martes, 1 de junio de 2010

Trío OOX DESTEMPLÓ OÍDOS EN LA TEMPORADA XXX




Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Dentro de una tesitura llena de musicalidad y calidad, se presentó por primera vez en tierras potosinas, el trío Oox como parte de la XXXVIII Temporada -2010 de Promúsica en San Luis A.C.

Un trío que nos hicieron viajar a través de dos obras monumentales dentro de la música de cámara; El trío elegíaco No. 2 en Re Menor, Op 9 de Sergei Rachmaninov y el Trío No.1 en Si Mayor, Op 8 de Johannes Brahms.

Un trío que a pesar de tener sus orígenes -homenaje en torno a Tchaikovsky- se estructura bajo un solo movimiento en forma sonata clásica, constituido por un priemr movimiento que sin más nos antecede ese aliento sombrío, destacándose el último movimiento allegro risoluto, aunque breve pero contundente, al estar dominado por la parte en que el piano protagoniza el discurso imprescindible, sin cesar, poderoso y dramático, sin perder ese aliento del sublime románticismo con ese temple melancólico.

Una obra que sin más desde las primeras notas te va metiendo en esta travesía donde te sublima, hasta te hace parte ese impacto le que produjo la muerte de su mentor al impresionable y vacilante compositor de veinte años.


Doce episodios encadenados de los cuales el primero es un Lento lugubre (en el sentido «lisztiano» del término) en sol menor. El tema elegíaco, presentado por el piano, evolucionará en cuanto a su aspecto y al tempo , pero, sobre todo, en cuanto al ambiente espiritual buscado: più vivo , con anima , appassionato , tempo rubato , risoluto . Los principales episodios son repetidos simétricamente, para acabar con una marcha fúnebre que muestra ya la propensión del música a transformar su piano en un instrumento capaz de sonar como un tañido fúnebre, de percutir como un tambor grave, de dejar que el sonido ocupe el espacio sonoro. Aunque en este Trío juvenil , se deja a las cuerdas que se aproximen a la expresión vocal, lo que atañe al violín, pero, sobre todo, al violoncello.

Un trío conformado por dos grandes amigos míos; el Mtro. Arturo Nieto en el piano, el Mtro.Ville Kivivuori al Cello y Sebastian Kwapisz al violín, quienes nos presentaron dos obras monumentales; el primer trío elegíaco de Rachmaninov que esta dedicado a la memoria de Piotr Ilich Tchaikovsky y el Trío No. 1 de Johannes Brahams.

Dos grandes obras y dos compositores que los une el virtuosísmo y ese romanticismo”obviamente Brahms es un romántico pero muy serio, pero este primer trío rompe con este esquema, más bien, después de este trío rompe con ese esquema de música ligera, sino más bien, fresca y se vuelve un Brahms más complejo con este Opus No. 8 es tan temprano que huele a nuevo”.

De ahí que uno de los principales retos tanto para el escucha como ejecutante de estas obras, es sin lugar a dudas para el Mtro. Kwaspisz“ Yo creo que para el trío es realmente ir mejorando cada vez, no tanto que obra estas tocando sino como estas tocando y, para el público me es difícil opinar porque las dos obras me encantan, entonces yo las puedo poner una y otra vez y otra vez, de ahí que si fuera el oyente me encantaría”

Si se pudiera plasmar en imágenes estas obras como serían para el violinista señalo “Pues mira en Rachmaninov es muy claro que tiene un lenguaje muy tchaikovskiano e inclusive cuando esta terminando el trío te estas acordando de la Patética y Brahms para nosotros es como tres amigos que se reúnen para platicar algo y cada quien platica su propia historia, que a lo mejor son vivencias parecidas pero contadas de una forma diferente”.

Este trío que se fundó en 2006, En 2007, el grupo participó en Instrumenta Verano y el Festival Coahuila de las Artes, donde interpretó el Triple concierto de Beethoven con la Camerata de Coahuila bajo la dirección de Ramón Shade. Al año siguiente, ofreció un concierto en la Facultad de Música de la Universidad Laval de Quebec. Participó en el Concurso de Música de Cámara Gaetano Zinetti, donde fue semifinalista. Su repertorio incluye el clasicismo vienés, el romanticismo y la música contemporánea

En cuanto a la situación actual de esta conformación musical en México, comento” la situación actual de nuestro trío es muy diferente de otros grupos de cámara. Arturo Nieto vive en Québec, Canadá. Entonces nosotros aprovechamos la oportunidad cuando él está aquí y lo explotamos y, nos sentamos a hacer música lo más que se pueda”.

