miércoles, 2 de marzo de 2022

Eufrosina Cruz: “Los indígenas somos chingones, no víctimas”

 

Eufrosina Cruz Mendoza encarna una historia exitosa de rebeldía que inició en la sierra zapoteca de Oaxaca. 


Por:  Diego Badillo

En el libro “Los sueños de la niña de la Montaña”, editado por Grijalbo, la actual diputada federal cuenta su vida, desde que la llamaban ¡Brezin! para reprenderla por ser una niña rebelde; cuando era La China, que jugaba con los niños en las Canchas (contrario a la tradición); cuando la llamaban La Loca que se rebeló ante la idea de tener que casarse a los 12 años, aunque por ello tuvo que salir del pueblo; cuando la llamaban La Chayote porque la asignaron a Chayotepec como instructora comunitaria; cuando consiguió que la llamaran La Contadora, La Candidata (a la que le impidieron gobernar por ser mujer, por ser profesionista y por no vivir en su pueblo); cuando la llamaban La Presidenta (del Congreso de Oaxaca), cuando le decían La Secretaria o, ahora La Señora Diputada.

Y en esa vuelta, relata cómo comenzaron a dolerle las miradas, cómo conoció la palabra discriminación; cundo fue que entendió que debía arrebatarles sus sueños a las circunstancias, cómo se privó del amor y muchas cosas más; cómo  se convirtió en problema; cuando fue noticia en periódicos internacionales y hasta cuando descubrió que su nombre significa alegría en un museo del otro lado del mundo.

¿Cuál es el objetivo de este libro?

Traté de plasmar la historia de mi vida, mi historia por la política y de mujer adulta.

Quería un texto que reflejara lo que soy y, gracias a la editoria Grijalbo, tuve la oportunidad de contar mi rebeldía, mi terquedad.

Quiero que el lector sepa que, a través del esfuerzo, rebeldía y constancia, se puede arrebatar a las circunstancias lo que uno sueña.  Nada sucede si uno no le lucha.

Brezín, la niña de las montañas

¿Cómo vivió la parte de su vida cuando la llamada ¡Brezín!?

En zapoteco eso significa Eufrosina. Mi padre me gritaba ¡Brezín! para reclamarme para qué chingados me había ido a escondidas a la cancha.

Desde entonces fui desafiando esas normalidades que la sociedad nos impone. En donde dicen: tú tienes que hacer esto; te tienes que casar, debes tener 10 hijos y que uno piensa que es lo normal y lo va aceptando, aunque en eso va implícita la violencia, la desigualdad.

Traté de plasmar la travesía, la terquedad de esa niña que desafió lo que papá le decía: de hacer tortillas (cosa que nunca le gustó), de levantarse todos los días a las tres de la mañana y ser la última en dormir, junto con mamá; de casarse a los 12 años, de tener hijos. Quizá ese era el destino de esa niña y dijo ¡pus no!, que el origen no podía definir su destino, mucho menos eso que se llama usos y costumbres.

La China, una adolescente en rebeldía

Cuando sus amigos se referían a usted como La China, ya tenía muy claros sus sueños y se permitía vislumbrar otro futuro. ¿Cómo era en esa parte de su vida?

Como una niña que no pelaba a nadie y que no se iba a hacer la actividad cotidiana, como ir a darle de comer al marrano y lo que según la costumbre me tocaba hacer.

Pero dentro de eso fui feliz. A lo mejor no pude tener una muñeca, porque no lo tenía a la vista, no las conocía. Por eso hablo de este poder de las imágenes (de revistas que le mostraba su maestro de primaria); de cómo una imagen puede cambiar  y trascender  tu vida, tu realidad y que te enseña la posibilidad de soñar, de decir ¿cómo se llega  eso? Entonces, empiezas a tener aspiración y esa hambre de quiero llegar, quiero descubrir si existe o no y  cuando llegas y te das cuenta de que sí existe, te das cuentas que los sueños sí son posibles.

¿Qué importancia tuvo para usted acceder a la educación, sobre todo como instrumento para arrebatarle los sueños a las circunstancias?

Pues la educación es la herramienta más poderosa. fue la que me enseñó a descubrir mi conciencia, romper mis miedos, romper mis paradigmas. A reflexionar, a exigir, pero, sobre todo, decidir cómo quiero hacer las cosas.

