como es la danza misma, la cual ha cimentado por más de tres décadas en este apostolado, la cual ha sido extendida sustancialmente a su compañía de Unidanza Contemporánea de la U.A.S.L.P. y del programa -Jueves en Movimiento-.
De esta manera se conjugan bajo la pauta de crear el espacio que alberga su postulado de arte del Mtro Fernando Escalante Guevara: Que esta manifestación sea para todos y con él un lenguaje coreográfico que los acerque a un mundo donde la forma y el movimiento conjugado con la música crean una forma de ver la vida.
Siendo partícipes de este hecho dancístico, bajo la pauta de dar espacio de expresión a las diferentes academias de la localidad: la academia Dance´n de la Mtra. Mónica Esqueda, la Academia Diaghilev de la Mtra. Juana María Meza, la Academia Danz@rte bajo la dirección de la Mtra. Isabel Moreno. Danza Jazz y Clásica del Instituto Potosino de Bellas Artes de la Mtra. Lidia Méndez, Escuela Estatal de Danza y el Instituto Buckingham ofrecieron su talento, su entusiasmo y creatividad en este escenario del teatro del Centro Cultural Universitario y de esta manera agradecer con su danzar la trayectoria del Mtro. Escalante en esta trigésima tercera temporada de "Jueves en movimiento" .
Como siempre ha distinguido al Mtro. Escalante siempre la discreción misma e incidir su profesionalismo tanto en el salón de clase como en el escenario. De esta manera queda presente su gusto, su pasión, entrega y constancia por la danza.
Por cierto, un recinto que no lució una manta alusiva al evento, solo aquella anunciando el primer aniversario de este espacio cultural y en su interior una con referente al espectáculo Trouppéando con los clásicos que se realizará el próximo 7 de Octubre, da fé de la discreción del homenajeado.
En el escenario, una continúa y sustanciada chispa tepsicoriana a través de las pequeñas vestidas de panteras rosas y disfrutando de bailar, aquellas pequeñas con sus tutús desprendiendo sus arcoiris, la pequeña que se desplaza y llena el escenario con su talento al ser ganadora de un premio de ballet nacional. La fuerza y el aprendizaje de ballet bajo el susurro del tango y desenfadarse el danzar con la potencia, energía y agilidad de la danza jazz.
Siempre bajo el aplauso del respetable que se dio en buena cita a este espacio cultural. Después de un intermedio, se proyecta un video creado por Televisión Universitaria en torno al quehacer del homenajeado, en donde la Mtra Carmen Alvarado, directora del Ballet Provincial, así como sus compañeros del danzar; Mtra. Noemí Torres, Angustias Lucio y Guadalupe Orellana dan testimonio del devenir tanto artístico como ser creativo y humano del homenajeado.
En su intervención, el Lic. Juan Carlos González Islas, quien ha acompañado al Mtro. Escalante durante sus inicios con la compañía hizo una breve pero sustanciosa semblanza del quehacer del homenajeado.
Para recibir de manos de un emocionado rector de nuestra Máxima Casa de Estudios, Lic. Mario García Valdés y de la responsable de la División de Difusión Cultural, un diploma y una escultura hecha exprofesa por el artista Juan Banda para el homenajeado por sus 15 años de trabajo bajo la agrupación dancística de Unidanza Contemporánea y su contribución al desarrollo artístico, al destacar el rector que es un orgullo para esta institución contar con profesores como Fernando Escalante Guevara, con esa entrega, disciplina y pasión por lo que lo ha caracterizado.
Agregó la importancia de reconocer el trabajo que realiza tanto lo artístico y en lo humanistíco que lo ha distinguido como una parte sustancial en ofrecer a los jóvenes universitarios la oportunidad de recibir una formación integral.
Siendo una sorpresa para el Mtro. Escalante al contar con la presencia y ser a la vez testigos de este especial festejo, tanto el director, maestros y alumnos de la Preparatoria de Matehuala en donde también imparte clases desde hace más de una década, así como también estuvieron presentes su familia, amigos e integrantes de este entidad danzaria universitaria y la comunidad dancística potosina.
En su intervención, el Mtro Escalante fue muy claro y consciso, al comentar que él no se define como de hablar tanto, lo mejor que puede hacer es bailar, por lo tanto los invitar a disfrutar de este hecho dancístico.
De esta manera entre un retardado oscuro y el acostumbrado nervio púlsico dio inicio a la presentación de este programa integrado por los trabajos coreográficos de estreno y algunas que forman parte de su repertorio: "Open" de Fernando Escalante y Antonio Martínez; "Infinito" de Fernando Escalante y Diana Batres; " Sueño ajeno" de Fernando Escalante; "En tu ausencia" de Ferando Escalante y concluir con " En azul" de Fernando Escalante".
Como atinadamente apunta en el programa de mano, la periodista cultural Emilia Cervantes. " Unidanza Contemporánea festeja sus XV años, tiempo que le ha valido en una consolidación dancística, en la que la disciplina y férrea determinación de su director Fernando Escalante Guevara así como el apoyo de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, han sido factores que han redundado en una danza contemporánea, fresca, nueva, renovada con el impulso de jóvenes creadores, que entre coreográfos y bailarines han acercado esta manifestación artística a todos los estudiantes".
Solo resta decir: "solo deseamos Mtro. Escalante sigas volando"...
Unidanza Contemporánea: Diana Batres, Valeria Vélez, Juana María Meza, Miriam del Pilar Morán, Antonio Martínez, Pedro González, Iris Guajardo, Penélope Reyes y Marco Antonio Espinoza. Bajo la dirección del Mtro. Fernando Escalante Guevara.
Siendo una sorpresa para el Mtro. Escalante al contar con la presencia y ser a la vez testigos de este especial festejo, tanto el director, maestros y alumnos de la Preparatoria de Matehuala en donde también imparte clases desde hace más de una década, así como también estuvieron presentes su familia, amigos e integrantes de este entidad danzaria universitaria y la comunidad dancística potosina.
En su intervención, el Mtro Escalante fue muy claro y consciso, al comentar que él no se define como de hablar tanto, lo mejor que puede hacer es bailar, por lo tanto los invitar a disfrutar de este hecho dancístico.
De esta manera entre un retardado oscuro y el acostumbrado nervio púlsico dio inicio a la presentación de este programa integrado por los trabajos coreográficos de estreno y algunas que forman parte de su repertorio: "Open" de Fernando Escalante y Antonio Martínez; "Infinito" de Fernando Escalante y Diana Batres; " Sueño ajeno" de Fernando Escalante; "En tu ausencia" de Ferando Escalante y concluir con " En azul" de Fernando Escalante".
Como atinadamente apunta en el programa de mano, la periodista cultural Emilia Cervantes. " Unidanza Contemporánea festeja sus XV años, tiempo que le ha valido en una consolidación dancística, en la que la disciplina y férrea determinación de su director Fernando Escalante Guevara así como el apoyo de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, han sido factores que han redundado en una danza contemporánea, fresca, nueva, renovada con el impulso de jóvenes creadores, que entre coreográfos y bailarines han acercado esta manifestación artística a todos los estudiantes".
Solo resta decir: "solo deseamos Mtro. Escalante sigas volando"...
Unidanza Contemporánea: Diana Batres, Valeria Vélez, Juana María Meza, Miriam del Pilar Morán, Antonio Martínez, Pedro González, Iris Guajardo, Penélope Reyes y Marco Antonio Espinoza. Bajo la dirección del Mtro. Fernando Escalante Guevara.
Dentro del ciclo “La Palabra tiene la palabra” del IPBA, presentan el libro de poemas: NUMEROSAS BANDAS de Ernesto Lumbreras
Numerosas bandas / De nombreuses bandes", del poeta jalisciense Ernesto Lumbreras, es un libro traducido al francés por la también poeta Françoise Roy y coeditado por Mantis editores, Écrits des Forges y Morbo ediciones en 2010. Un libro que, al decir de su autor, fue creado "con poemas que pueden dialogar entre si y dar, no tanto una intención orgánica, pero sí una especie de paisaje común, entre los elementos formales".