“No sé si haya muchos tríos de cámara que hagan eso. Obviamente en un trío tienes la posibilidad de que la parte del Cello y el violín se estudien aparte de la parte del piano, si por supuesto tienes que entender el acoplamiento de los tres y eso no los ha dado el tiempo que hemos estado tocando juntos”.

Destaco que hay muchísimos proyectos para este trío de cámara, pero lamentablemente no son tan frecuentes como quisiéramos.

Muy conciso fue el referirse en cuanto al repertorio del Trío Oox, “ hay suficientes grupos de cámara que se están dedicando a la música contemporánea, no es nuestra tirada, no lo es porque no nos gusta el lenguaje, si lo fuera adelante. Consideramos que hay muchísima música antes de lo contemporánea que nadie dice que es mala, sino que simplemente no va con el estilo de nosotros tres, a lo mejor un día lo haremos, no lo sé”.

Ante ese continuo comentarios de directores de orquesta, de decir “ hay que darle al público lo que quiere escuchar “, comento “no sé , pero si estoy muy convencido de querer tocar lo que me gusta”.

En cuanto a llevar este repertorio del Trío Oox a un disco comento que si le gustaría “ estamos precisamente en eso, esperemos que para Octubre se puedan permitir abrir esas puertas para que se de la grabación”.

Al adelantarnos un poco de lo que contendrá el mismo, al aclarar que les gustaría que estuviera el Trío No. 1 del compositor brasileño, Heitor Villalobos, hacer Shostakovich, Brahms o Rachmaninov”.

Pueden checar por el momento en : www.institutokwapisz.org.mx

Eventos culturales de la primera semana de Junio a través de Guiarte

MARTES 01

18:00 hrs.
Concierto de la Camerata de San Luis
Dir. Mtro. Julio de Santiago
Dentro del Festival del Desierto
Lugar: Templo de Nuestra Señora de la Paz, Villa de la Paz
Entrada libre

JUEVES 03

18:00 hrs.
Concierto de la Camerata de San Luis
Dir. Mtro. Julio de Santiago
Dentro del Festival del Desierto
Lugar: Templo de San Salvador, Matehuala
Entrada libre

20:00 hrs.
VISITA NOCTURNA CON TEATRO EN EL MUSEO
Presenta: Instituto Nacional de Antropología e Historia
Lugar: Museo Regional Potosino
Entrada libre

VIERNES 04

20:00 horas
CUATRO NOCHES SIN NORA
Con la presencia de la directora Mariana Chenillo
Lugar: Cineteca Alameda
Costo: 30 pesos

20:00 hrs.
Presentación de libro de la Huasteca
NI TODO ES VERDAD NI TODO ES MENTIRA
Autor: Guadalupe Lárraga
Presenta: Museo Francisco Cossío
Lugar: Sala Francisco de la Maza

SABADO 05

11:00 hrs.
VISITA BILINGÜE PARA SORDOS Y OYENTES
Presenta: Instituto Nacional de Antropología e Historia
Lugar: Museo Regional Potosino
Entrada libre

12:30hrs.
Concierto
FIESTA SINFÓNICA INFANTIL
Orquesta Sinfónica Infantil y Banda Sinfónica Juvenil “Julián Carrillo”
Presenta: Escuela Estatal de Iniciación Musical “Julián Carrillo”
Lugar: Teatro “Carlos Amador” del Parque Tangamanga I
Entrada libre

DOMINGO 06

12:00 hrs.
CICLO DE CINE: EL TREN EN LA CINEMATOGRAFÍA
Película: El hombre del tren
Dir. Patrice Leconte
Presenta: Museo del Ferrocarril “Jesús García Corona”
Lugar: auditorio
Entrada general: $15.00

Se proyecta la cinta "5 Días sin Nora"de Mariana Chenillo, este 4 de Junio en la Cineteca Alameda



Como parte de su programa para difundir el cine mexicano y el quehacer de sus creadores, la Cineteca Alameda se complace en invitar a la proyección de la película 5 días sin Nora, dirigida por Mariana Chenillo, realizadora que nos honra con su presencia el viernes 4 de junio a las 20:00 horas, para entablar una charla sobre las experiencias de su filmación tras la proyección de la película.