Ningún programa de gobierno te puede dar esa conciencia de libertad. 

La Chayote, la instructora de Chayotepec

¿Qué rescata de la etapa que fue instructora comunitaria?

Me tocó ser instructora comunitaria de Conafe (y sus compañeros se llamaban entre sí por el nombre de la comunidad en la que eran asignados. Ella estaba en Chayotepec y le decían Chayote)

Empecé a entender que, así como mi historia había miles y todas querían desafiar las circunstancias, pero que no había un maestro, como mi maestro de primaria, Joaquín, que le enseñara a esa niña que no era malo jugar canicas en el pueblo, que no era malo brincar en la cancha polvosa de la comunidad, que eso no la hace ni mas ni menos niña y a los varones, ni más, ni menos niños. Que no es malo ir al barranco a jugar resbaladillas.

Eso me hizo entender que yo tenía que ir sembrando, no sé, de 10 niñas que había en cada comunidad, que entendieran eso.

Valió la pena estar lejos de tu familia para que viera esa libertad y que  pudiera construir otras conciencias de libertad.

La Contadora y la Candidata

Parece que el hecho de que no aceptaran su triunfo como presidenta municipal de su tierra pudo marcar para mal su vida, pero parece que la impulsó. ¿Cómo fue ese episodio?

Yo creo que fue el segundo momento que me marcó en la vida como mujer. Ese día  fue el día que más odié ser mujer. Las palabras en nuestra lengua son muy fuertes. Los insultos fueron muy fuertes. Te enfrentas a una asamblea de hombres y empiezas a decir ¿qué chingados estoy haciendo aquí?, mejor aquí la dejamos. Pero cuando  llegas y te encuentras con el rostro de las mujeres y que te digan: no te vayas a agüitar, estamos contigo hasta el final.

Al final del día, tú ya eras la letrada, ellas no, eran ellas las que sufrían esa cotidianidad de la violencia. Entonces entiendes que tenías que estar del lado de ellas para poder visibilizar y que hoy se haya podido realizar una reforma a la Constitución de mi estado, a la de mi país (para garantizar el derecho de la mujer a votar y ser votada en las comunidades indígenas) y que la ONU haya adoptado una línea en ese sentido, entonces dices vale la pena ir a contracorriente.

La Loca; ni tanto

¿Qué tan importante fue para usted el Premio Nacional de la Juventud?

Yo creo que fue un reconocimiento que te hace tu país a que no estás tan loca, con lo que haz hecho en tu vida y que te reconozcan a nivel nacional también porque fue la primera vez que me traje a mis papás para que conocieran la Ciudad de México, la capital de su país. Ese día eran como dos niños descubriendo el mundo.

Ahí estaba mi papá en una habitación con regadera con jacuzzi descubriendo eso. Eso también me marcó.

La Legisladora

¿Cuándo se dio cuenta que tenía capacidad de incidir en los asuntos públicos? ¿Cómo fue su experiencia como diputada local?

Tenemos que darnos cuenta de que sí tenemos capacidad. Lo que a lo mejor tenemos que construir y lo hacemos todos los días es la experiencia. 

¿Qué fue más gratificante, ser legisladora o secretaria de Pueblos Indígenas y Afromexicanos de Oaxaca?

Cada uno me ha dejado, vivencias, experiencias y retos. El haber sido la primer mujer presidenta del Congreso, el haber logrado una reforma a la constitución de mi estado, el haber logrado una reforma a la constitución de mi país; en la secretaría haber logrado visibilizar un espacio de toma de decisiones e implementación de políticas públicas, en favor de los pueblos indígenas pero ya con la palabra correcta ya no como asuntos indígenas sino como pueblos indígenas y visibilizar la población afro, pues cada uno fueron retos para mi y tratamos de hacerlo con el corazón y con el alma.

¿Cuánto nos falta para ya no tratar a los pueblos indígenas como menores de edad?

Creo que cambiar la forma en que vemos a los pueblos indígenas. Creo que como sociedad tenemos que aprender a ver a los pueblos indígenas. No como ciudadanos de segunda, no como niños chiquitos, no como jodidos. No meterlos como grupos vulnerables sino generarles oportunidades para que sean libres, independientes. Somos chingones. No somos víctimas.

¿Qué le falta por hacer?

