domingo, 31 de mayo de 2020

Convocatoria para músicos - Fiesta de la Música Virtual 2020 - Alianza Francesa de San Luis Potosí



¿QUÉ ES LA FIESTA DE LA MÚSICA?

La "Fête de la Musique" es un festival anual durante el cual se organizan conciertos gratuitos al aire libre el día 21 de junio, solsticio de verano.  Tiene su origen en Francia donde la primera Fiesta de la Música tuvo lugar en el año 1982, antes de volverse un evento internacional a partir de 1985.

La Fiesta de la Música es un evento sin ánimo lucrativo, que se celebra en las calles, las plazas, los parques públicos, etc., y en el que todos los músicos, aficionados o profesionales, son invitados a tocar voluntariamente y todas las interpretaciones son gratuitas para el público.

LA FIESTA DE LA MÚSICA EN MÉXICO

Desde sus inicios, hace 39 años, la Red de Alianzas Francesas de México participa activamente en la divulgación de la Fiesta de la Música en toda la República, organizando conciertos gratuitos, de artistas franceses y mexicanos, en colaboración con las instituciones culturales, espacios públicos y privados de cada localidad.

LA FIESTA DE LA MÚSICA 2020

Este año, debido a la contingencia sanitaria internacional, la Federación de las Alianzas Francesas de México organiza la 1era Fiesta de la Música Nacional Virtual que tendrá lugar en línea el domingo 21 de junio. Por primera vez, artistas locales tendrán la oportunidad de dar a conocer su creación musical a nivel nacional.

¿QUIERES FORMAR PARTE DE LA FIESTA DE LA MÚSICA 2020?
 
REQUISITOS, CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN Y SELECCIÓN 

1. Podrán participar grupos, bandas, compositores y músicos profesionales o aficionados de género musical pop, rock o pop-rock.
2. Podrán participar artistas originarios y/o residentes de la ciudad de San Luis Potosí o del Estado de San Luis Potosí.
3. Las composiciones deben ser propias o con cesión de derecho de autor firmado (obligatorio).
4. Los interesados deberán completar este formulario de inscripción en línea.
5. Fecha límite de inscripción: 07 de junio de 2020.
6. El artista o grupo seleccionado será dado a conocer a más tardar el 12 de junio, a través de nuestras redes sociales.
7. El artista o grupo seleccionado realizará una presentación de manera gratuita y sin fines de lucro. Esta presentación tomará forma de un vídeo de reciente grabación (2019/2020) de una duración máxima de 5 minutos. Contenido del vídeo: 1 presentación (opcional), 1 o 2 canciones / 1 medley / 1 extracto de un concierto grabado.
8.    El domingo 21 de junio de 2020, se presentará la programación nacional (5 minutos por artista) y se organizará una votación del público por las redes sociales para elegir al ganador de la Fiesta de la Música nacional 2020.

La Familia Burrón, a diez años de la muerte de Gabriel Vargas



Gabriel Vargas fue, sin duda, uno de los caricaturistas más importantes del país, autor de la historieta más trascendente de la cultura popular mexicana: La familia Burrón, que durante 61 años (de 1948 a 2009) nos trajo las aventuras, desgracias y vivencias de Doña Borola, Don Regino Burrón, sus hijos, vecinos y amigos; cada uno representante de algún arquetipo mexicano.

Este imprescindible retrato de nuestra sociedad dio cuerpo a los sueños, esperanzas y frustraciones de la clase media de la capital del país, la cual tenía una representación en los medios muy alejada de la realidad. Así, a través de divertidos dibujos, Gabriel Vargas plasmó su vida, sus costumbres y sus expresiones, abordó problemas políticos y sociales, se mantuvo al tanto de las luchas de clases, las transformaciones ideológicas y siempre supo insertar sutilmente la crítica al statu quo.

Reconocido por destacados escritores como Alfonso Reyes, Sergio Pitol y Carlos Monsiváis, sus historias y personajes ya forman parte de la educación sentimental y estética del país.

A diez años de su muerte, es posible descubrir su legado y explorar más a fondo el perfil de este gigante creativo.

La plataforma “Contigo en la Distancia” nos acerca una selección de su archivo fotográfico, cartas, postales y una muestra de arte de La Familia Burrón.

Por el canal de YouTube de TV UNAM es posible ver el documental Gabriel Vargas por La Familia Burrón, que contiene la última entrevista que dio, la cual se centra en su vida y detalles de su proceso creativo.

Además, la antología impresa de Editorial Porrúa se continúa editando, poniendo a disposición de las nuevas generaciones lo mejor de La Familia Burrón.