5 días sin Nora es la mayor triunfadora en la última edición de los premios Ariel que entrega la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas con siete estatuillas entre las que destacan, Mejor Actor que se llevó Fernando Luján; Mejor Película; Mejor Guión Original; y Mejor Ópera Prima para su directora Mariana Chenillo, cineasta egresada del CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica) -en donde ahora imparte cátedra- quien previo a su primer largometraje trabajó como guionista, continuista, asistente de dirección, productora y coordinadora de producción, además de realizar los cortometrajes En pocas palabras (2003) y Mar adentro (2004).

El film tiene una duración de 92 minutos y cuenta con la actuación de grandes actores mexicanos como Fernando Luján interpretando a José, Ari Brickman como Rubén, Marina de Tavira es Nora de joven, Verónica Langer haciendo de la Tía Leah y Cecilia Suárez como Bárbara, entre otros.

Se trata de una comedia negra en donde José (Fernando Luján) comienza a descubrir hechos del pasado tras el fallecimiento de su esposa Nora, por lo que observamos en la película flashbacks los que se muestran las travesuras de Nora quien intentó suicidarse 14 veces hasta que lo logró, cumplió con su plan y dejó huella en el mundo, sobre todo en el de José y sus hijos.

La entrada será una cooperación para el público en general de 30.00 pesos, para mayores informes se puede consultar el blog de Cineteca Alameda: www.cinetecaalamedaslp.blogspot.com o al teléfono 812 2343

domingo, 30 de mayo de 2010

Con "Esbozos" de Germán Jaúregui, concluye la trilogía " el riesgo interpretado"



Por: Roberto A. Valenciano Capín

Como parte sustancial de presentar producciones originales del Centro de las Artes de San Luis Potosí, se llevo a cabo la conclusión de la trilogía de este espectáculo interdisciplinario denominado "El riesgo interpretado " que converge la conjunción del de danza, música y teatro físico multidisciplinarias con la pieza "Esbozos" del coreógrafo y bailarín español, Germán Jáuregui, al tener como escenario el Coloso de Villerías.

Un trabajo que se conjunta con dos piezas que conforman esta trilogía titulado "El riesgo interpretado";-Pristañ- de la coreográfa rusa, Elena Fokina; y -El Buit- de Laura Arís, las cuales se llevaron a cabo en Febrero y Octubre de 2009, respectivamente.

En ellas se contó con la participación de los intérpretes Virgina Amarilla, Carlos Martínez, Antonio Salinas, Cristóbal Barreto, Víctor Villasana y Eleno Guzmán, a excepción de esta última, al aparecer y sumarse en esta pieza final de dos bailarines potosinos, Tania Ruiz y Adriana Reyes.

Todo da inicio en ese anhelo por ser testigos de emprender el vuelo de ese cisne de papiroflexia que se encuentra al fondo del escenario, pero siendo intercedidos por este grupo integrado por hombres y mujeres van trazando paralelamente en el espacio escénico toda una serie de consecuentados creación de suposiciones para poder entender a través de la conciencia aquello que no se puede comprender en si mismo,como es la muerte, el amor, de ahi que los personajes suplen a su entender estas necesidad de una respuesta a través de poéticos textos.

Surge en primera instancia esa pregunta después de detonarse un texto ¿quién podría resistirse a recordar lo nunca memorizado".

De esta forma desplegarse en tres hálitos; el primero siendo este detonante de sensaciones y energías de movimientos frenéticos, intercalados con una seriación de movimientos a dúo que se reproducen entre las varas de iluminación, donde queda la constante pauta de la fragilidad que es romper con las pautas establecidas, a pesar de la decantación musical en vivo de Alejandro Marcovich.

Una transición que demarca el descubrirse y redescubrirse como seres autónomos, a pesar de la posibilidad e contemplar de estar ahí esos infalibles cánones, con un desarrollo de manejo interesante de energías, sensaciones y hasta quedar plasmada la sutileza de la escencia de la naturaleza humana, que detona en la aprensión del ser como ser, libre dentro de una subjetiva libertad, donde cada acción tomada, cada intentar saltar al vacío que asombra y se asombra.

