sábado, 21 de octubre de 2017

Villa Cariño: Cumbia latinoamericana

           Fotografías : Cortesía de Edgar Gutiérrez Calvillo / Festival San Luis / Villa Cariño. 



Por: Roberto A. Valenciano Capín



A pesar de no ser la cumbia de ser esta columna vertebral de que une perfectamente esa identidad y ese sentido latinoamericano, si nos permite ver esta similitud y hermandad como latinoamericanos, es así como la banda chilena de Villa Cariño ofreció su fiesta musical a los potosinos en esta Plaza de Fundadores, como parte de la XVII edición del Festival de San Luis.



Al reconocer Max Vivar que la cumbia en Chile, "viene de todos lados, viene mucho de Argentina, viene también de un primer colombiano que llego a Chile y es Luis Hilanday  y por ahí conocimos la cumbia", al presentar en su primera visita a estas tierras potosinas,  su cuarta producción discográfica “Dormir”.



Con “La Fiesta es de nosotros” no solo comenzó esta fiesta sino la pauta de lo que fue ésta, al converger el amor, el desamor y este sentido social a partir de esta particular forma de hacer cumbia, aunado a ser una parte sustancial que une a los latinoamericanos y que nos da la identidad expresada a través de la música.




“En el show de Villa Cariño a lo mejor puede ser incluso hasta risa, puede ser muy divertido o muy curioso y lo que hacemos mucho en Chile que partimos cantando una canción que tiene una arenga que dice que la Fiesta es de nosotros, ubicando un ellos y nosotros, y dando al pueblo y a las minorías que siempre no tienen estos centros de poder. Nosotros no nos podemos entender como una sola cosa, nosotros nos entendemos que nos pasan muchas cosas en un mismo día, entonces esto que hacemos nosotros contiene básicamente de los dos; amor, consciencia política y revolución", aunado a tirar energía positiva y compartir un momento lindo.



Una travesía de un ir y venir desde lo más festivo hasta esta parte amorosa sin hacer dejo de lo social, gracias a temas como - Abril-, -Freestyle-, -Política, amor y revolución-, -Mi historia de amor-, -Serenata Cruel-, -Antes de que tú te mueras-  que refiere a este profundo homenaje que le han hecho en nuestro país a la tercera edad, lo cual no solo hizo bailar, sino hacer coros y unirse a una sola voz sobre estas incongruencias sociales que vivimos en común como paises hermanos, al generar esta empatia tanto musical como vivencial desde estos impulsivos pequeños hasta adultos mayores, gracias a esta entrega de esta agrupación chilena



De esta manera, Villa Cariño demostraron del porque son una de las bandas más prendidas en la actualidad y muy queridas en Chile.



"No hay que olvidar que la música latina es nuestro idioma que tenemos y a veces la queremos tan poco. Nosotros tenemos la suerte de estudiar en una escuela de música en donde  el director de la escuela era integrante de un grupo musical que para nosotros es un referente muy grande que se llama Inti Ilimani, entonces el compositor principal Horacio Salinas nos educó muy bien en el sentido de lo que significa la música latinoamericana, el valor que tiene y lo que permite, aprendimos ya en Chile por la influencia de nuestra gran Violeta Parra, nunca les dio miedo de conocer otras músicas de otros países de América Latina". 




"Pueden tomarse nuestras canciones que queremos que escuchen a la forma que quieran, que las analicen, como más leal al sentido de disfrutar, ya que para nosotros hacer música no es solamente para satisfacer el gusto propio, uno puede hacer música para sentirse en uno, no, la música tiene para nosotros que debe tener la capacidad, la sensibilidad, digo estamos en México, debe de palpar el contexto en el que estamos, lejos de nuestro Chile pero estamos tan cerca, porque no somos tan distintos queremos con esta cumbia alegre, proyectar esa alegría, tiene que ser una alegría".


De ahí que aun cuando empezaron bajo estas templancias de la cumbia villera, no hacen dejo de esta tradición del rock chileno, estos tientos de folclor y ahora con esta incursión en lo electrónico reflejo en su más reciente producción discográfica- Dormir-.