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Noam Chomsky y Pepe Mujica protagonizan un documental en el que reflexionan sobre la necesidad de “un radical cambio de rumbo global”


A diferencia de otras épocas, hoy tenemos la impresión de que el mundo gira a mayor velocidad. Cuando nos detenemos a pensar qué pasa en Chile, inmediatamente se desata un conflicto en Bolivia. Esto es apenas un ejemplo latinoamericano de cuán informados estamos y cómo esas noticias se apilan dificultando reflexionar acerca de lo que está sucediendo.

Por esos están los intelectuales, los sabios, las personas que se dedican a pensar críticamente sobre lo que vivimos. Dos de los más importantes de la actualidad son, sin lugar a dudas, Noam Chomsky y Pepe Mujica.

El intelectual más importante, el político más querido

Así lo pensó el cineasta mexicano Saúl Alvídrez, que se encontró con una particularidad: ambas personalidades nunca habían conversado. Por eso, decidió reunirlas durante un fin de semana para realizar un documental. La idea era sencilla: que dialoguen sobre la inquietante situación mundial actual. Así ocurrió y el rodaje llegó a su fin. El documental se titula Chomsky & Mujica pero aún no está terminado; falta la post-producción.

En Kickstarter, una plataforma web de micromecenazgo para proyectos creativos, se encuentra el adelanto del documental Chomsky & Mujica, un video de tres minutos y medio que muestra el tono, la estética y el hilo conductor del film. Allí los realizadores buscan financiar el tramo final del proyecto: necesitan recaudar 19.200 dólares. Pero aclaran que si llega a 30 mil dólares, “podremos post-producir y compartir para mayo 2020 muchos más temas importantes que abordaron juntos”; y si logran 38 mil dólares, se completarán los costos para la distribución del documental en festivales.

Chomsky y Mujica en Montevideo

Noam Chomsky es, según el diario The New York Times, “el intelectual vivo más importante hoy en día”. Conocido por sus novedosos aportes en la Lingüística, es un filósofo estadounidense y uno de los más icónicos activistas políticos de nuestros tiempos. Por su parte, José “Pepe” Mujica fue parte del movimiento Tupamaros en Uruguay que integró en los sesenta durante la dictadura uruguaya, pasó casi 15 años preso y llegó a ser Presidente de Uruguay entre 2010 y 2015.

Chomsky & Mujica, aseguran sus realizadores, “es la película del intelectual más importante de nuestros tiempos y el político más querido del mundo, Noam Chomsky y Pepe Mujica; un inédito encuentro lleno de sabiduría”.

Mi primer documental

El director se presenta en la plataforma del siguiente modo: “Mi nombre es Saúl Alvídrez, tengo 31 años y soy mexicano. En el año 2012, cuando tenía 24 años y estudiaba Derecho y Economía en el Tecnológico de Monterrey (ITESM CSF) en la Ciudad de México, fui el primer miembro del movimiento estudiantil #yoSoy132; pero mi activismo político fue suciamente neutralizado por el Centro de Inteligencia y Seguridad Nacional (CISEN) y los corporativos mediáticos más poderosos de mí país".

Y continúa: “Esa persecución y escándalos mediáticos fabricados cambiaron mi vida drásticamente, y por esa razón me auto-exilié junto con mi perro en países sudamericanos como Argentina, Bolivia, Colombia, Uruguay y Ecuador. Ahí tuve la suerte de estudiar muchísimo por varios años, y gracias especialmente a Noam y Pepe descubrí mi misión en la vida, que es amplificar la conversación pública y enfocarla a los problemas globales”.

Pepe Mujica

Un proyecto trabajado en cuatro países distintos durante cinco años. El conteo le da así: más de veinte vuelos, 600 correos electrónicos y cerca de mil horas de trabajo. “Estamos ya muy cerca de terminar la mejor película que podría haber imaginado”, asegura con convicción y ansiedad sobre Chomsky & Mujica, su primer documental.

A las generaciones más jóvenes

El encuentro se dio en Montevideo. Tanto el lingüista y filósofo estadounidense como el ex Presidente de Uruguay asistieron con sus esposas, Valeria y Lucía, y pasaron todo el fin de semana charlando mientras las cámaras los filmaban. Pese a sus edades —Chomsky tiene 90 años, y Mujica, 84—, el documental está pensado para los jóvenes. "Es un bello y urgente mensaje a la humanidad. Explora el amor, la vida, la libertad, el poder y los principales retos del siglo XXI junto con dos extraordinarios personajes que nunca antes habían cruzado sus caminos”, aseguran los realizadores.