Es desmontado y desplegado del otrora cisne, para ser utilizado como un lienzo que se dejo planchar de esa incertidumbre a pesar de la contigencia del constante planchado para ir formando una especie de trazos bajo la propia corporalidad de una pintura abstracta, la cual le da esa sutilidad y ese sentido de permanencia, así como cierto carácter y fortaleza que detenta ese sentimiento del compartir el sentir del estar aquí y a la vez desplegar una de las premisas como es el encontrar la armonía no solo con el resto sino contigo mismo, al quedar confirmado al ser desplegado y proyectado la imagen de la Santa Anunciación, para ser disuelta por la sórdidez humana y hallar ese anhelo a través de un libro, el cual es deplegado como esa buena nueva, un aire de hálito que conforta y cuestiona.

De ahí que esta obra corre como un encargo de Eleno Guzmán del cual se construye este proyecto que llega a su fin, después de dos años para conformar esta trilogía con los coreógrafos europeos Elena Folkina y Laura Lís y, ahora Germán Jaureguì.

A pesar de llegar con una gran expectativa de trabajar con bailarines que no conocía, para Germán Jauregí fue un reto a pesar de tener ya ideas claras sobre lo que iba a montar, de ahí que se dedico a conocer a la gente y "es en función un poco de ese diálogo, de ese conocimiento que hemos hecho mutuo con la gente, ellos a mí y yo con ellos en el trabajo, pues poco a poco se han ido perfilando las líneas dramáticas y las ideas que ya traía preparadas, porque ya sabía que teníamos cuatro semanas de trabajo y ensayo".

De ahí que para el coreográfo español este proceso creativo se asienta en estas ideas, las cuales han sido nutridas y tomar caminos que convergen en ciertas líneas detonantes; siendo en primer lugar esa línea que el hombre crea pues a base de la religión o filosofía, "se inventa o necesita para poder entender a aquello que la conciencia no llega a entender como la muerte, el universo, el amor, así como muchas cosas que a través de la razón no las podemos entender. Yo creo que la religión suple esta falta de razón y esa falta de capacidad de entender de una forma racional y lógica, entonces a veces nos apoyamos demasiado en eso y buscamos soluciones, que al final es a veces una especie de prisión; a veces nos ayuda y otras veces no"

"Y era un poco como estos personajes se dan cuenta de ello y deciden abandonar esa línea de pensamiento o de creencia para centrarse en ellos mismos y para decirse no; como dice el último texto -el crear una esperanza tenemos que inventarla, tenemos que crearla, esta dentro de nosotros, de ahí la última imágen de la anunciación, la cual es más allá de la biblia católica, sino es una interpretación más allá de esta, al ser esa la luz que esta dentro de la persona y que esta dentro de nosotros; es el abandonar o el renunciar a algo que el hombre crea por miedo o por aliviar el sufrimiento por falta de razón o de conciencia por entender lo que nos rodea".

Para Antonio Salinas, uno de los bailarines que ha sido partícipes de esta trilogía comento que esta serie de trabajos coreográficos le contrajo un cambio dentro de la perspectiva de mi propia fisicalidad, empezamos con Elena Fokina quien explora todo menos un sentido como dancístico y coreográfico como yo lo tenía estereotípicamente planteado, quien a trabajo con danzas post modernas y teatro físico, pues vivirlo con un montaje y en este caso de ser una ex integrante de la compañía última vez es todo un bagaje y ahora como directora es con su propia estilo se deja ver esta búsqueda. A mí me rompió muchos esquemas personalmente, sobre todo lo que es la fisicalidad y lo que es el código establecido de la danza, de como se enseña aquí la danza en México, en como la enseñamos y como la aprendemos".

En cuanto al segundo trabajo es continuar con ese trabajo en torno a la fisicalidad y en este tercer trabajo que es -Esbozo-, lo que plantea el coreógrafo "es regresar a nosotros mismos desde nuestro propio bagaje corporal, explorar sobre un tema muy puntual que es un poema de William Blake y un poco todo esa problema filosófico de la adoración al otro y de la adoración a si mismo, ha sido un proceso muy interesante".

