La Compañía Nacional de Danza de México clausurará el XLII Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López”.

Este sábado 30 de julio, el Festival Internacional de Danza Contemporánea en su XLII edición, cerrará actividades con la presentación de la compañía colombiana Cortocinesis con su espectáculo “Volátil: recitales de la desaparición” bajo la dirección de Vladimir Ilich Rodríguez, en el Teatro Polivalente a las 17:00 horas. 

Sobre esta presentación, la compañía Cortocinesis refiere que volatilizar es un verbo que se refiere a un cambio de estado, de forma, de consistencia. Lo que queda de lo que desaparece, lo que desaparece de lo que queda. Es un estado limbo que, cómo una ligera capa de seda es frágil atravesar, pero una vez del otro lado no regresas más. Es una cuerda de guitarra que amenaza romperse tras cada nota y no deja de llorar. Es una oscuridad perenne que no puede evitar el alba y ataca de nuevo con el crepúsculo. Y sobre todo es carne. La carne que se niega a desaparecer porque aún irreconocible, tiene sus surcos y sus cicatrices que continúan contando historias fragmentadas, emergentes a pesar del olvido. Desaparecer es el amor que se va, es el cuerpo que no veo más, es el amor que se queda sin cuerpo o el cuerpo que se queda vacío, sin el amor.

En Matehuala, se presentará Danza Joven Sinaloa & Danza Visual procedente del estado de Sinaloa, con el espectáculo “Desde el caparazón de la tortuga”, una agrupación que ha tenido fuerte presentación durante esta semana dentro del festival en varios puntos de San Luis Potosí.

Y será la Compañía Nacional de Danza de México, quien bajo la dirección de Elisa Carrillo y Cuauhtémoc Nájera, presentarán el espectáculo de clausura de la edición 42 del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López, en el Teatro de la Paz a las 20:00 horas.

Al respecto, con las piezas All long dem day del coreógrafo alemán Marco Goecke, Por vos muero del exponente español Nacho Duato, Romanza del maestro estadounidense James Kelly, Miliano y Planimetría del movimiento de la creadora escénica y bailarina de la CND Irina Marcano, la compañía se suma a la edición XLII del Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López”.

Con el desarrollo de estas actividades culturales que están por concluir, Gobierno del Estado muestra su interés en democratizar la cultura, masificarla y hacerla llegar a todos los potosinos y potosinas, porque es con la cultura y las artes como se puede fortalecer el espíritu, porque un espíritu fuerte es capaz de resistirse a las tentaciones que ofrecen la violencia y la delincuencia.

“Brundibár”: ópera que narra cómo los niños saben superar las adversidades

Algunos de las niñas y niños cantores del Faro de Oriente que participan en “Brundibar”, en el Teatro Julio Castillo.

Por: Reyna Paz Avendaño

La historia de cómo el trabajo en equipo, la solidaridad y la empatía puede sobreponerse a las adversidades e injusticias, es el argumento de la “Ópera “Brundibár” que a partir de hoy y hasta el 21 de agosto presentarán los 35 niños cantores del Faro de Oriente en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

La ópera compuesta por Hans Krása y con libreto de Adolf Hoffmeiste –escrita durante el Holocausto− estará acompañada por una orquesta de cámara y por el cantante Arturo López Castillo. Las funciones serán sólo sábados y domingos a las 12:30 horas.

“Los niños cantores del Faro de Oriente es un proyecto gratuito, es un coro comunitario ubicado en el Faro de Oriente, en la periferia de la alcaldía Iztapalapa, en sus límites con el Estado de México, es una zona compleja socialmente hablando. Es un proyecto gratuito y tenemos niños desde 8 hasta 17 años”, platica Tania Nicté Espíndola, directora del coro.

¿Cuánto tiempo llevan los niños en el coro?, se le pregunta. “La mitad llevan alrededor de 5 años, durante pandemia algunos crecieron y otros cambiaron de domicilio, pero cuando nos llegó esta propuesta había que tener un coro nutrido para que dieran el sonido que se requería, entonces abrimos convocatoria en febrero y se integraron nuevos niños, algunos tienen más experiencia y otros empezaron desde cero”, responde.