El evento forma parte del programa "la palabra tiene la palabra " que organiza la dirección de literatura del IPBA, este 28 de Septiembre a las 20:00 horas en la Galería Antonio Rocha cordero; se contará con la presencia del autor, quien leerá y comentará algunos de los poemas que conforman el libro.
Nació en Ahualulco de Mercado, Jalisco, en 1966. Es autor de cuatro libros de poesía, entre los que se encuentran El cielo (1998) y Encaminador de almas (1999), y de la colección de ensayos Del verbo dar. Emboscadas a la poesía (2002). En 2006 publicó en Costa Rica una antología de sus poemas con el nombre de Veintisiete árboles amarillos. En 1991 recibió el Premio Nacional de Poesía Ciudad de La Paz, por su poemario Órdenes del colibrí al jardinero; en 1992, el Premio Nacional de Poesía Aguascalientes, por su libro Espuela para demorar el viaje, y en 2007, el Premio Nacional Testimonio Chihuahua. Este año, Editorial Aldus publicará Caballos en praderas magentas. Poesía 1986–1998. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2004–2007).
EL PIANISTA MARCO SCHIAVO ESTARÁ EN SAN LUIS.ESTE 30 DE SEPTIEMBRE Y 2 DE OCTUBRE
Continúa la ardua labor musical de la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí que dirige José Miramontes Zapata en lo que a conciertos de gala se refiere, para esta ocasión se contará con la presencia del extraordinario pianista italiano Marco Schiavo, quien en el 2005 compartió escenario con la OSSLP al presentarse en una de las catedrales más importantes del arte y la cultura en el mundo… la Musikverein de Viena, Austria.
El programa a interpretarse para este el próximo viernes 30 de septiembre de 2011 en punto de las 21:00 horas y el domingo 2 de octubre a las 12:30 horas en el Teatro de la Paz, incluye el concierto para Viola en Re mayor Op. 1 de Karl Stamitz, con la participación de Alexander Goryachick actual miembro de la sinfónica local.
Adicionalmente el público asistente podrá deleitarse con el Concierto para Piano No. 27 en Si bemol K 595, de Wolfgang Amadeus Mozart, y en donde el solista invitado seguramente mostrará su experiencia y dotes al piano derivados su vasta formación musical iniciada desde temprana edad en instituciones de gran prestigio como el Conservatorio de Avellino, donde de la mano de personajes de la talla de Rinalda Tassinari, Franco Scala, Aldo Ciccolini y Sergei Dorensky, comenzó a forjar una carrera musical ascendente que lo ha posicionado como uno de los más prominentes en su género.
Aunado a ello Marco Schiavo posee una profunda sensibilidad y una excelsa calidad musical que le ha valido participar en recitales en diversas regiones de su Italia natal, Alemania, Canadá, Rumania, Estados unidos, Argentina, Australia, Bélgica, Rusia, Austria, Brasil y desde luego México, alternando además de la OSSLP, con otras agrupaciones importantes como la Orquesta del Teatro S. Carlo di Napoli, la Orquesta del Teatro Petruselli de Bari, además de concertar en aforos muy prestigiados internacionalmente como el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Beethoven Haus de Bonn, Alemania, el Teatro Monumental de Madrid, el Auditorio Nacional de Ottawa, Canadá, entre otros.
En lo relativo a sus producciones, Schiavo ha grabado los conciertos no. 1 y no. 3 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Rusia y bajo la batuta de Valery Polyansky, el cual se ha difundido a gran escala echando mano de la gran capacidad y poder de convocatoria que los medios electrónicos de países como España, Brasil e Italia ofrecen.
Finalmente cabe acotar que este brillante pianista alterna su trabajo musical con el de la promoción artística, ya que ha dirigido el Festival internacional de Orquestas “Música in Irpina”, además de fungir como miembro directivo de la Asociación Italiana de Música de Cámara, argumentos suficientes para esperar un concierto cargado de virtuosismo y calidad, digno de los mejores eventos que en materia musical se desarrollan en el mundo.
Por tal motivo la OSSLP en conjunto con la Secretaría de Cultura de Gobierno del Estado, Televisora Potosina Canal 13 y el Sol de San Luis, le reiteran la invitación para que se continué nutriendo el trabajo de nuestra sinfónica a partir de la presencia de seguidores asiduos de ésta misma, los cuales favorezcan el crecimiento de nuevos públicos que se sumen a esta cruzada cultural en pro de la buena música en San Luis Potosí.
Para mayores informes comunicarse al tel. 812 40 13.
martes, 27 de septiembre de 2011
Alondras Huastecas, presentan su primer disco homónimo
Desde la última vez que las vi presentarse en un escenario, en donde tienen esa virtud de tocar y cantar en vivo, fue aquella ocasión dentro de las actividades de la II Jornada Iberoamericana de Niños y Jóvenes Poetas, Troveros y Versadores, junto con sa camada de talentosos chicos y jóvenes de Cuba, Venezuela, Panamá, Chile y Argentina, al tener como escenario el bello patio del Palacio del Centro Cultural Municipal potosino.
En aquella ocasión fungieron como anfirionas, al abrir esta singular sesión musical que asombró a muchos y extraños por la creatividad, el amor hacia sus raíces y sobre todo por su talento de este trío conformado por estas pequeñas músicas originarias de Cd. Valles; Dana Sofía Limón Cordero en el violín, Rebeca Limón Cordero en la jarana y voz y, Diana Laura Hernández Villa en la guitarra quinta.
Fue tal empatía de estas pequeñas al interpretar -Cielito Lindo-, Huasteca linda- y claro sin faltar su versión de-el querrequé- viendóse reflejado en el aplauso manifestado en su sonar y esas ganas por diseminar lo que es la cultura de su tierra, la Huasteca potosina.
Pues como dice un refrán lo que bien se siembra, se cosecha a creces. Esto queda de manifiesto y queda plasmado su talento en este primer trabajo discográfico de título homónimo, integrado por 12 canciones que se circunscriben desde la canción más hacia esa cotidianidad de muchos paisanos, así como del dominio público como son: El toro requesón de Quirino Mendoza, la Calandria, las tres huastecas y el framboyán de Nicandro Castillo; Atardecer huasteco de Marcelino Tovar; El violinista en el cielo de Paty Chávez; la liebre de Don Flora Quinetero, la orquídea de Eduardo Bustos, el mil amores de Cuco Sánchez y claro, sin faltar las impresincibles: El Querreque de Pedro Rosas y la Petenera de el viejo Elpidio.
En el altamar cantaba
una niña encantadora
el verso se encadenaba
y decía con su voz sonora
yo soy la diosa del agua.
La sirena es encantada
hecho de la providencia
todos deseamos mirarla
y gozar de su presencia
pero la sirena se haya
donde esté el agua silenciosa.
De esta manera, a pesar de sus edades, puede decirse que son unas dignas representantes del huapango y hemos de reconocer el vigor que imprime para que nuestra música se preserve bajo el buen talante, ese amor y el sentir sumo aprecio por esta tradición, al expresarlo a través de la rima y el verso improvisado, que lo cantan y lo expresan con mucho corazón.
Una producción ejecutiva de la Secretaria de Cultura del Estado de San Luis Potosí y CONACULTA a través de la Dirección General de Vinculación Artística. Grabado, mezclado y masterizado por Luis Monroy.
lunes, 26 de septiembre de 2011
Este 27 de Septiembre, concierto de guitarras de Sul Tasto en los festejos patronales del Barrio de San Miguelito
Con motivo de las fiestas patronales del barrio, la Casa de Cultura del Barrio San Miguelito ofrecerá un concierto de guitarras el próximo martes 27 de septiembre a las 20:00 horas en coordinación con la parroquia del lugar, que además será el escenario de este recital, cuya entrada será gratuita, y para el cual se extiende una invitación en particular a personas de educación especial y con otras capacidades.