A la percepción del pùblico de esta obra destaco que le abre un tipo de espectáculo distinto al que esta acostumbrado regularmente a ver, "es interesante que es danza contemporánea en México, es danza contemporánea en Bélgica, es danza contemporánea en Francia, en Inglaterra, en China y no es la misma cosa, la exploración de cada ciudad o país lo hacen los artistas en donde viven aunque no son nativos de esos paìses, pero definitivamente abren opciones dentro del abaníco de posibilidades aquí en México, que es un país que tiene mucho tipo de danza contemporánea desde el teatro físico pasando por los improvisadores, danza moderna,danza neoclásica etc. Me parece que aquí hay otra opción pero no se que tan apto sea para un pùblico conservador de danza contemporáneo no se como lo vaya a pasar, pero estamos con gente que trabaja con un lenguaje con lo plástico, lo visual, desde una fisicalidad que no tiene que ver con el baile sino con otro tipo de exploraciones".

Para la bailarina y coreógrafa Adriana Reyes esta obra le detonó " el sacar un poco de mi identidad, el cual es padrísimo que en cualquier montaje que tomen en cuenta tu manera de ser como bailarín y como persona".

Entre risas destaco que este trabajo lo resume como "origami físico", al platicarnos que uno de los retos fue cuando el director le marcará una escena de llorar que nunca había hecho. "Fue para mi, una escena muy difícil, así como el trabajo y el reto de estar bien consciente de tu corporalidad y un trabajo de fisicalidad, cuando bailas entre las barras, al estar consciente de donde brincan, respetar y compartir los espacios con tus compañeros, lo cual disfrute mucho".

En cuanto a su texto que escribió y forma parte de este trabajo multidisciplinario, explicó que fue dirigido a esa cultura del pájaro que todo traemos, "que hay que quitar capa por capa, hasta quedar tu ser. Entonces trate de dirigirlo tanto a Alejandro-Marcovich- que funge como el reconcialiador de lo que es la cultura y el hombre".

Destaco la bailarina potosina que actualmente las compañías deben ser multiculturales, aunado a ser un gran paso en cuanto a la calidad de los baialrines potosinos y, " que padre que se esta abriendo un puente entre San Luis y Europa".

Un espectáculo multidisciplinario que esperemos transite más allá desde estas tierras del gran tunal.

Una producción del Centro de las Artes y la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí

Un emotivo homenaje a Nellie Happee



Por: Columba Moya

Como todo un éxito puede considerarse el homenaje a Nelliee Happee realizado en el Auditorio Nacional el pasado 29 de abril.

El entusiasmo y calor humano invadía fila por fila los asientos del recinto, donde los años de disciplina, dedicación y amor rindieron fruto con la presencia de alumnos, amigos y colegas del mundo de la danza mexicana.

Para Nellie Happee y el público asistente se vivió el momento supremo en que funcionarios con elocuentes discursos, artistas, alumnos, bailarines, cantantes, músicos y técnicos en el teatro enorme experimentaron los momentos mágicos en que de pronto, en escena, algo florecía, tan fugaz e intangible como la danza misma y toda esa carga sólida e indestructible que es resumir en la obra coreográfica, en los surcos de la enseñanza, el profesionalismo y el afán de logro, la presencia indiscutible, lejos de mitología y acomodos, toda una vida dedicada a la danza.

Nellie Happee es del selecto grupo de bailarinas, maestras y coreógrafas que parecen haber sembrado en tierra fecunda su esfuerzo personal por aprender cada vez más, así como conocer y experimentar cada día nuevas realidades en el mundo sobre arte y cultura, para transmitir a sus alumnos, a la gente con quien trabaja y al público ansioso por disfrutar, y sin sofisticaciones endebles, un sentido de la danza conservador en su manera, sólido y bien hecho, que encanta a la gente.

Así, las obras presentadas en el Auditorio Nacional, como Esquina bajan (estrenada en 1994) y Carmina Burana (en 1993) con la Compañía Nacional de Danza, como ases de una programación ampliamente probada, aceptada y reconocida por los más diversos públicos, han coronado en sólido triunfo el importante trabajado de Nellie en el repertorio de la danza mexicana, concentrado en esa compañía, que dicho sea de paso se mostró excelente, con solidez, técnica, precisión y presencia, dando un salto cualitativo en su impacto visual.

Nellie Happee, pequeña, menudita, ha sido capaz de imponerse en todos los terrenos de la danza mexicana, en la que es respetada. Me agrada recordarla entrando toda apurada al salón donde ensayábamos los integrantes de la Compañía de Danza Contemporánea de Bellas Artes, por allá en la avenida Hidalgo frente a la Alameda, a finales de los años 50 y principios de los 60 del siglo pasado, con sus pasitos rápidos y breves batiendo palmas y lanzando su famosa frase: "a ver, güeras, vamos a iniciar la clase". Nos impartía sus clases de ballet, profundamente absorbidas de sus estupendos maestros, durante sus viajes a París y Estados Unidos.