Un chingo de cosas. Mi sueño es que nunca más una niña sea casada a los 12 años por que así lo dice la costumbre… y un día gobernar mi estado.

martes, 1 de marzo de 2022

Corredor Cultural Carranza invita a sus actividades culturales





Con el objetivo de llevar la cultura  a las calles, al darle vida a una avenida Carranza y especialmente al jardín de Tequis, empresarios e instituciones civiles buscan impulsar no solo la creación y el desarrollo de cafeterías y restaurantes urbanos culturales con el apoyo de programas de coinversión social para su sostenibilidad, sino también buscan fomentar  la inclusión de artistas y artesanos potosinos, así como la concientización y estima  del patrimonio pluricultural, es así como  el Corredor Cultural Carranza dio a conocer la programación cultural de Marzo.

Como acto inaugural de este corredor cultural en alianza con el  Centro Cultural Internacional de SLP, a través del proyecto "Cultura por la Paz", llevará a cabo una serie de presentaciones del talento potosino, este miércoles 2 de marzo,  a partir de las 17: 00 horas., al ser sede el Jardín de Tequis, como simultáneamente se estarán llevando a cabo presentaciones artísticas en cuatro de los siete barrios tradicionales, como son San Miguelito  San Sebastián y el templo de San José.

Aprovechando la celebración del Miércoles de Ceniza, artistas locales se presentarán en los jardines de los lugares antes señalados; estarán participando talentos potosinos; estudiantes música del Centro de las Artes y del Instituto Potosino de Bellas Artes, así como de academias privadas y talentos independientes. Estos eventos serán gratuitos y abiertos al público en general, informa Estefanía de Lira de León, Productora de Eventos Públicos y Festivales del Comité.

Como también se ofrecerá el concierto privado del pianista potosino de origen ruso, Vladimir Petrov, este domingo 20 de marzo a las 20: 00 horas., en la Casa Blanca Eventos, a beneficio de “La Casa de Jesús” (Centro de apoyo a mujeres en situación vulnerable).




El concierto ofrecerá un programa integrado por obras de Schubert, Chopin, Listz, Prokofiev, como también incluye vino de cortesía y mesa de canapés. Código de vestimenta: formal. Boletos a la venta en el Restaurante Casa Blanca.

Vladimir Petrov, es un laureado pianista, con una  carrera ilustrada al ser ganador del premio del público en el 63 del concurso internacional F. Busoni, THtalia (2021),  como los concursos internacionales «Lotar Shevchenko» en Rusia; «Ciudad de Vigo» en España; «José Jacinto Cuevas» (Yamaha) en México; «NTD piano competition» en Nueva York, Estados Unidos; distinguiéndose recientemente por su primer lugar en el «Neapolitan Masters Competition» en Italia.

Vladimir Petrov es un pianista ruso, que radicó desde los tres años de edad en México, a la que él cariñosamente ha llamado su “Patria Chica”, y en la que, bajo el cuidado de sus padres y maestros (Valery Piassetsky, Eliso Virsaladze y Grigorii Gruzman) inició lo que ahora es una brillante carrera pianística. 

Su actividad concertística incluye sus ejecuciones cn España, Alemania, Francia, EUA, Malta, Holanda, Suiza, Canadá, México, Bielorusia, Rumania, Chile, Chipre. Vladimir Petrov es egresado del conservatorio estatal Tchaikovsky de Moscú, Rusia. Actualmente continúa sus estudios en la escuela superior de música F. Liszt en Weimar, Alemania. 

Así lo informaron en rueda de prensa, integrantes de este corredor cultural: Eduardo Ayala Morales, presidente; Alberto Narváez Arochi en Relaciones Públicas Empresariales; Estefania de Lira de León Productora de Eventos Públicos y Festivales; Alfredo Naquid Gómez en Relaciones Públicas Gubernamentales e Iván Petrov, gestor en música.

'Kiev, cuna de la rusidad’: Jean Meyer, investigador

 


Por:  Virginia Bautista

El investigador Jean Meyer, quien estudia la historia soviética y rusa desde hace 35 años, afirma que una de las razones del ataque bélico de Rusia contra Ucrania es que creen que esta nación ha sido desde la Edad Media la cuna de la rusidad.

"Kiev, Kyiv en ucraniano, nace en el siglo IX como Estado patrimonial que crece mucho y desaparece en 1240, destruido por los mongoles, cuya dominación dura hasta fines del siglo XV.