De un tiempo a la fecha, dentro de este 2011, la Casa de Cultura del Barrio de San Miguelito se distingue por su inclusividad, además de ser la principal difusora de la expresión guitarrística local, y frecuentemente ofrece programas de solistas y agrupaciones, como las que en esta ocasión darán muestra de su talento en el interior de la Parroquia de San Miguelito, tales como Sul Tasto Ensamble, el Terceto de Guitarras de San Luis Potosí y la Orquesta de Guitarras de la Escuela Estatal de Iniciación Musical Julián Carrillo.
En todas estas agrupaciones, mucho tiene qué ver la figura del guitarrista Emmanuel Mendoza Lara, ya sea como integrante o director de los tres proyectos, como es el caso de Sul Tasto, integrado en 2005 junto con Juan Pablo Rivera Sierra. Este grupo se ha presentado en importantes foros y festivales de San Luis Potosí, así como en Aguascalientes, Morelos, Puebla, Monterrey y el Distrito Federal.
En 2009 Sul Tasto fue invitado a participar en el estreno mundial de la obra “Laberintos”, del compositor hondureño German Barahona, dentro de la Segunda Muestra de Arte Iberoamericano celebrada en el Centro Nacional de las Artes, bajo la dirección de los maestros Christian Gohmer (México) y José Luis Castillo (España).
Posteriormente fueron invitados a participar en la Tercera Muestra de Arte Iberoamericano con el estreno de la obra “México” del compositor español Antonio Blanco Tejero; y son creadores del Concurso Infantil – Juvenil de Guitarra Clásica “Manuel López Ramos”.
Por su parte, el Terceto de Guitarras de San Luis Potosí está integrado por Emmanuel Mendoza Lara, Carlos Iván de León Santoyo y Juan Sebastián Castro Barrón, quienes iniciaron este proyecto en 2010 presentando programas de concierto en foros como el Museo Nacional de la Máscara, Festival Cultural del Cerro de San Pedro, Casa de Cultura del Barrio de San Miguelito, Secretaría de Cultura, y el Teatro Carlos Amador.
Han asistido a Master Class con la maestra Rocío Orozco y el reconocido guitarrista y compositor Julio César Oliva. Sus instrumentos fueron construidos por el luthier Alejandro Mendoza López. Recientemente participaron en el Concurso Nacional de Ensambles realizado en el marco del 14º Festival Internacional de Guitarra de Taxco, Guerrero.
Por lo que se refiere a la Orquesta de Guitarras de la Escuela Estatal de Iniciación Musical “Julián Carrillo”, ésta fue creada en 2009 y está conformada por niños y jóvenes estudiantes cuya técnica e interpretación ha sido reconocida por importantes concertistas de talla internacional.
Muchos de sus integrantes han triunfado en Concursos de Guitarra Clásica en distintas categorías, sumando hasta el momento 17 premios que hoy brindan un grato prestigio a la Institución que representan. Como ensamble se ha presentado en el Centro de las Artes “Centenario”, el Templo de San Miguelito, en las Fiestas por la Conmemoración del 417 Aniversario de la Fundación de la Ciudad de San Luis Potosí, en el XII Festival de Música Antigua y Barroca “Los Fundadores”, y en el “Teatro Manuel Felguérez” de la ciudad de Zacatecas en el marco del Encuentro Interinstitucional Universidad Autónoma de Zacatecas – Universidad Autónoma de Aguascalientes – Universidad Nacional Autónoma de México – San Luis Potosí 2009.
INICIAN EN SAN LUIS POTOSÍ ACTIVIDADES DEL SEMINARIO NUEVAS RUTAS PARA EL PERIODISMO CULTURAL
Arrancó este día el taller “Aplicaciones digitales en periodismo cultural”, como parte de las actividades del Seminario Nuevas Rutas para el Periodismo Cultural que realizan el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), a través del Centro Nacional de las Artes, y la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) en el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario.
Con las palabras de la directora general del CASLPC, Déborah Chenillo, y la presencia de Olga Lucía Lozano y Guillermo Culell, miembros del FNPI quienes estarán a cargo del taller, así como Carlos Serrano, coordinador del mismo, se llevó a cabo la presentación de la actividad que reúne durante 5 días a editores, redactores, reporteros y productores de diversos medios periodísticos de México y otros países de América Latina.
El taller “Aplicaciones digitales en periodismo cultural” será impartido con el fin de abrir un nuevo espacio de reflexión sobre la utilidad social del periodismo cultural de calidad y las tendencias de los avances periodísticos ante el dominio del Internet. Al frente, estarán dos destacados miembros del FNPI, Guillermo Culell (Argentina), Director General de Medios en Gestión de Medios Regionales del Grupo El Mercurio, quien además cuenta con una amplia trayectoria pues durante 20 años se desempeó como Gerente de Contenidos y Comercial de Clarín Global S.A, cargo desde el cual lideró el lanzamiento de Clarín.com., además de ser uno de los expertos de mayor reconocimiento en América Latina sobre temas de periodismo digital y convergencia de salas de redacción.
Asimismo, Olga Lucía Lozano (Colombia), editora creativa de www.lasillavacia.com y directora de www.cienmaneras.com, dos medios nativos digitales colombianos que se caracterizan por la búsqueda y generación de nuevas narrativas on line y distintas maneras de entender los tradicionales géneros periodísticos en el contexto de los medios digitales, quien además de su interesante trabajo en medios de comunicación, así com proyectos culturales y artísticos, ha desarrollado experimentos periodísticos en línea, y dictado diversos talleres, conferencias y seminarios para diversas entidades educativas, periodísticas y culturales en diferentes países.
El taller “Aplicaciones digitales en periodismo cultural” desarrollado en el CASLPC, forma parte de la línea de talleres de grandes maestros de la FNPI en los que se reúne a 16 periodistas para discutir la carpintería del oficio, con el objetivo de impactar positivamente el ejercicio diario de los participantes a través de la realización de actividades prácticas de reportería y al mismo tiempo, estimular la vocación narrativa del periodismo en reuniones privadas donde el maestro corrige y sugiere nuevas ideas sobre el trabajo de los talleristas.
Cabe mencionar que este, al igual que el taller “Narrativas en periodismo cultural”, impartido en el Centro de las Artes de San Agustín Etla, en Oaxaca, complementa las actividades realizadas del 19 al 23 de septiembre en el Centro Nacional de las Artes, en donde destacadas figuras del periodismo nacional e internacional como Francis Pisani, Jaime Abello, María Scherer, Jorge Volpi, Juan Villoro y Julio Aguilar Romero, entre otros, ofrecieron diversas conferencias en torno al tema.
Mañana Martes se presenta la cinta"la vida doble de Verónica" dentro del ciclo BUENAS POR CONOCER del Cineclub del CANTE
El Cineclub del CANTE, dentro de su ciclo BUENAS POR CONOCER, presenta:
La doble vida de Verónica
Director: Krzysztof Kieslowski
Martes 27 de septiembre de 2011, a las 19 hrs.
Teleaula del CANTE Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE)
del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario
“La Doble Vida de Verónica es una película sobre la sensibilidad, presentimientos y relaciones que son difíciles de nombrar, que son irracionales.”
“Juego con emociones puras, porque es una película sobre emociones y nada más. No hay acción en ella.”
Krzysztof Kieslowski,
extraido de su autobiografía “Kieslowski on Kieslowski”, Faber & Faber.