La Ópera Brundibár relata la historia de dos hermanos que necesitan comprar leche para su madre enferma, pero no tienen dinero y para conseguirlo deciden imitar a Brundibár, el organillero del pueblo, sin embargo, él no los deja. Con la ayuda de animales y de otros niños, logran cantar y juntar el dinero para la leche,pero Brundibár volverá a molestarlos.

“Es difícil que haya óperas para niños, la traductora Irina Chytra nos contaba que es muy difícil que se haga este tipo de montaje y estaba muy contenta que regresara a los escenarios. Nosotros nunca habíamos hecho ópera, si trabajamos música de concierto, canto coral infantil que son canciones con cierta dificultad, varias veces cantamos con orquesta, pero ópera como tal nunca habíamos hecho”, detalla Nicté Espíndola.

El trabajo con los niños, añade, ha sido complejo. “Vocalmente es muy demandante porque hay que tener un sonido potente y para ello nos preparamos con clases de técnica vocal; desde abril hemos trabajado, han sido cinco días de la semana, cinco horas diarias y el estudio personal de cada niño”.

¿Cómo han tomado los niños el argumento de la obra?, se le pregunta. “A los niños les gusta el tema de cuestionarse situaciones autoritarias, de adultos contra los niños, que el pensamiento de los niños es muy válido y también les gusta defender las causas”, indica.

Nicté Espíndola platica que después de que los niños cantores se aprendieran la ópera, realizaron unos dibujos sobre la historia y ahora esas creaciones serán parte de la escenografía.

Los niños cantores del Faro de Oriente son uno de los 200 semilleros creativos que impulsa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura a través de la coordinación del Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM).

¿DÓNDE VER LA ÓPERA BRUNDIBÁR? En el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Reforma y Campo Marte (atrás del Auditorio Nacional), del 30 de julio al 21 de agosto. Duración: 40 minutos. Recomendable para público de 5 años en adelante. Boleto $80

Momias de Guanajuato se quedan sin museo

Por: Andrés Guardiola

La cancelación del Nuevo Museo de las Momias es el resultado del acato de la ley, afirmó la regidora morenista Paloma Robles Lacayo, quien recordó que la sola construcción del edificio que lo albergaría y, dado su diseño, ponía en peligro la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Humanidad de la ciudad de Guanajuato.

"Seguramente el presi­dente municipal (Alejandro Navarro) está acostumbrado a ejercer presiones y ofre­cer estímulos para persuadir a las autoridades para que evadan los procesos. El go­bierno federal hizo su trabajo y está en acato estricto a la ley”, presumió Robles.

Dijo que Guanajua­to podía haber perdido su nombramiento porque se pretendía que el museo– centro comercial, se cons­truyera en la zona núcleo de la ciudad. Además, la Coor­dinación Nacional de Monu­mentos Históricos del INAH notificó, a través de un oficio, que nunca recibió una solici­tud de autorización por parte del gobierno local.

"El gobierno municipal tampoco registró la deuda ante la Secretaría de Hacien­da y Crédito Público, es decir, era un proyecto plagado de irregularidades, una impo­sición, un absurdo, y lo más sano era desistirse de él”, ponderó Robles Lacayo.

El martes pasado, el al­calde panista de Guanajuato, Alejandro Navarro, anunció la cancelación del proyec­to del Nuevo Museo de las Momias, y acusó al gobier­no federal de obstaculizar su desarrollo

Elisa Carrillo: “Si la música me conmueve, en automático quiero bailarla”

Por: José Juan de  Ávila

La música ha acompañado a Elisa Carrillo toda su vida a la par que la danza, a tal grado que, para ella, ambas disciplinas artísticas siempre van unidas; y si escucha algo que la conmueve, lo quiere bailar.

La primera bailarina del Ballet Estatal de Berlín interpretará la música de Maurice Ravel en la exclusiva coreografía de 1961 de Maurice Béjart, en la quinta edición de Danzatlán y décima de su gala Elisa y Amigos, con lo que se convierte en una de las pocas artistas en el mundo con ese privilegio.