En cuanto a su cuarta producción discográfica -Dormir-. " Es un disco que habla más de este despertar, del poder sacarse de esas propias ataduras que se pone uno. No solo es sorprendernos y sorprender, era ya como abrir la mente, despertar y hacer conciencia de que somos habitantes de este gran continente, de un continente por completo pareciera que construye y se construyen cosas pero no para la tercera edad, no para los niños y de ahí viene ese álbum y claro no puedo decir para el mundo, pero me gusta hablar como lo que he dicho en todo el rato, que es la América Latina y para mí ojalá existiera de México al sur y, es ahí en donde apunta el despertar".


Al platicar que este disco surgió a partir de la última vez en que estuvieron en México, "en donde tuvimos la posibilidad de estar en Guadalajara en el Festival Rock por la vida, y todo partió en componer una canción que hicimos al conocer un grupo en Toluca, en donde uno de sus integrantes formaba parte de Sonido San Francisco, entonces hacen lo que en Chile casi nunca se hace mucho, ya que a partir de esta experiencia nos dijimos no podemos hacer el disco tradicional de cumbias y que podríamos haber hecho solo para Chile. Somos integrantes de esta gran tierra, de esta gran patria y entonces nos empezamos a llenar de todo eso electrónico de esas texturas que vendimos más acá".
  

Quienes compartieron el escenario con Los Masters Plus gracias a esta fusión de los ritmos populares mexicanos como la cumbia y el norteño, el hip-hop, rock y música electrónica que hizo que el público mayoritariamente joven que asistió a la Plaza Fundadores disfrutó de los éxitos, ya viralizados de este grupo que  ya es conocido de los potosinos.

Lucha Libros en el Siete Barrios




Este sábado 21 de octubre la Cervecería Siete Barrios  de cerveza artesanal (Callejón de San Francisco) presenta el evento “Lucha Libros ” con los académicos y escritores  Xalbador García, Anuar Jalife, Joserra Ortiz y Rodrigo Pámanes. En el evento los autores leerán textos de su autoría  he improvisarán a modo de lucha.

Los autores son:
Xalbador García (Cuernavaca, México, 1982): Doctor en Literatura Hispanoamericana por El Colegio de San Luis (Colsan). Es autor de Leopoldo María Panero o las máscaras del Tarot, Paredón Nocturn y La isla de Ulises. Actualmente realiza asesoría editorial para Tusquets Editores, del Grupo Planeta.

Anuar jalife Jacobo: Doctor en Literatura Hispanoamericana por El Colegio de San Luis (Colsan)Dirigió la revista literaria Los perros del alba. Colaboró en el libro Camera nocturna. Ensayos sobre Salvador Elizondo (2011).

Joserra Ortiz: Doctor en estudios hispánicos por Brown University,  lleva más de diez años diseñando y produciendo los encuentros Jornadas de detectives y astronautas, Es autor de Los días con Mona, 10 enseñanzas de Monterroso en Monterroso entre otros.

Rodrigo Pámanes (Torreón, Coahuila, 1979). Ha transitado entre la academia, el periodismo y la creación literaria  por varios años siendo en está última donde ha recalado.  Ha publicado crónicas de viaje, crítica gastronómica, columnas, cuentos, poemas y artículos académicos.  Sus libros más recientes son: Poemas para niños que se portan mal (2014) y Una semana en mi pueblo (2016).

La Orquesta Sinfónica de San Luis interpreta el Triple Concierto para violín, Cello y Piano Op. 56 de Ludwing van Beethoven,



Como parte de su temporada de conciertos Otoño- Invierno 2017, la Orquesta Sinfónica  de San Luis  bajo la dirección del Mtro. José Miramontes Zapata interpretan el Triple Concierto para violín, Cello y Piano Op. 56 de Ludwing van Beethoven, este domingo 21 de Octubre a las 12:30 horas en el Teatro de la Paz.


Para este concierto único se presenta este joven trío de jóvenes músicos rusos, integrado por Irina Frimann en el violín,  Sergey Suvorov en el Cello y Vladimir Petrov en el piano.