La doble vida de Verónica
La doublé vie de VéroniqueFrancia-Polonia/1991
Director: Krzysztof Kieslowski
Guión: Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski
Reparto: Irène Jacob, Wladyslaw Kowalski and Halina Gryglaszewska
Música: Zbigniew Preisner
Fotografía: Slawomir Idziak
Gandora de tres premios en el festival de Cannes 1991 (francia)
Mejor actiz (Irène Jacob) Premio FIPRESCI (Krzysztof Kieslowski) Premio del Jurado (Krzysztof Kieslowski)
Sinopsis:
La polaca Veronika y la francesa Veronique tienen muchas cosas en común: ambas son huérfanas de madre, son dos mujeres muy sensibles que viven sólo para la música y padecen la misma enfermedad.
Ambas, a pesar de la distancia y de no tener aparentemente ninguna relación, son capaces de sentir que no están solas. Cuando Veronika muere, durante un recital de canto, la vida de Veronique da un vuelco.
Con mucha alegría y baile, festejaron el primer aniversario de Sábados de Salsa que organiza la Dirección de Cultura Municipal
Por: Roberto A. Valenciano Capín
Sin más la parte oriente de la Plaza de Armas se volvió en una pista de baile a pesar de su reducido espacio-pista- pero aun así se bailó con una intensidad y unas ganas en donde la diversidad de pasos, suertes y estilos dancísticos lucieron, aunado al compás de la música en vivo.
Todo esto con motivo de la conmemoración del primer aniversario de sábados de salsa que organiza la Dirección de Cultura Municipal potosina.
Aun cuando las sillas delimitaban el espacio para echar baile, no fue impedimento para demostrar y exhibir muy disfrazadamente por aquellas academias o espacios comerciales relacionados con esta propuesta musical, al darle ese toque de gran sabor y caché y la vez expotenciar las posibilidades de aprender a bailar estos ritmos a través de sofisticados pasos y quedar contrapuesto por aquellos que lo bailaron y lo disfrutaron a su sentir, con su toque y a sus posibilidades.
No hay que olvidar que “Sábado de Salsa” se realiza los el último sábados de cada mes y en él se cuenta con la participación de diversos grupos en vivo, con la finalidad de que la gente que acuda pueda disfrutar de un buen ambiente musical
Al crearse un ambiente muy sabrosón, con sus ritmo muy particular y mucha alegría, donde se escucharon esas cadencias que van desde el son cubano, así como las diferentes versiones que se han hecho de clásicos no solamente de la salsa sino también del merengue y hasta la bachata, las cuales fueron intepretadas por los grupos: Son la Clave, Son la Playa, Cambalache y SC2, quienes recibieron del titular del área de Cultura Municipal, Claudio Enrique García Flores,quien a nombre del Ayuntamiento agradeció y entrego un reconocimiento a los grupos por el incondicional apoyo para concretar este proyecto.
Cabe hacer mención que a lo largo de este año, en los eventos se ha contado con la participación de grupos en vivo, tanto locales, como de diversas partes del Estado y del País como Afrocuban, Son del Hueso, Trío de Música Cubana, Latin Son, Panas, Salsa Rumbeo, Continentales de Pepe Castillo, Salsaria del Cobach 01 y SC2, entre otros.
La Dirección de Cultura Municipal invita a la ciudadanía para que disfrute de las diversas actividades que se llevarán a cabo durante esta semana
La Dirección de Cultura Municipal invita a la ciudadanía para que disfrute de las diversas actividades que se llevarán a cabo durante esta semana entre los que destacan la presencia del primer actor Guillermo Murray como parte del programa Bellas Artes a Todas Partes, quien leerá en la Plaza de Armas para todos los potosinos.MARTES DE CINE
El Cine Club Municipal presenta la última película del ciclo Cine y Literatura con el film El Retrato de Dorian Gray, del director Oliver Parker. Se proyectará en la Sala de Los Cronistas de Palacio Municipal en punto de las 19:30 horas.
LITERATURA
La Biblioteca Móvil llega hasta la Escuela “Baltazar Silva González” en la colonia Simón Díaz-El Aguaje de 9:00 a 12:00, en donde se realizarán diversas actividades de fomento a la lectura y escritura.
Por la tarde, el mismo miércoles 28 de septiembre a las 18:00 horas en la Sala de Los Cronistas de Palacio Municipal, se llevará a cabo la presentación del libro “Nada es para siempre” de la escritora Verónica Bujeiro, esto por parte de la Editorial Tierra Adentro.
El jueves de 9:00 a 14:00 horas la escritora impartirá el taller “De la promesa al hecho dramático, hay un camino que se puede perder”. Para informes sobre inscripciones, comunicarse con Lisett García al teléfono 8 12 29 72 ext. 119.
LECTURA
El jueves 22 se realizará una Lectura Grupal en la Plaza de Armas de 17:00 a 18:00 horas, esto como parte del programa Libros Libres, en la que se contará con textos de escritores mexicanos.
FIN DE SEMANA
El viernes 23 se llevará a cabo una liberación más de textos con el programa Libros Libres, de 17:00 en la Plaza del Carmen.
Mientras que en la Plaza de Armas, a las 18:00 horas se llevará a cabo una edición más del Viernes de Danzón, en el que se contará con la presencia de diversos grupos de Baile Fino de Salón, quienes imprimen un sello distintivo en cada uno de sus bailes.
domingo, 25 de septiembre de 2011
Tercera edición de Eva, ánfora de luz se presentó en el Coloso de Villerías
Por: Roberto A. Valenciano Capín.
Muchas veces son más benéficos las buenas intenciones que el apuntalar un proyecto que desde su misma gestación no ha sido bien fundamentado, esto es lo que sucede con el proyecto " Eva, ánfora de Luz" que busca a través de su organizadora Véronica Merchand comenta que es un encuentro de bailarinas, en donde queda mucho entrever lo que es la concepción para ella de que es este término.
Ya en su tercera edición de dicho espectáculo colectivo de danza, en donde es de destacar y lo cual también se agradece es involucrar tanto a academias como instituciones gubernamentales como lo fueron para esta sesión: Ensamble Helú que dirige Carol Montejano, Gaby Lechuga e Imelda Espinoza; la Academia de danza Loto que dirige Laura Guadalupe Martínez y la Compañía de Danza del Centro de Seguridad Social del IMSS bajo la dirección de Verónica Merchant.
En donde más bien tanto las pequeñas como adolescentes preferentemente mostraron sus adelantos del aprendizaje y apropiación de este arte danzario y así cumplir su cometido de estas instituciones de incidir en el acercamiento a estas manifestaciones danzarias que se desplegaron en esta noche desde la danza árabe hasta los bosquejos de lo contemporáneo en este magnánimo escenario como es el Coloso de Villerías.
Un muestrario de ideas danzarias como: -Mujeres del sol-de Verónica Merchand. Bailaron Valeria Olguín y América Morales.-Solo de Darbake de Ensamble Helú; bailaron Ensamble Helú y alumnas. -Tarde-inspirada en -escríbeme un cuento- de Amanda Cárdenas, quien por cierto estuvo presente. Coreografía de Laura Martínez; bailaron Daphne Neumann, Laura Martínez y Emmanuel G. López.
-Zona de movimiento- de Imelda Espinoza, bailaron: Ensamble Helú y alumnas; -Fantasia de verdad- de América Morales y Verónica Merchand, bailaron: Rocío San Juan e Imelda Espinoza.- Sable- de Ensamble Helú y bailan el ensamble y alumnas.
-De ti depende...también- de Laura G. Martínez, basada en el cuento- mi amor- de Andrea Saldaña, bailaron: Emmanuel G. López y Laura G. Martínez; -Esperanza de amor- de Véronica Merchand, bailó Valeria Olguin. -Alas- de Imelda Espinoza. -Shimmy-de Ensamble Helú y alumnas y cerrar con -Encuentro- de Verónica Merchand, bailaron: Valeria Olguín y América Morales.
De esta manera, entre la belleza y su plástica que se desplegaron en el juego de esas alas blancas bajo el resguardo de ese fondo azul y, bajo el aliento alentadora música árabe con sus tintes electrónicos, hasta ese Adán y Eva en su enmismado enamoramiento pero visto desde su propia vejez, sin olvidar por ahí los re-trazos de movimientos planteados por otras compañías.