"En 988, el gran duque de Kyiv, Vladimir, ahora santo, se hace bautizar y bautiza a su pueblo por el Patriarcado de Constantinopla. Son los bizantinos los que dan nombres a los diversos grupos eslavos de la región: pequeña Rusia para Kyiv, Rusia blanca para Bielorrusia, Gran Rusia para el incipiente Estado moscovita y Rusia roja para la parte más oriental”, explica en entrevista.

"Hoy, el Kremlin y el Patriarcado de Moscú pretenden que Kiev es la cuna de la rusidad, de su fe y de su historia y que, por lo tanto, Rusia no puede vivir sin Ucrania. La dimensión mítica se encuentra en esa conclusión”, añade.

El doctor en Historia, autor de Rusia y sus imperios, destaca que “la nueva generación de historiadores eslavos ha forjado un nuevo vocabulario analítico para evitar la ambigüedad engañosa del vocabulario imperial tsariste y soviético, así como la del vocabulario nacionalista ruso contemporáneo.

"Así, usan la palabra ‘ruso’ para lo que tiene que ver con el grupo etnicocultural ruso, mientras que usan ‘rusiano para el grupo político que formaban los imperios tsariste y soviético’”, indica.

El profesor del CIDE añade que, además del mito de la rusidad, existe otro: “El antisemitismo, supuestamente genético de los ucranianos, es un mito, como la presente acusación putinesca: ‘son neonazis’. El pobre presidente Volodymyr Zelenski es judío, y su primer ministro también”, aclara.

El mexicano de origen francés trabaja en un nuevo libro sobre mil años de historia religiosa de Rusia.

Clínica concierto con Héctor Guerrero en el Museo del Ferrocarril



La Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, invita al público interesado a participar en la Clínica concierto que impartirá el guitarrista Héctor Guerrero en el Museo del Ferrocarril Jesús García Corona el jueves 3 de marzo a las 19:30 horas., la entrada es libre con cupo limitado.

Se hace extensiva la invitación a los y las guitarristas a traer su instrumento para practicar  y disfrutar de este concierto que va acompañado de la explicación de las notas, los acordes y la extensa experiencia del maestro Héctor Guerrero, quien se encuentra presentando este proyecto a lo largo de la República Mexicana. 

Guitarrista profesional desde 1985 de diversos géneros principalmente el  Rock, destacando su participación en La Cripta, Rabietta  y Ensamble de Guitarras Eléctricas. Su experiencia como músico lo ha llevado a ser telonero de artistas tan disímiles como Gloria Trevi, Luzbel, Paul Gilbert, El Tri, Pesado e Intocable entre otros. 

Ha sido maestro de música, audio e inglés, ha impartido talleres, conferencias y cursos. Se desempeñó como  promotor cultural en CONARTE de 1998 a 2004. Trabajó para el gobierno federal mexicano como jefe de la unidad regional de culturas populares e indígenas de CONACULTA  de 2003 a 2004.

Entre sus conciertos más importantes destacan: Festival Cervantino 2014, con Los Buendía. Orquesta Sinfónica de la UANL, marzo de 2014. El Tri, en el parque fundidora en 1995 ante 12,000 personas aproximadamente. Con Paul Gilbert (uno de los mejores guitarristas eléctricos del mundo) en 2001.

“Mi música no debería pensarse, sino solamente escucharse”, dice el compositor mazahua Samuel Cedillo

El compositor y músico experimental mazahua, Samuel Cedillo.


Por: Eleane Herrera Montejano 

“Quisiera exigir al escucha -intérprete o público- que tome el reto de oír y hacerlo intensamente porque así es como me gusta a mí, pensar que la escucha, el ejercicio de oír, nos puede hacer acceder a un estado que queda más allá de escepticismos, escuelas y modos de pensar qué es o no la música: es un flujo que nos invade, nos desborda y permite darnos cuenta de que el ejercicio de oír no es otra cosa que el ejercicio de vivir”, expresa el compositor y músico experimental mazahua, Samuel Cedillo, respecto del concierto “La escucha infinita”, que el Ensamble de música contemporánea Liminar ofrecerá el jueves 3 de marzo, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (Cenart).

En conversación telefónica, Samuel explica que lo experimental viene de la palabra experiencia y el sonido está ligado a la vida de un cuerpo concreto que oye y va constituyendo, en su memoria, lo que llamamos música.