México recibe a ocho ganadores del Benois de la Danse

La premio Benois de la Danse 2019, además de la música de los ballet clásicos, lo mismo ha bailado con la canción de Nina Simone Sinnerman para la coreografía de Marco Goecke All long dem day, que conciertos para cello de Antonio Vivaldi en el pas de deux de la Amorosa, de Ricardo Graziano, o con música electrónica de los DJ CitadinoSon y Gebrüder Teichman en la pieza Cero Tolerancia de la coreografía de Yeri Alarika #The_Wall con que inauguró Danzatlán 2022 el pasado sábado 23 de julio.

Aun música de compositores contemporáneos como John Adams está en el repertorio de Carrillo, con la pieza de Goecke And the Sky on that Cloudy Old Day. O barroca, de Arcangelo Corelli y Alessandro Scarlatti, en el Arcángelo de Nacho Duato, que bailó con su esposo Mikhail Kaniskin. O la de Dmitri Shostakovich, en Kazimir’s Colours, homenaje de Mauro Bigonzetti, a otro ruso, pintor, Kazimir Malevich.

“Siempre he estado muy abierta a todo lo que es música. Y cuando algo me conmueve, automáticamente siento que debo bailarlo”, señala Carrillo en entrevista en vísperas de sus galas en el Festival Internacional Danzatlán, junto con otros cuatro Benois de la Danse (Marcelo Gomes, Lucía Lacarra, Herman Cornejo y Kimin Kim), que para la danza es considerado como el Nobel o el Oscar.

“Simplemente escucharla y sentir si me transforma o me hace sentir algo. Claro que hay danza sin música, pero, para mí, ambas tienen que estar juntas, porque la música nos ayuda a expresarnos de otra manera, es otro tipo de movimiento, otro tipo de conexión con tu corazón, con tu mente. Me pasa que a veces cierro los ojos y escucho algo y siento cómo mi cuerpo tiene el deseo de decir algo. Siempre hay una conexión. Cuando escucho una música que me mueve, sé que que me gustaría interpretarla. Si oigo algo que no está en ninguna coreografía, digo que me gustaría que se hiciera algo con esa música. “Puede ser cualquier tipo de música, no tiene que ser clásica, puede ser contemporánea o que está de moda; a veces hay canciones que me gustan y que quisiera en algún momento poder bailarlas. Creo que es una conexión que tengo con la música, como todos los seres humanos, y que hay música que verdaderamente te conmueve y te ayuda a sacar las emociones que llevas dentro. La música es parte de mi vida, de todo lo que hago; es importante y es básico para mí tenerla para poder expresarme”, refiere. Bolero Un ejemplo de está conexión que tiene con la música es justamente Bolero, la pieza orquestal de Ravel, para la cual consiguió los derechos para poder interpretar la coreografía que le hizo Maurice Béjart. “He escuchado Bolero toda mi vida. Es una pieza maravillosa, muy famosa, que siempre que la he escuchado me hace vibrar. Es una música muy bella, a todos los seres humanos nos hace vibrar”, subraya Carrillo, que la interpretará en las galas del 31 de julio, en el teatro Morelos, de Toluca, y el 1 de agosto, en la sala de conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, de Texcoco. “Ahora, tener la oportunidad de expresar el Bolero de Ravel con el movimiento es algo maravilloso. La experiencia de aprender la coreografía, de profundizar, cada paso, cada movimiento, el por qué, cómo se llama cada sección, cómo se tiene que hacer, y todo lo que Maurice Béjart quería del bailarín, es algo que me ha ayudado mucho a comprender y a digerirlo y meterlo en mi cuerpo y llegar a tener el momento de sentir que es tuyo, de que puedas tener esa conexión”, dice la estrella internacional mexicana, formada en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Inbal y actual codirectora de la Compañía Nacional de Danza con Cuauhtémoc Nájera desde principios de 2019. View this post on Instagram A post shared by Elisa Carrillo Cabrera (@elisacarrillocabrera) Comenta que durante toda su carrera, que empezó en la adolescencia, vio en televisión o videos las interpretaciones del Bolero de Béjart de gente como la estrella del Ballet Bolshoi Maya Plisétskaya o el más famoso bailarín argentino del siglo XX, Jorge Donn, o la primera bailarina del Ballet de la Ópera de París, Sylvie Guillem, también premio Benois de la Danse como Carrillo. “Tuve la oportunidad de ver la coreografía de Bolero por primera vez en vivo en Bélgica, con la bailarina española Elisabet Ros, de Barcelona, única mujer de la compañía de ballet de Béjart que lo baila. Fue impresionante. Esa magia que me hizo sentir ver la pieza en televisión, en grabaciones, creció aún más al verla en vivo. Y me di cuenta que sí tenía esa fuerza que yo ya había sentido en esos videos, pero en vivo eran algo más maravilloso, aún más grande”, relata la premio Alma de la Danza. “La música te guía, la música es tan maravillosa que te va guiando hasta llegar a la cúspide de esta coreografía, y en conjunto es una mezcla maravillosa. Ha habido varias versiones de Bolero, es algo maravilloso cómo se van conjugando las cosas. Esa pieza, que es tan representativa, puede transformarte a ti misma. Y dentro, cuando uno escucha la música, hay un punto donde es tan grande, que llegas a los extremos de tu parte psíquica, de tu parte mental, y al final, como con la pieza, termina muy fuerte y sacas todo de ti”, concluye sobre la coreografía que interpretará con 40 bailarines hombres. Te recomendamos... Isaac Hernández: “Despertares posiciona a México en el mundo” Bellas Artes, la última parada del Ballet Nacional de España en México​.