Así, Verónica Merchand, promotora cultural cumple cabalmente con su compromiso desde su particular óptica, como es diseminar ese semilla de la danza entre los potosinos.
Muchas veces son más benéficos las buenas intenciones que el apuntalar un proyecto que desde su misma gestación no ha sido bien fundamentado, esto es lo que sucede con el proyecto " Eva, ánfora de Luz" que busca a través de su organizadora Véronica Merchand comenta que es un encuentro de bailarinas, en donde queda mucho entrever lo que es la concepción para ella de que es este término.
Ya en su tercera edición de dicho espectáculo colectivo de danza, en donde es de destacar y lo cual también se agradece es involucrar tanto a academias como instituciones gubernamentales como lo fueron para esta sesión: Ensamble Helú que dirige Carol Montejano, Gaby Lechuga e Imelda Espinoza; la Academia de danza Loto que dirige Laura Guadalupe Martínez y la Compañía de Danza del Centro de Seguridad Social del IMSS bajo la dirección de Verónica Merchant.
En donde más bien tanto las pequeñas como adolescentes preferentemente mostraron sus adelantos del aprendizaje y apropiación de este arte danzario y así cumplir su cometido de estas instituciones de incidir en el acercamiento a estas manifestaciones danzarias que se desplegaron en esta noche desde la danza árabe hasta los bosquejos de lo contemporáneo en este magnánimo escenario como es el Coloso de Villerías.
Un muestrario de ideas danzarias como: -Mujeres del sol-de Verónica Merchand. Bailaron Valeria Olguín y América Morales.-Solo de Darbake de Ensamble Helú; bailaron Ensamble Helú y alumnas. -Tarde-inspirada en -escríbeme un cuento- de Amanda Cárdenas, quien por cierto estuvo presente. Coreografía de Laura Martínez; bailaron Daphne Neumann, Laura Martínez y Emmanuel G. López.
-Zona de movimiento- de Imelda Espinoza, bailaron: Ensamble Helú y alumnas; -Fantasia de verdad- de América Morales y Verónica Merchand, bailaron: Rocío San Juan e Imelda Espinoza.- Sable- de Ensamble Helú y bailan el ensamble y alumnas.
-De ti depende...también- de Laura G. Martínez, basada en el cuento- mi amor- de Andrea Saldaña, bailaron: Emmanuel G. López y Laura G. Martínez; -Esperanza de amor- de Véronica Merchand, bailó Valeria Olguin. -Alas- de Imelda Espinoza. -Shimmy-de Ensamble Helú y alumnas y cerrar con -Encuentro- de Verónica Merchand, bailaron: Valeria Olguín y América Morales.
De esta manera, entre la belleza y su plástica que se desplegaron en el juego de esas alas blancas bajo el resguardo de ese fondo azul y, bajo el aliento alentadora música árabe con sus tintes electrónicos, hasta ese Adán y Eva en su enmismado enamoramiento pero visto desde su propia vejez, sin olvidar por ahí los re-trazos de movimientos planteados por otras compañías.
Así, Verónica Merchand, promotora cultural cumple cabalmente con su compromiso desde su particular óptica, como es diseminar ese semilla de la danza entre los potosinos.
sábado, 24 de septiembre de 2011
Ofrece Centro de las Artes clases magistrales para compositores e instrumentistas
Este 26 y 27 de septiembre, el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE) del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, llevará a cabo el taller de Técnicas Extendidas para fagot y chello, así como la clase magistral de Composición Electroacústica en Max/Msp, a cargo de las destacadas creadoras musicales Severine Ballon, Dafne Vicente Sandoval y Carole Charqueron, respectivamente.
El taller Técnicas Extendidas para fagot y chello, dirigido a compositores e instrumentistas, se llevará a cabo en horario de 10:00 a 14:00 hrs. y será impartido por el dúo francés Either/or, quienes conformaron su propuesta musical en 2007, impulsadas por los intereses de improvisación mutuos mostrados en la analogía de su cuestionamiento artístico sobre las relaciones en la composición/interpretación e improvisación.
Por su parte, el martes 26 de septiembre, de 17:00 a 20:00 hrs., se impartirá la clase magistral de Composición Electroacústica en Max/Msp, a cargo de la compositora Carole Chargueron, miembro del cuerpo docente del diplomado “Tránsitos” del Cenart, y compositora de piezas para cinta, mixtas (instrumentos y cinta), con procesos en vivo, para cortometraje y música con video, que ha sido tocada en América y Europa.
Cabe destacar que para complementar las actividades académicas, el martes 27 a las 20:00 hrs. en al Sala de música del CASLPC, se realizará el concierto Either Or, en el que aunado al dúo francés se contará con la participación de Carole Chargueron, y conjuntamente ofrecerán un interesante programa en el que el público podrá deleitarse con el trabajo musical de las tres intérpretes.
Las inscripciones para los talleres se encuentran abiertas en el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías del CASLPC, ubicado en Calzada de Guadalupe 705, Colonia Julián Carrillo en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 hrs. Mayores informes al 1 37 41 00 extensión 7005, o a través de www.centrodelasartesslp.gob.mx
El taller Técnicas Extendidas para fagot y chello, dirigido a compositores e instrumentistas, se llevará a cabo en horario de 10:00 a 14:00 hrs. y será impartido por el dúo francés Either/or, quienes conformaron su propuesta musical en 2007, impulsadas por los intereses de improvisación mutuos mostrados en la analogía de su cuestionamiento artístico sobre las relaciones en la composición/interpretación e improvisación.
Por su parte, el martes 26 de septiembre, de 17:00 a 20:00 hrs., se impartirá la clase magistral de Composición Electroacústica en Max/Msp, a cargo de la compositora Carole Chargueron, miembro del cuerpo docente del diplomado “Tránsitos” del Cenart, y compositora de piezas para cinta, mixtas (instrumentos y cinta), con procesos en vivo, para cortometraje y música con video, que ha sido tocada en América y Europa.
Cabe destacar que para complementar las actividades académicas, el martes 27 a las 20:00 hrs. en al Sala de música del CASLPC, se realizará el concierto Either Or, en el que aunado al dúo francés se contará con la participación de Carole Chargueron, y conjuntamente ofrecerán un interesante programa en el que el público podrá deleitarse con el trabajo musical de las tres intérpretes.
Las inscripciones para los talleres se encuentran abiertas en el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías del CASLPC, ubicado en Calzada de Guadalupe 705, Colonia Julián Carrillo en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 hrs. Mayores informes al 1 37 41 00 extensión 7005, o a través de www.centrodelasartesslp.gob.mx
LA DIRECCIÓN DE CULTURA MUNICIPAL DE FIESTA, CON LA CELEBRACIÓN DEL PRIMER ANIVERSARIO DEL SÁBADO DE SALSA
La Dirección de Cultura Municipal invita a la gente para que forme parte del primer aniversario del Sábado de Salsa, que mes tras mes logra reunir a cientos de potosinos frente a la Plaza de Armas para disfrutar de un gran ambiente.La cita es en la Plaza de Armas en punto de las 17:30 horas, en donde se podrá disfrutar de la música de grupos como: Son la Clave, Son la Playa, Cambalache y SC2, quienes pretenden poner a bailar a todos los asistentes, con sus melodías llenas de alegría y gran ritmo.
“Sábado de Salsa” se realiza los el último sábados de cada mes y en él se cuenta con la participación de diversos grupos en vivo, con la finalidad de que la gente que acuda pueda disfrutar de un buen ambiente musical; además se cuenta con diversas agrupaciones de Baile Fino de Salón, quienes encuentran en este espacio el foro ideal para dar muestra de su gran talento.