Correspondiente al segundo periodo creativo del Genio alemán de Bonn ( 1800- 1815), en su  Triple Concierto innova no solo en la elección de los instrumentos solistas, sino elevando a la orquesta a una categoría igual, es decir, a ser el compañero sinfónico de estos; ademas de alternar cada uno con la orquesta de formación solista, como par y como trío, mostrando en plenitud y equilibrio el colorido de cada solista a través de los tres movimientos que integran este claridoso concierto.


Irina Fremann es egresada del Conservatorio Estatal P.I. Tchaikovsky de Moscú, estudia la maestría en la Universidad de las Artes en Graz (Austria) y es solista de la Filarmónica de la Ciudad de Vladimir, Rusia. Ademas, ha obtenido premios en los principales concursos para violin en Moscú, Madrid y Viena, y se ha presentado con importantes orquestas en Alemania, Suiza, Holanda, España y Rusia.


El Cellista Sergey Suvorov se ha presentado como solista desde los 11 años. A los 15 años, se traslado a estudiar a Londres y desde 2005 a 2010 fue alumno destacado de la Escuela Superior de Musica de Essen, Alemania. Multigalardonado en concursos internacionales. Suvorov se presenta regularmente en las principales salas de concierto de Rusia, Austria, Alemania, Gran Bretaña, Polonia, Bulgaria, España, Luxemburgo, Serbia y Jordania. Desde el 2013 imparte Master Class en Oxford.


Por su parte, Vladimir Petrov, inicio sus estudios musicales en México a los 7 años. Se ha presentado con Orquestas Sinfonicas en la Ciudad de México, San Luis Potosí, Morelia, Aguascalientes, Moscú, Teatro Marinsky, y en la Salas de Concierto tan importantes como el Conservatorio de Moscú, Teatro Bolshoi, Alfred Cortot (París) y en la Gran Sala de la Administración Presidencial de Rusia, donde interpreto el Primer Concierto para Piano de Chopin, ante el presidente Vladimir Putin.


Además se ofrecerán las obras:  Obertura "Struense" de Giacomo Meyerbeer y "El funeral de Sigfrido" y la Obertura de la ópera "Rienzi" de Richard Wagner


Entrada general: $100.00 pesos y  boleto doble $150.00 pesos. 

Fue presentado el libro: Espacios culturales. Guardianes del patrimonio



En punto de las 19:00, fue  presentado en el Centro de las Artes, el libro antes citado. Ante la presencia del Secretario de Cultura, Armando Herrera Silva se presentó este ejemplar que  fue coordinado por la Dirección de Patrimonio Cultural de la Secretaría de Cultura. Los textos fueron preparados por: Jesús V. Villar Rubio, Ofelia Zacarías Díaz Infante y Enrique García Blanco, director general, directora e investigador del área de patrimonio cultural. La obra tiene como objetivo ponderar cada uno de los veintisiete espacios culturales que vertebra la secretaría en territorio potosino.



Dentro del texto la imagen tiene un papel importante; cada uno de los recintos culturales cuenta con una sucinta descripción de qué es y de qué fue el inmueble en su época. Destacan, museos, casas de cultura, bibliotecas, centros de formación artística y cultural, teatros y cinetecas. Hay espacios en donde se resalta su importancia arquitectónica, hay otros en donde el valor de sus acervos histórico- cultuales se ponen de manifiesto. 





A lo largo de 143 páginas se recorre el quehacer cultural del estado potosino, se estudian los primeros gabinetes de curiosidades posteriormente convertidos en museos y el esplendor de éstos.



Otro bloque lo constituyen los museos en sí, éstos custodian desde vasijas prehispánicas al arte contemporáneo. También, se examinan los “Centros de formación artística y cultural”, recintos como: bibliotecas, la cineteca Alameda y el teatro de la Paz se agrupan en un apartado denominado “Otros espacios culturales".