“El que escucha en realidad no oye porque está teniendo una experiencia viva. Mi interés como creador consiste en que el escucha tenga un flujo acústico que le permita –si está abierto a ello- acceder a lo que yo llamaría la escucha primordial. Que vuelva a renovar por 5, 10 o 20minutos una escucha que sería como la escucha primera”.

- ¿Lo primero que escuchamos o la primera vez que lo hacemos?

Todo. Es como regresar a la escucha antes del lenguaje, por ejemplo. Alguien que está oyendo como nosotros, pero bajo un estado de atención y alerta, nuestra escucha que ya tiene trayectoria de 30 o 40 años, puede volver a acceder a esta escucha que está antes del pensamiento. El oído funda su relación con el sonido incluso a pesar del individuo que piensa conceptualmente. Mi música no debería pensarse, sino solamente escucharse.

PROPUESTA.

Samuel explica que estas ideas pertenecen a una rama de la música, conocida como “psicoacústica”. Sin embargo, puesto que a él no le gusta la psicología prefiere abordarlo en un nivel perceptual, de modo que su propuesta tiene que ver con la estructura fisiológica y relación integral del individuo con su oído.

“El oído no sabe de conceptos. Al oído no le pertenece el universo conceptual, aunque, curiosamente, es el mecanismo que funda el universo conceptual porque oye las palabras”.

“En ese sentido”, continúa, “las palabras que oye son la fuente primera para que el individuo piense conceptualmente. Pensar conceptualmente es básicamente escuchar”.

En su propuesta, Samuel busca crear una experiencia acústica particular, con fenómenos acústicos que tengan fuerza y potencia para poner en estado de alerta al oído mediante flujos continuos, intensidades constantes y complejidades internas que hagan que la atención del individuo colapse en términos de memoria, para que el oído “se abra”.

Destaca que estas ideas están mejor estudiadas en el campo de las músicas rituales, que no tienen nada que ver con la lógica de los conciertos, o de ofrecer un estreno.

La idea es que, a través de estructuras acústicas, de la repetición de fonemas, del canto y estados masivos -como los cantos tibetanos colectivos o los chamanes que cantan por horas- se puede acceder a un estado sensible que no es el convencional estado del individuo.

“Entran en una especie de estado de gracia de la escucha. Lo que yo propondría sería una especie de anti-meditación: si en mi música fuera invadido el individuo acústicamente para impedirle incluso meditar, como si estuviera el cuerpo hundido en un flujo. Ese flujo sería una corriente acústica que antes o después llamaría música”.

- ¿Esto no provoca efectos físicos incomodos?

Depende. Lo que ocurre con los intérpretes que se dejan ir es que tienen una experiencia importante a nivel perceptual y sensorial. Con el público es más difícil saber qué ocurre. Hay algunas piezas que he hecho anteriormente como Máquina parlante (que es un poema) donde en 10 o 15 min el cuerpo se agota. El sentido del signo y la palabra se agota y empieza un flujo acústico expulsado por la boca y después el cuerpo también se agota. Es un estado de alerta animal el que saca los otros 20 min de la pieza adelante y el cuerpo sigue gritando y gimiendo y chillando.

-Existen propuestas menos violentas.

Casi todas.

-¿Por qué quieres hacerle eso a tu intérprete? ¿A tu público?

Jajaja. Digamos que me he hecho fama por eso. Mi música se toca poco y son pocos músicos quienes toman el reto y lo quieren hacer, es justo por esto: el público mismo está acostumbrado a un concierto de música clásica estándar y esperan algo como cuando van a escuchar Mozart. Es decir, quieren una experiencia linda, de una belleza más o menos establecida, con duraciones más o menos establecidas… y esta es una especie de contrapropuesta porque a mí, justo, no me gusta Mozart. No lo aguanto porque todo este principio crea una estética aristocrática, tiene que ver con que se trata de manera demasiado pasiva al intérprete y escucha. Yo anhelaría que participen de manera activa.

Esta idea de colapso, más que violenta, para mí es una estrategia para que el individuo recuerde que está escuchando porque está vivo.

CONCIERTO.

El Ensamble Liminar ofrecerá concierto con cuatro obras de Samuel Cedillo. Cenart

Entre los pocos valientes que aventuran interpretar las piezas de Samuel Cedillo se encuentra el ensamble Liminar, que en esta ocasión estará acompañado por integrantes del Sonidero 13 (ensamble de música contemporánea de la Escuela Superior de Música del INBAL).