El Sábado de Salsa se creó con la finalidad de que la gente tuviera diversas opciones para disfrutar de la música en todos sus géneros, por lo que forma parte de los espacios musicales y de baile generados por la actual administración municipal como lo es: Viernes de Danzón, en la Plaza de Armas; Danzón Dominical, en la Alameda Juan Sarabia; Baile en Centros Comunitarios, Baile en tu Colonia, entre otros.
Cabe hacer mención que a lo largo de este año, en los eventos se ha contado con la participación de grupos en vivo, tanto locales, como de diversas partes del Estado y del País como Afrocuban, Son del Hueso, Trío de Música Cubana, Latin Son, Panas, Salsa Rumbeo, Continentales de Pepe Castillo, Salsaria del Cobach 01 y SC2, entre otros.
Cada evento se ha complementado con diversas compañías de baile como: Grupo de Ritmos Latinos del ITESM campus San Luis; Amore Rumba, Academia Bembe y Nama; Blanco y Negro y Grupos de Baile del Cobach, pro mencionar algunos. Además de que contar con la participación de grupos de baile de otros Estados como: Clave Timbal, de San Juan del Rio Querétaro; Hidrosalsa, de Aguascalientes; Blanco Negro de San Luis Potosí; Iván y Anita, de San Miguel de Allende; Miguel y Claudia, de Celaya Guanajuato; Eduardo Arellano, de Queretaro; Erick Maldonado, de Zacatecas e Iván y Pau, de Morelia Mich.
Celebrarán este domingo Día Mundial de la Bicicleta
POR: Aimee Torres
El pasado 22 de Septiembre se conmemoró el día mundial sin auto y para conmemorarlo, éste domingo se realizará la Cruzada Nacional por el Día Mundial de la Bicicleta, dentro de la actividad de la ciclovía que se realiza tanto en Río Españita como en Avenida Carranza.
Rogelio Bárcena, regidor del ayuntamiento capitalino, informó que la Secretaría de Salud en el Estado es la convocante de este evento como una actividad ejercitante y además familiar; además de que ayuntamiento facilitará bicicletas a la población, sin costo alguno, de las ocho de la mañana a la una de la tarde.
Señaló que en ambas ciclovías se tienen en promedio 6 mil personas y 300 mascotas y anunció el llamado “Carrecán” que se celebrará el próximo 2 de octubre, actividad en la que el propietario corre con su mascota y se espera que sean 500 los participantes, pues el año pasado esperaban una asistencia de 30 y acudieron 400.
En éste sentido, el “Carrecán” dará inicio a las nueve de la mañana en Plaza de Los Fundadores, de ahí saldrán hasta el Jardín de Tequis para regresar nuevamente a Fundadores, en un trayecto de aproximadamente 4 kilómetros.
Agregó que ese mismo domingo o el siguiente también se hará el “Croquetón” en el que se espera recaudar de cerca de una tonelada y media de alimentos, collares, accesorios, ropa para las mascotas con la participación de 10 asociaciones civiles que trabajan en la adopción de animales.
Manoel de Oliveira filma a los 102 años “Gebo y la sombra”
Lisboa • El portugués Manoel de Oliveira, decano de los cineastas aún en actividad, comenzó a los 102 años a rodar su próximo filme en un estudio de París, se supo el viernes a través de la sociedad de producción portuguesa.
La filmación de "Gebo y la sombra", una adaptación de la pieza de teatro epónima del escritor portugués Raúl Brandao, comenzó el jueves y debe concluir a fines de octubre, indicó la sociedad productora O som e a furia.
Entre los actores de esta comedia dramática figuran el actor franco-británico Michael Lonsdale, la italiana Claudia Cardinale y la francesa Jeanne Moreau.
Desde su primer filme, "Douro, travail fluvial", realizado en 1931, Manoel de Oliveira ha realizado unos cincuenta largometrajes de ficción y documentales. Su último filme "El extraño caso de Angélica" fue presentado el año pasado en el Festival de Cannes.
El periodismo cultural valora la realidad de los mexicanos: Villoro
MilenioEl periodismo cultural es la manera que permite valorar no solamente las bellas artes sino la realidad que constituye a los mexicanos, aseguró esta tarde el escritor Juan Villoro, al tomar parte del seminario “Nuevas rutas para el periodismo cultural”, que hoy concluyó.
Al dictar la conferencia “Itinerarios del ornitorrinco: El periodismo cultural en la arena pública”, en el Centro Nacional de las Artes, el también periodista aseguró que “todas las formas del discurso son interpretables, por lo que el periodismo cultural tiene qué ver con la manera como nos comunicamos y entendemos todos nosotros”.
También, dijo, con la manera como se preserva la tradición, entendida como algo abierto, “pues ésta no sólo está constituida por los clásicos del pasado, sino que todo está en discusión, incluso el mismo pasado que nos constituye; el periodismo debe revisar y discutir el pasado, para utilizarlo”.
Para Villoro, quien ha incursionado en la novela, el reportaje, teatro, ensayo y autobiografía, el periodismo cultural custodia la tradición, pero también la renueva. “Hay una pulsión en el periodismo actual, en el sentido de que existen muchas cosas que no se han realizado y se podrían realizar”.
En su conferencia habló de muchas cosas que pueden ser ideales en el periodismo y que no siempre se tienen. “Hay buenas plataformas para ejercer el periodismo, pero también debemos abrir espacios muchas veces personales”, advirtió más adelante el autor del ensayo “Efectos personales”.
De acuerdo con Villoro, el periodista “se la debe jugar por su cuenta” para tener un proyecto personal, y al margen de los medios donde pueda colaborar, “también tratar de hacer una obra que poco a poco pueda ir colocando y pueda ir encontrando su propio espacio en este universo”.
Símbolo del periodismo cultural de México y ejemplo para las nuevas generaciones de comunicadores, Villoro añadió que “el periodista debe tener una curiosidad amplia, y no solo saber de cuestiones culturales o de las bellas artes. Si es así, no cumple con su cometido”.
La cultura, abundó, es una forma amplia del conocimiento que tiene qué ver con la antropología, la religión, la política, la psicología y otras zonas del conocimiento, por lo que la curiosidad del periodista debe ser de corte amplio.
El periodismo cultural debe ser una voz crítica. “La única manera de entender la realidad es cuestionando las cosas que no están bien, tratando de mejorarlas y transformarlas. En este momento, el periodismo juega un papel estratégico para restablecer el tejido social”, concluyó Juan Villoro.
viernes, 23 de septiembre de 2011
Este 23 de Septiembre, Katapulta presenta su Ep homónimo en el Steel Metal Bar
Katapulta se formó en el año de 2006 cuando el guitarrista Thanno Snake y el vocalista Nacho Rocke abandonaron la agrupación “Juglar” liderada por Agustín Dueñas (El Carnal). Pero la historia de Katapulta se remonta cuando la agrupación debutaba en un concierto en el desaparecido Bar "El Sonis" en agosto del 2006 donde debutaban con el nombre de Zaggrev...
La banda estuvo originalmente formada por: Nacho Rocke (voz), Thanno Snake (guitarra), Luis Chavollo (bajo) y Dicko Beck (bateria). A partir de ese momento la banda se dedicó a tocar de lado a lado y de bar en bar, el prestigio de la banda comenzó a crecer de una manera brutal ya que en los escenarios donde la banda se presentaba se encargaban de entregar todo lo mejor de si mismos...
En agosto del 2007 la banda recibió una noticia que los impacto, abrirían nada mas y nada menos un concierto de la agrupación española “Angeles Del Infierno” en el cual aparecerían con un nuevo nombre “Katapulta”, donde alternaron con bandas que poseían un gran nivel musical como fueron “Antares” y una banda de fuera llamada “Angeles de acero”...
A principios del 2009 Luis Chavollo deja la banda por motivos personales, meses despues ALEX BEACKER se une a la banda definitivamente, junto con el vinieron tocadas grandes organizadas por el amigo Jose Luis Sandoval, tales como la 3ra muestra de metal underground, Heavy Metal Fest alternando con Mystica girls, entre muchas otras mas. Katapulta se encontraba con todo ensayando temas para su primer LP, pero algo sucedio...