En el texto se consideran: el Museo Tamuantzán, el Centro Cultural de la Husteca Potosina y los Centros Culturales de Salinas, Real de Catorce y Venado, pues el objetivo es ponderar los espacios del interior del estado. Hacemos extensiva la invitación para que conozcan este libro, en las oficinas de la Secretaría de Cultura.

Buscan que el Xantolo se convierta en Patrimonio Cultural



La Secretaria de Cultura y Turismo se encuentran coordinando y trabajando con 9 municipios huastecos para hacer del Xantolo o Día de Todos Muertos, se ha considerado como “Patrimonio Cultural del Estado”, derivado que es una fiesta de origenes prehispánica.

La palabra Xantolo proviene de la frase latina Sanctorum, en Nahúatl significa fiesta de todos los santos, y se lleva a cabo el día primero y dos de Noviembre, donde las personas realizan altares construidos a base de varas de cocuite, cubiertos por limonaria, palmilla o estrillo, que son adornados por flores de cempasúchil, mejor conocida por los lugareños como flor de muerto derivado que crece en los panteones, además de su peculiar e inconfundible olor.

En estos días las personas suelen poner en los altares las fotografías de sus fieles difuntos, acompañados de platillos típicos como tamales, café, pan de caja, dulces artesanales y hasta mezcal, cosas que en vida le gustaban a su ser querido, ya que la creencia es que los dos primeros días de noviembre el alma de las personas resurge para visitar a los vivos y degusta la ofrenda que se les depositó en el altar.

Por otra parte, grupos de danzantes forman las muy tradicionales y significativas comparsas, destacando los personas del borracho, chamuco o diablo, la catrina, el abuelo, la prostituta, entre muchos más que que recorren las calles de los pueblitos y hacen concursos de baile en las plazas principales de esos municipios, forjando así más la tradición de la festividd de Xantolo, que atrae la atención de chicos y grandes.

Este año no sera a excepción y por eso los municipios de Axtla de Terrazas, Huehuetlán, Coxcatlán, Matlapa, San Martín Chalchicuautla, Tamazunchale, Tampacán, Tancanhuitz y Xilitla, se encuentran planeando con la Secretaria de Cultura y Turismo realizar una ruta del Xantolo y que se convierta en Patrimonio Cultural del Estado.

Refrenda Eugenia León su oficio de intérprete más allá de géneros y moda



Por María del Carmen Varela. Enviada

Despojada de etiquetas y convencida de que una canción es buena por su lírica más allá del estilo y género en el que se interprete, Eugenia León refrendó el eclecticismo de su repertorio, poniendo voz a temas de la autoría diversos compositores que han marcado su trayectoria, desde Consuelo Velázquez hasta Marcial Alejandro, e incluso Cri Cri.


Ritmos como el ranchero, el tango, el jazz, el mambo y hasta la polca se dejaron escuchar en la voz de la intérprete que, ataviada en rosa, subió al escenario, a un lado del Gran Museo del Mundo Maya, para interpretar pero también para compartir reflexiones de vida ligadas a personalidades de la cultura latinoamericana, desde José Martí hasta Rubén Blades.


En medio de una agradable noche, la intérprete de “El fandango aquí” arrancó la velada con “El corrido del Caballo Blanco”, de José Alfredo Jiménez, y a partir de entonces no hubo más hilo conductor que su voz y las emociones que despertó en su audiencia, conocedora de su trayectoria y del repertorio que a lo largo de los años la ha caracterizado.


“Se vive solamente una vez”, “Yo vengo a ofrecer mi corazón”, “Lo que construimos”, incluida ésta en su más reciente material discográfico; “Amorcito corazón” y “Capullito de alheli” fueron del agrado del público que obsequió a la intérprete con sentidos aplausos, durante el concierto de gala de la segunda jornada del FIC Maya 2017.


De pie, sentada sobre un banco o bailando al ritmo de las melodías, León se mostró de buen ánimo con su audiencia a la que dejó un momento a solas con la Orquesta Filarmónica del Caribe para disfrutar del “Huapango”, de José Pablo Moncayo, y la espléndida interpretación de los músicos comandados por Rodrigo Macías.