-Re- naciendo- del Ballet Provincial en el Lila López

Fotografías: Gabriel Ramos/ Secretaría de Cultura SLP.

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Una primera imágen. esta flor naciente, pulsante de Cactus, de la Mtra. Lila López que sin más nos remite  a su Ballet Provincial de San Luis creado en el año 1964, llega ahora al foro del Centenario Teatro de la Paz, con un “Renaciendo", en esta XLII Edición del Festival de Danza Contemporánea Lila López.

Un título que sin más remite al volver estar, el volver a esta fuerza necesaria y  reanimar esta memoria colectiva después de dos años de este con- vivir en esta pandemia, como este regreso al salón de ensayos, como este punto de encuentro y reflexión no solo con los procesos creativos que se recuperan a través de estas  miradas y que ahora permean y se hacen presente en este histórico escenario. 

Como lo comentará en su momento la Mtra. Carmen Alvarado, directora del Ballet Provincial:  "Seguiremos bailando... porque el Ballet Provincial crecerá y seguirá creciendo... porque mientras exista alguien que tenga el amor por la danza este grupo seguirá y este festival también”.

En esta  noche de este "arte en movimiento", el Ballet Provincial de San Luis ( BPSL) que en este 2022 cumple 58 años de trayectoria ininterrumpida, siendo uno de los primeros grupos de danza contemporánea en la provincia mexicana, ofreció un programa integrado por un estreno y arropado por tres coreografías que integran su repertorio contemporáneo.

Se abre el telón del Coloso de Villerías con el estreno de la obra -Distopia- de Jaqueline López.

Una pieza en donde queda registrado este anhelo, este imperante devenir de estas entidades en-criptadas, en donde la represión y el placer de generar esta posibilidad de una posible salida a pesar de estar en  estado de alerta, pero se queda solamente en esta impronta de esta in- cesante movilidad. Siendo así una de las más interesantes piezas de la noche.

Para continuar con estas obras de  coreógrafos invitados:

The Memory of Light (Bob & I, 2019) de Fernando Domínguez & Xavier Hernández.

Una obra que plasma  esta búsqueda de estas capacidades expresivas en estos jóvenes bailarines, a partir de las cuales genera una coregrafía que plantea de una forma puntual, esta falta de interrelación/comunicación orgánica-humana debido a estas nuevas tecnología, celular entre los jóvenes. 

Ánimo (2019). Una coreografía de Julio Morel, plena y envolvente , congratulada con esta frescura, esta fuerza y esta energía vital de los intérpretes, que la hace volverse empática y plena algarabía tanto visualmente como energéticamente.

Y cerrar este renacer,  con la pieza "Arma Lilac" de Fernando Domínguez.

Una pieza que es la suma del sostenimiento de esta composición escénica,  que sin más evoca a todos los “Veteranos de Lila”, sí?, aquell@ s bailarines que han formado parte de este imaginario dancístico de la Mtra. Lila López.

Al utilizar los integrantes de la compañía estos movimientos pulsados, de tal exactitud  que nos remite a estas bandas de guerra secreta en Europa, especialmente las suecas.