El 20 de marzo del 2010 todos recibimos una noticia que nos dejo sin habla, Alex habia fallecido. Esto afecto mucho a amigos y a los miembros de la banda....... ALEX SIEMPRE TE RECORDAREMOS..... VIVIRAS EN CADA NOTA DE NUESTRAS CANCIONES!!!!
En abril Luis regresa a la banda debutando en otro evento de calidad organizado por Morbid Visions en la plaza del carmen S.L.P.
Y ahora nos presentan su Ep Homónimo.
jueves, 22 de septiembre de 2011
Por causas ajenas a la banda se cancela su presentación este 24 de Septiembre el rock regio de Barrio Chachin en el Rockabilly Bar
Originarios de Monterrey, Nuevo León. Barrio Chachin es una banda formada en el 2006 con influencias hacia la música Latinoamericana.
Marco Rojas y José Luis “Pepe-wicho” Herrera se conocieron en la primaria, pero fue hasta la preparatoria, en el 2006, cuando entablaron una amistad y decidieron formar una banda.
Después de casi un año de componer y experimentar con sonidos diversos deciden grab ...ar su primer material con título homónimo en los estudios “DISA”, empezando a promocionar el mismo tocando en los foros de música más importantes de Monterrey, como lo son: “Café Iguanas”, “Café Negro” y “Escocés Bar” entre otros.
El grupo siguió componiendo, y fue en el 2008 cuando se integra a las filas Roberto Rodriguez, compañero de Marco Rojas y Jose Luis Herrera en la Facultad de Musica de la Universidad Autonoma de Nuevo León (UANL), como nuevo baterista de “Barrio Chachin”. A mediados del 2009 Eduardo Burciaga, un viejo amigo de Roberto y ex compañero en otra agrupación del mismo se incorpora a Barrio Chachin.
A finales del 2009, surge la idea de grabar lo que será el primer álbum de “Barrio Chachin” y entre charlas se pacta el mes de Enero del 2010 para entrar a grabar por 6 meses lo que después seria “Hasta que el hambre lo demande” el primer álbum de la banda. Este mismo se grabo bajo la producción de Gustavo “El pibe laser”.
Tiempo antes a la presentación del álbum, un integrante más entra a la familia de este proyecto. Oscar de Anda desfila como percusionista en la agrupación y da fuerza al proyecto. Con la alineación definitiva Barrio Chachin brinda show enérgico lleno de mucha música el 8 de Octubre en el Café Iguana donde se dio a conocer el álbum
Con la nueva y renovada formación, Barrio chachin empieza a hacerse de seguidores en diferentes lugares de la capital regia así como de los U.S.A y a ganar cada vez mas respeto entre las bandas independientes regiomontanas.
Y actualmente vienen presentando su segundo albúm o primer albúm en forma titulado " hasta que el hambre lo demande".
Compartieron el escenario, cantante Zaira Paloma Acosta y la Camerata San Luis dentro de los festejos del octavo aniversario del Museo del Virreinato
Por: Roberto A. Valenciano Capín
A pesar del inoportuno comentario vertido por el director de la Camerata San Luis, el Mtro. Julio de Santiago en torno a pedir una disculpa por presentar un concierto muy prematuro a pesar que de fuentes fidedignas cunde el comentario que estaba agendada desde enero pasado.
Este fue el síntoma que fue delatando el devenir que se gestó en este concierto que ofrecieron en conjunción con la cantante Zaira Paloma Acosta, como parte de las actividades culturales programadas para festejar el octavo aniversario del Museo del Virreinato que dirige la Arq. Conchita Nava.
Con un programa integrado con obras de: Peter Warlok, compositor anglo-gales con su obra más conocida como es la Suite Capriol, así como un repertorio de lieds, arias sumamente conocidas como: Che faro senza Euridice de la ópera Orfeo y Euridice de Christoph Willibald Gluck. An Silva de Frank Schubert. Amarilli mia bella de Guilio Caccini. Seguidilla de George Bizet. Voi che sapete de la ópera Fígaro de Wolfang Amadeus Mozart y terminar esta sustanciosa velada musical con el Con te partiró de Francesco Sartori.
Estas piezas fueron interpretadas por la autodidacta y bella voz soprano originaria de Matehuala, Zaira Paloma Acosta, quien por cierto es apoyada por el Museo del Virreinato en tomar clases de canto para mejorar su técnica vocal e interpretativa.
Siendo uno de sus atributos de esta novel cantante es el aprenderse de memoria las canciones e interpretarlas de tal forma, como fue puntualizado oportunamente por el Mtro. De Santiago y de esta manera recibir el reconocimiento a través del aplauso del respetable que se dio cita a este concierto.
Zaira asume sus ahora delimitantes técnicas como retos, al interpretar en este recital un repertorio con aplomo, a pesar de sentirse esa falta de potencia y matices, pero aun así tuvo ese talante de cantarlas bajo su amor hacia el canto y bajo el resguardo musical de la Camerata de San Luis.
Una camerata San Luis que pareciera que estaba leyendo en una primera lectura, al escucharse descuadrada y por lo tanto desafinada, en donde queda la pauta de que el Mtro. De Santiago no existe tal directriz en cuanto al dirigir a cantantes, viéndose torpe y atrancando en momentos la participación de la cantante y de la misma camerata.
Un momento chusco y de esta manera romper con esta inercia, fue cuando el director de la Cámarata San Luis comentó que no se interpretaría la canción de dominio popular La Llorona, porque le faltó el coro para interpretarla, para solventar este incidente, invitó al jóven tenor Mauricio Chávez para compartir e interpretar con la cantante Zaira Paloma la pieza que hizo famosa Andreas Bochelli- Con te Partiró de Francesco Sartori-.
Ante un cálido y extendido aplauso, como agradecimiento- encore- departieron nuevamente esta canción y salir muy venturosos de esta velada musical.
Y por ahí dejarse oír tibiamente. Gracias por salvar este concierto ante el agradecimiento e invitación de su directora del museo para la próxima inauguración de una excelsa exposición en una de sus salas.
Camerata San Luis esta integrada por: Enrique Castillo Herrera, Leonardo Ortega Gasca, Miguel Ángel Morales Martínez, Maribel Martínez Hernández, Genaro Juárez Martínez, Mariana Campuzano Orduña, Alejandro Leyva Zamarripa, Javier Raymundo Medina Esquivel, José de Jesús Mireles Alemán y Rúben Flores Gonzales. Bajo la dirección del Mtro. Julio de Santiago.
A pesar del inoportuno comentario vertido por el director de la Camerata San Luis, el Mtro. Julio de Santiago en torno a pedir una disculpa por presentar un concierto muy prematuro a pesar que de fuentes fidedignas cunde el comentario que estaba agendada desde enero pasado.
Este fue el síntoma que fue delatando el devenir que se gestó en este concierto que ofrecieron en conjunción con la cantante Zaira Paloma Acosta, como parte de las actividades culturales programadas para festejar el octavo aniversario del Museo del Virreinato que dirige la Arq. Conchita Nava.
Con un programa integrado con obras de: Peter Warlok, compositor anglo-gales con su obra más conocida como es la Suite Capriol, así como un repertorio de lieds, arias sumamente conocidas como: Che faro senza Euridice de la ópera Orfeo y Euridice de Christoph Willibald Gluck. An Silva de Frank Schubert. Amarilli mia bella de Guilio Caccini. Seguidilla de George Bizet. Voi che sapete de la ópera Fígaro de Wolfang Amadeus Mozart y terminar esta sustanciosa velada musical con el Con te partiró de Francesco Sartori.
Estas piezas fueron interpretadas por la autodidacta y bella voz soprano originaria de Matehuala, Zaira Paloma Acosta, quien por cierto es apoyada por el Museo del Virreinato en tomar clases de canto para mejorar su técnica vocal e interpretativa.