De vuelta a escena, la cantante, identificada en sus inicios con la trova, se mostró complaciente al cantarle “Las mañanitas” a Martha, una fanática del público, lo hizo primero a capela y luego con toda la orquesta.


“Luz a los poetas” y “No des un paso atrás” serenaron de nuevo la velada dedicada a grandes compositores, que transcurrió entre reflexiones poéticas y sentencias de vida, citas de reconocidos autores como el cubano José Martí, de quien recitó un fragmento de “La rosa blanca”.


Luego rendiría homenaje a otra emblemática cubana, la guarachera Celia Cruz, de quien interpretó “Tú voz”.


“Cachito mío”, “El Velorio”, de Chava Flores, y “El lugar donde viven los muertos” fueron el preámbulo para que el público se desbordara disfrutando con la interpretación de una sui generis versión de “La Paloma”, en la que León habla de lo grande que es México y de que, no obstante las adversidades, los mexicanos saldremos adelante.


Y tal como lo hiciera hace 32 años, la nota festiva la puso su interpretación de “El fandango aquí”, tema que fue punta de lanza en su internacionalización, cuando en 1985, a unos días del terremoto de 8.1 grados que devastó la capital mexicana, ganara con ese tema la edición Internacional del Festival OTI.


Eugenia intentó despedirse pero el público y su aplauso la hicieron volver para interpretar a capela un fragmento de “Luna”, para luego sorprender a la concurrencia con una versión muy suya de “El ratón vaquero”, con la que hizo mofa del presidente de Estados Unidos, Donald Trump , y sus ideas racistas y xenófobas en la frontera con México, llevándose un prolongado aplauso.


Antes, León se reunió unos minutos con la prensa, que le cuestionó sobre su evolución musical a lo que respondió: “Mi leyenda es que de tanto cambiar sigo siendo la misma”.
“Sigo siendo una intérprete, nada más; no soy bolerista ni ranchera ni jazzista ni popera, sino todo a la vez, porque en lo urbano cabe todo, y yo ya, afortunadamente, me he desprendido de las etiquetas, porque como intérprete, lo que me importa es lo que hago sentir a la gente, eso es lo que vale la pena”, aseguró.


Sobre qué representa para ella estar en FIC Maya, que se realiza del 19 de octubre al 5 de noviembre, se dijo honrada de ser parte de un festival que es “una urgencia, un grito a voces, una llamada de atención para que en otras entidades se den cuenta de lo que aporta un festival cultural”.


Porque la cultura, sostuvo, no es un lujo sino una inversión, pero no de las que dan por resultado más dinero, sino un país con una referencia educacional para los jóvenes, un espacio para recuperar el tejido social, la salud, la sensibilidad y la empatía.



“Un estado de conciencia sobre nosotros y nuestra comunidad, que nos enseña a volver a enamorarnos, concluyó León, quien se encuentra promoviendo su más reciente disco “Una rosa encendida”, tributo a jóvenes compositores latinoamericanos.

NTX/MCV

Madrigalistas de Bellas Artes cantan en Catedral a víctimas del sismo



Con la mejor de las voluntades, con la esperanza puesta en un mañana mejor para el país, y con las voces más hermosas que nunca, los integrantes del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes ofreció la noche del jueves un concierto único y extraordinario, dedicado a las víctimas del terremoto del 19 de septiembre en México.


La Catedral Metropolitana vibró de ilusión y confianza cuando el “Requiem Op. 9”, de Maurice Durufle, penetró en sus capillas y altares, mientras el público asistente, que se contó por cientos, todavía estremecido por la estela de dolor que dejó el sismo, vivió una experiencia musical que lo trasladó a otro plano, por la atmosfera que emana ese templo.


A un mes del terremoto, el Coro de Madrigalistas se hizo presente con la solidaridad que lo caracteriza. Bajo la dirección del maestro Carlos Aransay, y acompañado por Abraham Alvarado (órgano), la agrupación coral dio la mejor de sus interpretaciones a la que es la obra más famosa de Durufle, organista y compositor francés.