Bajo la dirección del violista Alexander Bruck, el programa de La escucha infinita se integra por las obras: Estudio de contrapunto I, para violín a dos arcos; Estudio de contrapunto II, para guitarra; y Estudio de fenómeno, para cuatro pianos, así como la pieza Canon B, versión para 12 cuerdas.

“En la pieza de 4 pianos hay una sobrecarga de uso de energía, los pianistas estarán, literalmente, golpeando el piano por 12 minutos. Hay una constante de articular y utilizar el cuerpo en su versión física motriz, casi como coreografía, el ejecutante gasta su energía por accionar intensamente un cuerpo acústico”, detalla Samuel.

Agrega que la última pieza del recital es la que da nombre al concierto, pues se trata de un canon infinito. “Esto viene del corte Barroco, de la época de 1600, pero viene de más atrás, de la época medieval. Son formas que se replican en una repetición donde siempre hay variación, como rueda infinita que da vueltas cíclicamente y a los músicos los pone en estado de alerta intenso porque durará más de 20 minutos sin parar, entonces ocurre una especie de trance”.

Informa también que en estos momentos el ensamble se encuentra en proceso de grabación de las piezas de este programa. Si bien tiene prohibido revelar la casa disquera con la que lleva el proyecto, adelanta que el material se publicará a finales de año y tendrá distribución mundial.

EL DESCOMPOSITOR.

Samuel Cedillo es compositor de origen mazahua. Cada vez pone menos cosas en su biografía, pero siempre afirma que fue campesino y artesano en su infancia porque considera que ha marcado su trabajo musical.

Estudió Composición en el Conservatorio de las Rosas, de Michoacán, con Germán Romero. Desde 2008 es guía del Taller de creación libre, en el que acompaña procesos creativos en Pátzcuaro, Michoacán. También fungió como productor de los discos Música de tradición purépecha (2009, 2013 y 2017); y en 2019 estrenó la pieza performática Máquina parlante.

“Fui detectando que muchas cosas que hago a nivel profesional y creativo como compositor son intereses muy viejos en mi historia. Se remontan a mi infancia y tienen que ver con una estadía en la vida en el campo, un espacio de contemplación del medio, un trabajo directo con las manos sobre la tierra. Es decir, un trabajo muy concreto porque en la formación convencional promedio de un compositor estudiante se trabaja la música de manera abstracta. Se nos enseña a escribir y escuchar música como si no se debiera trabajar con el sonido de algún modo".

"Cuando descubrí que me interesaba meter las manos a los objetos y trabajar directamente con ellos descubrí un universo acústico vasto que tiene que ver con el título del concierto: es un universo finito, en realidad, pero tiene un proceso de transformación y de comportamiento fisco-acústico que para nuestro oído y vida humana es infinito”, añade.

El concierto dirigido a mayores de 14 años.

El concierto La escucha infinita está dirigido al público a partir de los 13 años de edad. Se llevará a cabo el próximo jueves 3 de marzo, a las 20:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del Cenart. Los boletos se encuentran disponibles en las taquillas del Cenart y a través del sistema Ticketmaster (120$).

El protocolo incluye el acceso a través de un filtro sanitario, uso obligatorio de cubrebocas y la sana distancia. Aforo al 75%. Para más información consulta la página www.cenart.gob.mx.

Presentarán “Aura Ayar” de la escritora Lilia Ávalos



La Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, tiene la firme convicción de que las familias potosinas necesitan de todo tipo de actividades culturales, en diferentes espacios y con una oferta para todos los gustos, ya que les permiten conocer y aprender nuevas disciplinas que alejen a niñas, niños, jóvenes y adolescentes, de la vagancia y las adicciones, que son semilla de conductas ilícitas o delictivas.

Por lo anterior, se invita al público en general a conocer el libro “Aura Ayar” de la escritora potosina Lilia Ávalos, obra que fue merecedora del Premio Nacional de Literatura “Dolores Castro” 2020, y que será presentada este viernes 4 de marzo a las 19:00 h, en las instalaciones de la Biblioteca Central del Estado, entrada libre.