Siendo uno de sus atributos de esta novel cantante es el aprenderse de memoria las canciones e interpretarlas de tal forma, como fue puntualizado oportunamente por el Mtro. De Santiago y de esta manera recibir el reconocimiento a través del aplauso del respetable que se dio cita a este concierto.
Zaira asume sus ahora delimitantes técnicas como retos, al interpretar en este recital un repertorio con aplomo, a pesar de sentirse esa falta de potencia y matices, pero aun así tuvo ese talante de cantarlas bajo su amor hacia el canto y bajo el resguardo musical de la Camerata de San Luis.
Una camerata San Luis que pareciera que estaba leyendo en una primera lectura, al escucharse descuadrada y por lo tanto desafinada, en donde queda la pauta de que el Mtro. De Santiago no existe tal directriz en cuanto al dirigir a cantantes, viéndose torpe y atrancando en momentos la participación de la cantante y de la misma camerata.
Un momento chusco y de esta manera romper con esta inercia, fue cuando el director de la Cámarata San Luis comentó que no se interpretaría la canción de dominio popular La Llorona, porque le faltó el coro para interpretarla, para solventar este incidente, invitó al jóven tenor Mauricio Chávez para compartir e interpretar con la cantante Zaira Paloma la pieza que hizo famosa Andreas Bochelli- Con te Partiró de Francesco Sartori-.
Ante un cálido y extendido aplauso, como agradecimiento- encore- departieron nuevamente esta canción y salir muy venturosos de esta velada musical.
Y por ahí dejarse oír tibiamente. Gracias por salvar este concierto ante el agradecimiento e invitación de su directora del museo para la próxima inauguración de una excelsa exposición en una de sus salas.
Camerata San Luis esta integrada por: Enrique Castillo Herrera, Leonardo Ortega Gasca, Miguel Ángel Morales Martínez, Maribel Martínez Hernández, Genaro Juárez Martínez, Mariana Campuzano Orduña, Alejandro Leyva Zamarripa, Javier Raymundo Medina Esquivel, José de Jesús Mireles Alemán y Rúben Flores Gonzales. Bajo la dirección del Mtro. Julio de Santiago.
Mañana la primera eliminatoria del concurso de bandas de Musik Inn
Con el firme compromiso de darle apego, formalidad y profesionalismo a este tipo de concursos de bandas que tuvo un buen detonante en esta ciudad capital. Musik Inn asume este compromiso desde una perspectiva antes citada y realizar este primer evento de la búsqueda de la promotoría de estas noveles bandas que están surgiendo en estas tierras potosinas.Por lo cual este viernes 23 de Septiembre se llevará a cabo la primera eliminatoria con la participación de las bandas: Overdoce, Broken Mind y Pancho Lira a partir de las 18:30 horas.
En estas ediciones se contará con un jurado integrado por: Alfonzo Martinez Azuara "El Gato"- ex-integrantes de la banda rock pop en los noventas "Gafas".Julio César Amaya de "Guitarras Solano".Alejandro Cantrell "Red Saw Machine" y "Fusion Creativo", ganadores del primer concurso Brixton de bandas y una sorpresa.
Se les recuerda que Musik Inn se encuentra en Cordillera Himalaya # 719-3
La entrada es libre.
Invidentes presentan hoy montaje teatral sobre el himno mexicano
Con el apoyo de la Secretarìa de Cultura, a través del Museo Nacional de la Máscara, el Taller de Teatro “Los Pioneros del Teatro de la Oscuridad a la Luz” del Instituto para Ciegos y Débiles Visuales “Ezequiel Hernández Romo”, presentarán este jueves 22 de septiembre a las 18:00 horas, en la explanada frente al Museo Nacional de la Máscara, la obra “El Recuerdo de Antiguas Hazañas”, de Jesús Sotelo Inclán, con una adaptación y dirección del profesor Gerardo Pérez López.
La obra narra la importancia de la gestación del Himno Nacional Mexicano, desde el momento del romántico encierro de Bocanegra por su novia, en el que evoca las Glorias de los Héroes que son luego personificados de acuerdo al reparto de la obra, hasta la convocatoria lanzada por Antonio López de Santa Ana para dar a la Nación un Himno Nacional.
Entre otros cuadros, la obra inicia con el Grito de Independencia para dar paso a un encuentro entre Morelos y Guerrero; el abrazo de Acatempan, entre Iturbide y Guerrero; la consumación de la Independencia; y luego se hace un brinco en el tiempo a través del narrador hasta las gestas de la Guerra Norte Americana, la toma del Castillo de Chapultepec y el Heroico descenso de Juan Escutia.
Durante el transcurso de la obra, se recurre a la musicalización con canciones como La Marcha a Zacatecas de Genaro Codina, el Himno a la Bandera de Don Julián Carrillo, y Corridos Populares de la Independencia para rematar con el HimnoNacional Mexicano en su versión reglamentaria de cuatro estrofas, interpretado por todo el elenco.
El taller de teatro “Los Pioneros del Teatro de la Oscuridad a la Luz” se funda en el año 2000, a iniciativa del licenciado Alejandro Fernández Montiel y el profesor Gerardo Pérez López, a fin de dar a los alumnos del Instituto para Ciegos la oportunidad de experimentar una nueva experiencia a través del teatro, y para ello se elaborado una metodología propia para conducir el taller.
Con base en lo anterior, este grupo es pionero del quehacer teatral entre invidentes, en el plano nacional, con lo cual se busca sensibilizar a la sociedad para demostrar que la discapacidad es solo un referente y no un limitante. Este trabajo implica de ensayo y buscar de espacios tanto oficiales y particulares para los montajes artísticos, por lo cual la representación del taller expresó su agradecimiento al Museo Nacional de la Máscara por el espacio y la facilidades otorgadas para concretar la citada función que se ofrecerá al público potosino.
La obra narra la importancia de la gestación del Himno Nacional Mexicano, desde el momento del romántico encierro de Bocanegra por su novia, en el que evoca las Glorias de los Héroes que son luego personificados de acuerdo al reparto de la obra, hasta la convocatoria lanzada por Antonio López de Santa Ana para dar a la Nación un Himno Nacional.
Entre otros cuadros, la obra inicia con el Grito de Independencia para dar paso a un encuentro entre Morelos y Guerrero; el abrazo de Acatempan, entre Iturbide y Guerrero; la consumación de la Independencia; y luego se hace un brinco en el tiempo a través del narrador hasta las gestas de la Guerra Norte Americana, la toma del Castillo de Chapultepec y el Heroico descenso de Juan Escutia.
Durante el transcurso de la obra, se recurre a la musicalización con canciones como La Marcha a Zacatecas de Genaro Codina, el Himno a la Bandera de Don Julián Carrillo, y Corridos Populares de la Independencia para rematar con el HimnoNacional Mexicano en su versión reglamentaria de cuatro estrofas, interpretado por todo el elenco.
El taller de teatro “Los Pioneros del Teatro de la Oscuridad a la Luz” se funda en el año 2000, a iniciativa del licenciado Alejandro Fernández Montiel y el profesor Gerardo Pérez López, a fin de dar a los alumnos del Instituto para Ciegos la oportunidad de experimentar una nueva experiencia a través del teatro, y para ello se elaborado una metodología propia para conducir el taller.
Con base en lo anterior, este grupo es pionero del quehacer teatral entre invidentes, en el plano nacional, con lo cual se busca sensibilizar a la sociedad para demostrar que la discapacidad es solo un referente y no un limitante. Este trabajo implica de ensayo y buscar de espacios tanto oficiales y particulares para los montajes artísticos, por lo cual la representación del taller expresó su agradecimiento al Museo Nacional de la Máscara por el espacio y la facilidades otorgadas para concretar la citada función que se ofrecerá al público potosino.