Noam Chomsky (Shutterstock)

“Las generaciones más jóvenes han heredado el mayor peligro y responsabilidad de toda la historia humana. Hoy, el colapso ecológico, económico, político y social de nuestra insostenible civilización parece inminente. Por ello, los millennals y centennials deben lograr en las próximas décadas un radical cambio de rumbo global; pero, ¿cómo? Este proyecto busca responder esa pregunta, simplemente porque es la pregunta más importante que hay en este momento. Y para lograrlo era necesario reunir mucha sabiduría”, concluyen.

Sin dudas, cuando logren concluirlo y esté listo para ser compartido con el público, generará mucha repercusión. La necesidad de “un radical cambio de rumbo global” se palpa en las distintas movilizaciones que suceden en todo el planeta. Sin embargo, es importante reflexionar sobre todo lo que está pasando. Chomsky & Mujica parece ser el documental indicado para hacerlo.

Museo del Virreinato estrena podcast en el arranque de la nueva normalidad



La Secretaría de Cultura de San Luis Potosí invita al público en general al estreno del podcast «Nueva España en el siglo XXI» del Museo del Virreinato, que comenzará el 01 de junio, en el arranque de la nueva normalidad anunciada, únicamente, para el sector productivo. El público podrá disfrutar de una modalidad diferente a través de un programa especial sobre el virreinato de la Nueva España desde cualquier dispositivo digital.

Nueva España en el siglo XXI, de nombre homónimo al programa digital de dicho museo, será un podcast que será transmitido a través de las dos plataformas más importantes de podcast, Apple Podcast y Spotify, cada quince días, a partir del 01 de junio, con una duración de 30 minutos, cuyo contenido incluirá entrevistas, recomendaciones literarias, audiolibros y colaboraciones con otros museos nacionales y extranjeros.

El podcast es estrenado en el marco del nuevo plan digital del Museo del Virreinato para digitalizar sus contenidos, como parte de la estrategia cultural debido a la contingencia sanitaria del Coronavirus. Más información a través de la App de la Secretaría de Cultura o en las redes sociales del Museo del Virreinato de San Luis Potosí.

Hay que desafiar al miedo', la escritora Ángeles Mastretta reflexiona tras el confinamiento




Por: Virginia Bautista

"Hay que desafiar al miedo. No quiero temerle a los otros”, afirma tajante la escritora y periodista mexicana Ángeles Mastretta (1949) tras dos meses de estar confinada en su casa debido a la pandemia del covid-19.

"Al principio era como gozar de una pequeña vacación. Me repetía a mí misma ‘estamos bien, tenemos comida, no será para tanto’. Pero al segundo mes sentía que los demás se habían vuelto un riesgo, que la calle era peligrosa y abrir la puerta me daba miedo. Entonces, me propuse perder el miedo, porque estamos guardados para defensa nuestra, pero también para el bien de los demás”, agrega la novelista.

En su participación en el ciclo Autores en cuarentena, organizado por el festival literario Centroamérica Cuenta y editorial Planeta, la narradora de 70 años reflexionó sobre cómo está viviendo el encierro y el silencio, cómo está creando; pero también sobre el éxito de las mujeres gobernantes para enfrentar el virus, la relación México-Estados Unidos, la migración y la pobreza.

"Si sólo veo hacia adentro, mi encierro es precioso, tranquilo, creativo. Pero si miro hacia afuera es otra cosa”, advierte la también poeta, cuya vida ha sido marcada por dos pasiones: la literatura y el canto.

Adentro de mi casa estoy muy bien acompañada. Vivo con Héctor (Aguilar Camín), estamos contentos juntos, nos divertimos, conversamos mucho. Tenemos una mesa para dos; hacemos unos largos desayunos y unas comidas en las que a veces platicamos con amigos por Face o por Zoom. Yo bailo en las noches, leo mucho, escribo. Y la vida corre con bastante ligereza”, detalla.

Sin embargo, agrega la autora de La pájara pinta (1978), Arráncame la vida (1985) y Mujeres de ojos grandes (1990), su primer poemario, novela y libro de cuentos publicados, respectivamente, las noticias de afuera de México son terribles y contradictorias.

En la mayoría de los países fue así, menos en los muy organizados, como Islandia, Finlandia, Alemania, donde muy rápidamente las mujeres que los gobiernan pusieron orden, hicieron pruebas y aportaron la solución.

"Esta pandemia ha sido una prueba de la utilidad de las mujeres en el gobierno. Ha resultado extraordinario que de los 12 países que mejor han controlado la plaga, ocho estén gobernados por mujeres. Es para elogiarse”, destaca.