Hoy, me alegro mucho por Nellie. Su trayecto en la danza mexicana y su liderazgo en el impulso y creación de compañías de ballet abrieron perspectivas y desarrollo para nuevas opciones, aun con el eterno cinturón siempre apretado para los bailarines, y el vientecillo de luchas intestinas por la ambición de poder y presupuesto de añejas costumbres y objetivos decadentes. Ella ha sabido, y no sin suerte, con estilo, clase y mucho esfuerzo, rebasar cuanto pudiera detenerla en la consecución de una obra que el México actual, menos desmemoriado, reconoce y valora.

Ahora Nellie, agotada, feliz y satisfecha, se tomará las cosas con calma, a sus 80 años, un poco alejada de ese torbellino vertiginoso del mundo de la danza, agotador y exasperante a veces, que exige y requiere de toda la vida, toda la energía y todo el esfuerzo por prevalecer y llevar a buen puerto convicciones e ideas por la cultura y el arte.

Así, luego de tres horas en el Auditorio, donde orquesta cantantes, bailarines, técnicos y cuanto hubo back stage para el homenaje a Nellie, con el maestro Solé siempre al tanto, como director de escena, el director de la orquesta sinfónica y el coro de Bellas Artes, Juan Carlos Lemònaco, actuaron sorprendentemente bien. Además, las voces maravillosas de la gran Lourdes Ambríz, José Luis Ordóñez y Guillermo Ruiz, sin pasar por alto a los primeros bailarines, como Jaime Vargas (quien también fue homenajeado ese día en el mismo teatro), Sandra Bárcenas, Agustina Galizza, Blanca Ríos, Raúl Fernández y el notable Erick Rodríguez, grabaron su presencia en esta función extraordinaria en honor a quien honor merece: Nellie Happee. Enhorabuena.

Pamalanga, este 5 de Junio en el LOVE



Pamalanga, Pa la gente, Pa la banda. (San Luis Potos, México, 2010) Musica original y arreglos: Armando Corado Judd, Letra: David Soraiz, Rocio Rodrguez, Cleiber Gonzalez y Toño Parga Los musicos de Pa..malanga: Armando Corado Judd: violin y guitarra electrica, David Castillo Mancha: Bateria, Marco Perez Acosta: Bajo, Lechuga: Trompeta, CONTACTO pamalanga@hotmail.com contacto@pamalanga.com

SUS INFLUENCIAS:Khaled, Bob Marley, Emir kusturika, YossounDour, Baba mal, Klezmatics, Rachid Taha, The Police, tchokola-jean-luc ponty,santa sabina,maldita vecindad, cheb mami, arvo part, gorecky, ruben blades, rush, liquid soul, Faudel, peter gabriel, etc.

Flamenco-fusión de Cabal y Fuego, este 2 de Junio en LOVE



¿Flamenco-jazz?...¿Huasteco-jazz?...¿Flamenco-huasteco?...Probablemente se tratara de utopías y experimentaciones peligrosas, sin embargo, se han escuchado muchas versiones de amalgamientos o “fusiones” a través de la historia musical, pero en este caso, el flamenco se muestra por si solo como una expresión liberada de sus particularidades únicas y esenciales, para fluir sin deterioro de su esencia dentro de los causes marcados por otros géneros que aparentemente divergentes, provocan una mutua retroalimentación artística sumamente peculiar.

Cabal y Fuego con su tema "Apágame" (De el CD Flamenco Fusión), se incluye en el compilado internacional "BABEL, rhithms of the world" al lado de artistas como Arturo Sandoval, Agustín Carbonell “Bola”, Luís frank, Pascal Lengange, Ettiene de Passy, Huazzteco, entre otros, disponible en México en tiendas de prestigio.

Sin dejar de lado los Tablaos y la tradición, Se trata pues de una contribución musical flamenca, pero con características especiales: es una propuesta Mexicana dirigida hacia la universalidad auditiva del melómano y es al mismo tiempo, una exposición de un talento relacionado únicamente con lo que el arte musical reclama y proclama…