Dando lugar al despliegue de una coreografía de gran intensidad a partir de una serie de secuencias de movimientos sostenidos, a partir de los cuales se busca esta replicación con tal efecto,  llevándolos más allá de la anécdota y al terreno del diálogo de dos estilos. Lo militar y la danza.

Un solo cuerpo sentido, emocionado y gozando en y para si mismos y así descubrir de este encanto tepsicoriano.

Es de reconocer este gran trabajo y dedicación de esta nueva generación de jóvenes intérpretes que integran esta decana compañía.

“Es en los jóvenes donde nos perpetuamos, en los que nuestro trabajo tiene la posibilidad de continuar; aunque se geste en otra mentalidad y se desarrolle con otro estilo, es en la misma danza que trasciende al tiempo y se eslabona de generación en generación. Por estas razones, desde lo más íntimo de la conciencia estética, nos preguntamos ¿quiénes somos?, ¿a dónde vamos?, ¿de dónde venimos? ”. Lila López.

Un aplauso abrazador, sentido de un público que reconoce el trabajo, el respeto de y para la danza  a través de estos procesos creativos expuestos en este escenario, el cual fueron correspondidos de igual manera a este corpo de bailarines  con nombres: Daniela Aranda, Katia Barrenechea, Julián Fuentes, Olivia García, Danielle García, Jade García, Víctor Guevara, Karla Hernández, Xiadani Leija, Angélica López, Ángel Márquez, Avril Mejía, Paloma Montiel, Laura Pacheco, Fernanda Torres, Pablo Valdés, Paula Sánchez y  Montserrat Zamarrón, bajo la dirección de la Mtra. Carmen Alvarad, como David Arredondo  en la iluminación.

Como dijera la Mtra. Lila López “Gracias querido público potosino por haber llenado el vaso de mi esperanza, yo estaré siempre aquí en espíritu en este festival, muy de ustedes, muy de nosotros, muy mío, muy de San Luis Potosí”.

El Ballet Provincial es una compañía enmarcada dentro de la libertad que ofrece la danza contemporánea. Sosteniendo la creencia de que el arte es el camino más directo para ir configurando la fortaleza en aquellos seres sensibles que emanen expresiones del espíritu; donde vivir sea soñar y sentir.  Así, el Ballet Provincial es hoy y siempre símbolo de entrega total al arte de la danza, al contar con un repertorio de más de 50 coreografías originales.

Apuntes breves sobre un hermano caminante, Arturo Garrido

Por: Javier Contreras

Muchas cosas admiro y aprecio de Arturo Garrido –su talento coreográfico, su pasión analítica, sus empeños políticos, su escritura poética-, pero, sobre todo, lo que me hace respetarlo hondamente es su conmovedora congruencia ética. En este sombrío período histórico en el que la globalización capitalista nos agrede de manera brutal con su modelo depredador, tanático, afincado en el despojo, y que en el terreno subjetivo busca acorralarnos en el cinismo o la desesperanza, Arturo se mantiene radicalmente leal a sus apuestas éticas. Es un ciudadano de izquierda, vale decir, alguien que no teme hacer explícito que sus muchos esfuerzos tienen la intención de construir desde ya maneras de socialidad y de afectividad alternativas a las propias del capital. Para él es verdad que “otro mundo es posible” y, en consecuencia, guía la diversidad de sus labores en la perspectiva de contribuir a edificarlo.

Artista latinoamericano –porque aunque nació en Ecuador, hace tiempo que es mexicano y hace tiempo también que piensa, actúa y crea de manera global de cara a las realidades compartidas y complejas de la Patria Grande-, Arturo me parece un buen discípulo –en el mejor sentido de la palabra- de César Vallejo y de José Carlos Mariátegui. Del primero, porque también arraiga su experimentación artística en una gran capacidad empática, en un saberse con los otros, en una suerte de ternura en lucha, no plañidera sino dignificante; del segundo, por su disposición a pensar nuestras circunstancias políticas, sociales y culturales adaptando y produciendo conceptos desde y para las características específicas latinoamericanas, que es nuestra manera particular de pertenecer a la categoría geopolítica sur en el sentido en el que la formula Boaventura de Sousa Santos: todos los mundos que tienen que ver con los saberes, los afectos, los deseos, las luchas, las resistencias de quienes son –somos- atribulados por el capitalismo y la colonización y por las múltiples formas de la opresión.