Es una pieza bellísima y muy importante por su cercanía con los organistas dedicados al servicio litúrgico. Por su hermosa sonoridad, ha trascendido ese ámbito para convertirse en una parte clave dentro del repertorio clásico. A pesar de ser una misa de difuntos, tiene un toque de esperanza. Es un Réquiem muy humano, carente de la idea de castigo divino.


El “Requiem Op. 9” se estrenó el 2 de noviembre de 1947, en Francia, y está basada en el canto gregoriano. Maurice Duruflé concebía esta obra como una reflexión sobre la forma mutable de la oración cristiana y la agonía del hombre que se enfrenta al misterio de su fin último, informó a Notimex el director Carlos Aransay, conocedor de la obra.


Comentó que en dicha pieza la parte del instrumento presenta una dificultad tremenda, es como una orquesta completa que se conjunta con unos solos de barítono y mezzosoprano que son verdaderamente impresionantes. Esta composición, bella y melódica, se presentó con toda su magia ante el público en un momento en el que se busca consuelo.


“Al ser un Réquiem conmovedor, con cantos de esperanza y momentos de lamentación, vamos a sentirlo de una manera diferente. Esa magia, ese milagro va ocurrir durante el concierto, ya que estamos rodeados de mucha tristeza”, anotó antes del recital, y agregó que la pieza ofrece un soplo de recogimiento. "Es ir más allá y trascender la vida diaria”.


Los asistentes abrieron su corazón y, en comunión, dejaron que sus almas se unieran. La primera parte del programa rescató obras que se relacionan con la muerte y la noche: “Circumdederunt me”, de Cristóbal de Morales; “Versa est in luctum”, de Alonso Lobo; “La nuit froide et sombre”, de Orlande de Lassus.


También, “Immortal Bach” (Komm Susser Tod), de Knut Nystedt; “Hymne à la nuit”, de Jean-Philippe Rameau; “Calme des nuits”, de Camille Saint-Saëns, y los nocturnos “Sa nuit d'ete”, “Soneto de la noche” y “Sure, on this shining night”, de Morten Lauridsen, para regocijo de la concurrencia.


La segunda parte fue dedicada a la luz y la vida, con las composiciones “O nata lux”, de Thomas Tallis; “Bon jour, mon coeur”, de Orlande de Lassus; “Lux aeterna” (Nimrod) de Edward Elgar; “Lux aeterna”, de Fernando Moruja; “Lux fulgebit”, de Íñigo Igualador, y “Xivarri” de Albert Alcaraz, así como “Canciones de las Américas”, de Sid Robinovitch.


El Coro de Madrigalistas de Bellas Artes fue fundado en 1938 por Luis Sandi. En sus casi 80 años de actividades sin interrupción, se ha dedicado a difundir su extenso repertorio, el cual abarca desde las primeras manifestaciones musicales en Occidente hasta muchas de las obras corales contemporáneas, de acuerdo con lo manifestado por Carlos Aransay.


Ha sido dirigido por Luis Sandi, Jesús Macías, Jorge Córdoba, Rufino Montero, Samuel Pascoe, James Demster, Horacio Franco, Jesús Carreño, Jorge Medina y Michael Form, entre otros. Aransay estudió en la Escuela Superior de Canto y en el Real Conservatorio, ambos en Madrid, y en el Royal College of Music de Londres, logrando gran academia.


En Viena siguió sus estudios de dirección de orquesta con Jacques Delacôte y a la fecha ha dirigido las orquestas nacionales de Perú, Cuba y Costa Rica, del Sodre de Uruguay, de la Radio de Pilsen, República Checa y la London Symphony, ente otras. Creador de instituciones, fundó en 2009 el London Lyric Chorus, y en 1995 el Coro “Cervantes”.


Tras el concierto de anoche, adelantó que el próximo domingo, 22 de octubre, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes el Coro de Madrigalistas ofrecerá un segundo concierto bajo su misma batuta. El concierto llevará por título “Nox & lux” (“Noche y luz”). Música para la Noche y el Día de muertos. “Será inolvidable”, prometió antes de despedirse.

NTX/JCC/RML