Esta obra, que será comentada por Emma Aguado y Virginia González, se sitúa en el México de la década de los años noventa, Aura Ayar es una novela sobre la memoria, los recuerdos y las vivencias que marcan la vida de las personas desde la infancia. 

Con una narrativa ágil, severa y emotiva, Lilia Ávalos nos envuelve en esta historia en la que toda una generación se recordará como parte del resultado de un México sacudido por las presiones económicas, los movimientos sociales, así como de la desestabilización familiar que ello trajo consigo.

En palabras de la escritora e investigadora, Aura Ayar pretende “exponer cómo la infancia no es esta etapa idílica y feliz, que en las relaciones familiares no todo es cordialidad y apoyo, en particular la figura de la madre.”

“La memoria -dice Ávalos- me parecía fundamental para contribuir a este proceso. La conciencia de nuestros procesos pasados nos da mayor posibilidad de decisión sobre el presente, por eso era importante que Ayar entendiera qué había pasado con los dolores de su padres y abuelas, porque las herencias no son sólo materiales, sino también emocionales”.

Lilia Ávalos es escritora e investigadora literaria. Premio Nacional de Literatura “Dolores Castro” 2020. Becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) para ensayo creativo en la categoría Jóvenes Creadores (2020-2021). Es Doctora en Literatura Hispánica por El Colegio de San Luis y especialista en literatura de tradición oral. Miembro del Sistema Nacional de Investigadores (SNI) como Candidata desde 2022. Ha colaborado con los medios: Confabulario de El Universal, Sin embargo, CRM Noticias, Ruleta Rusa, Momento y AM San Luis.

Teatro y danza de Japón abren telón virtual en la plataforma Cultura UdeG



La Coordinación General de Extensión y Difusión Cultural de la Universidad de Guadalajara / Cultura UDG y la Fundación Japón, institución de Japón dedicada a llevar a cabo programas integrales de intercambio cultural internacional, han decidido tener una colaboración de diferentes proyectos escénicos japoneses para la plataforma de Cultura UDG.

“Stage Beyond Borders" es el nombre del proyecto general donde van incluidas más de 20 obras de teatro y danza donde muestran la diversidad creativa de artistas japoneses como Kujirai Kentaro, Moriyama Kaiji, Kitao Wataru, Maro Akaji que, si bien siguen practicando sus artes tradicionales, están a la vanguardia de las artes escénicas contemporáneas, logrando cruzar disciplinas y fronteras.

Para cultivar la amistad y los lazos entre Japón y el mundo, la Fundación Japón crea oportunidades globales para fomentar la amistad, la confianza y el entendimiento mutuo a través de la cultura, el idioma y el diálogo.

En Cultura UDG es de suma importancia sumarnos a proyectos de difusión cultural internacional que puedan ofrecer nuevas ventanas de apreciación a nuestra comunidad universitaria y jaliscienses.

Esta colaboración ilustra no solo el interés por fortalecer los vínculos culturales entre ambas instituciones, sino también el compromiso para identificar espacios de intercambio de las diferentes propuestas que Cultura UDG pueda ofrecer a la Fundación Japón a través del contenido exclusivo de la plataforma digital www.cultura.udg.mx

El espectador podrá disfrutar de títulos como Kabuki: the Legacy of Eccentric Spectacle, Hisashi Watanabe Ojami-hyon series Episode 1 Ojami-hyon, Moriyama Kaiji, Hibino Kodue, Kawase Kohske zero, Mamagoto Our Planet, entre muchas más.

Para acceder a todos los títulos entra a www.cultura.udg.mx en el apartado colaboración especial Fundación Japón.

Para saber más sobre la Fundación Japón

La Fundación Japón se estableció en octubre de 1972 como una entidad legal especial supervisada por el Ministerio de Relaciones Exteriores. En octubre de 2003, se reorganizó como una agencia administrativa incorporada. Sobre la base de una dotación gubernamental de 78,000 millones de yenes, las actividades de la Fundación Japón se financian con subsidios gubernamentales anuales, ingresos por inversiones y donaciones del sector privado.

La Fundación Japón tiene una red global que consta de la sede de Tokio, la Oficina de Kioto, dos institutos de lengua japonesa (el Instituto de Lengua Japonesa de la Fundación Japón, Urawa, y el Instituto de Lengua Japonesa de la Fundación Japón, Kansai) y 25 oficinas en el extranjero en 24 países (incluidas dos oficinas de enlace del Asia Center).