Desde este lugar sureño, y con base en su afán de congruencia, Arturo desarrolla una amplia labor de creación que comprende tanto la composición coreográfica como la organización de seminarios, tanto la participación en luchas políticas y sociales como la programación en su espacio independiente –la Guarida del coyote- de expresiones escénicas alternativas, tanto la escritura reflexiva como la como la poética, tanto el sostenimiento de una radio independiente como las tareas docentes, tanto la vida pública como la privada. Arturo es una expresión de eso que la investigadora Rebeca Mundo llama “poéticas ampliadas”, es decir, esa forma de asumir la creación artística como parte de la poiésis social libertaria global, como actividad total que se vive en la acción compartida, en la correspondencia y coincidencia de los pares. En este sentido, si bien Arturo respeta y cultiva la especificidad discursiva artística, no la piensa ni la ejerce como experiencia autónoma, desligada de la experiencia colectiva. Arturo y sus colaboradores artísticos –y especialmente su inteligente e independiente compañera Alejandra- se saben y se eligen en el mundo, en la vida, en la lucha. A lo dicho, hay que agregar que Arturo –por eso mi referencia a Mariátegui y a de Sousa Santos- ha asumido que existen varias temporalidades en las diversas historias sociales, varios recorridos, que no pueden encajonarse en el esquema simple de “modernidad vs posmodernidad” o de “atraso vs vanguardia”. En este sentido, Arturo no está preocupado por ser contemporáneo gracias a una “acertada” adhesión a un paradigma estético dominante, sino que más bien se ha esforzado en la búsqueda de una enunciación artística propia, autónoma, en el que dialoguen diversas temporalidades discursivas articuladas en obras y proyectos concretos. Esto le permite viajar de lo “moderno” a lo “conceptual”, de lo “individual” a lo “colectivo”, de lo “subjetivo” a lo “abstracto”, de lo “político” a lo “personal” de una manera libre, sin ninguna tributación a estéticas normativas o a las compartimentaciones habituales de la experiencia. Y me parece que, además, un rasgo definitorio de su enunciación coreográfica es el de que siempre se la ejerce desde la conciencia y el compromiso de ser un yo-tú y un yo-nosotros. A mi juicio, en un primer período de su producción coreográfica, este arraigo en los sujetos colectivos que somos y nos constituyen se expresaba en las “anécdotas” referenciales del mundo social representado (por ejemplo, las huelgas en Ecuador, la lucha revolucionaria en El Salvador, la agresión estatal a los jóvenes en México), mientras que en la actualidad este afincarse en la primera persona del plural (que incluye la subjetividad individual) se expresa más en el escrutinio de arquetipos del imaginario popular que portan una gran complejidad afectiva (no me parece casual que una de sus últimas obras escénicas esté inspirada en Rulfo).

Y en todos los momentos de su producción escénica, la valiente y dignificante apuesta ética.

INTRA procedimiento para resurgir" de la compañia INDOMITA Danza Teatroen el Rino

Las Invitadas del Rino, presenta: "INTRA procedimiento para resurgir" de la compañia INDOMITA Danza Teatro  (GDL). Este 30 de julio a las 19:00 horas.

Es un tratado estético sobre la introspección en la soledad. Plantea el tránsito por un camino que nos lleva de regreso al origen de la vida en búsqueda de lo esencial. Coloca la mirada hacia nuestro interior, devela nuestra deformidad, nos provoca espanto; no obstante, es la senda para depurar lo que hemos acumulado en los devenires del mundo reduciéndonos a lo indispensable.

INDÓMITA danza | teatro, basa su trabajo en la observación del fenómeno intergeneracional y entiende la inclusión de todas las personas en el entorno socio-cultural como un derecho a la belleza.

Por lo que esta labor de creación de obras, de provocar laboratorios de investigación corporal-relacional y de transferencia de conocimientos escénicos, está dirigida a provocar experiencias vivas desde y para el cuerpo que resuenen en personas de cualquier edad

En donde se cuenta con todas las medidas de higiene

#VamosAlRino.

Teatro El Rinoceronte Enamorado se encuentra en Carlos Tovar #315, Zona Centro.