La cuentista no sabe con certeza por qué las gobernantes mujeres han sabido manejar mejor el virus. “Creo que hemos aprendido durante muchos años a ser aptas para todo. Las presidentas han sido muy racionales, muy cuidadosas. Hay en toda mujer una paciencia que permite ejercer el mando con una sutileza que no tiene el hombre. Tenemos más claro el dolor, más asumido como algo inevitable de la vida. Tal vez esto influya”.

Mastretta lamenta que “en nuestras naciones no pasó eso. Nos sigue faltando información y, además, no nos la creemos. México, por ejemplo, no ha hecho muchas pruebas y no sabemos quiénes están contagiados, por eso da miedo salir. Hay gente que todavía cree que el virus no existe, que lo están inventando.

A la clase media bien cuidada nos está yendo bien, pero a la gente que debe trabajar no. Las personas se están enfermando mucho más en el oriente de la ciudad, en las demarcaciones más pobres, porque usan el transporte público. Hay muchos más contagiados de los que hemos contado”, indica.

El siguiente miedo, por los empleos que se han perdido, será, una vez que dejemos de estar encerrados, a dónde irá la gente a trabajar”, señala.

UN MAL DE TODOS

La autora de Mal de amores, la primera mujer en recibir el Premio Rómulo Gallegos por esta novela, en 1997, critica la actitud que México ha tenido ante Estados Unidos.

Es lógico temerles. Sabemos la clase de bárbaros que son. Pero creo que nuestro gobierno los ha obedecido con demasiada paciencia en el trato con los migrantes.

"El detener a los centroamericanos es una vergüenza, una pena diaria. Todo lo que reclamábamos que hacía la migra con los mexicanos, ahora lo estamos haciendo nosotros. Los migrantes se están contagiando en nuestros campos, están abandonados”, considera.

Dice que a estas alturas de la pandemia ha quedado claro que “el mal no es una cosa que hicieron los chinos. Ya es nuestro también, ya es de todo el mundo. Se trata de aceptarlo y encontrar, mientras estemos guardados, la serenidad. Hay mucha gente muy afligida y nerviosa, no sólo quienes están corriendo el riesgo”.

Admite que otra cosa que la desafía “es la idea de que si todos nos miramos fijamente a los ojos, nos damos la mano, prometemos ser buenos, no volver a atacar a la naturaleza y no comer animales, todo volverá a ser mejor.

Creo que la naturaleza humana seguirá siendo igual. Yo, que soy una indecisa a la que se le dificulta escribir rápido, voy a seguir siendo esa. Sin duda, algo aprenderemos, por ejemplo, a convivir de otro modo. Cuando tengamos permiso de salir, deberemos ser diferentes. Los humanos hemos ido saliendo de nuestras plagas, lidiando con ellas con valor”, indica.

Mastretta adelanta lo que está escribiendo, debido a que el tiempo y la soledad la empezaron a cercar.

"Estoy encontrando una cosa que llamo la serpentina. Ahora está de moda la autoficción. Pero yo llevo publicados ocho libros que son autoficción. Es que se te atraviesan los recuerdos cuando estás solo. Es como jalar una serpentina”.

Patrimonio cultural está en riesgo sin el Fonden



Por: Leticia Sánchez Medel

De desaparecer el Fondo Nacional de Desastres Naturales (Fonden), como propone el presidente Andrés Manuel López Obrador, en caso de que en los próximos años sucediera algún terremoto no habría recursos para reconstruir el patrimonio monumental y arqueológico, incluidas iglesias, los museos y los vestigios de las culturas prehispánicas.

Una razón de peso es que el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y la Secretaría de Cultura (SC) no han renovado desde 2018 las pólizas de seguro contra terremotos, debido a que las primas se incrementaron de una forma desproporcionada tras los sismos de 2017.

Hace tres años, el INAH tenía un seguro por una prima de 143 mil millones de pesos, por daños ocasionados por sismos y otros fenómenos naturales. Pero una vez que se venció, se hizo una licitación, pero de acuerdo con Diego Prieto, director de la institución, en 2018 fue imposible firmar un contrato, ya que las pólizas resultaban estratosféricas. Las aseguradoras pedían un pago de 2 mil 950 millones de pesos para poder firmar (MILENIO 13/09/2020).

Por lo que tanto en 2019 como en 2020 solo se contrató un seguro parcial que no incluyó daños por sismos. Se acordó que, en caso de que se generara un desastre como los temblores de hace tres años, el Fonden sería la instancia que pagaría la reconstrucción de este patrimonio.

Bolfy Cottom, investigador y uno de los más reconocidos especialistas en legislación cultural, en entrevista con M2 sostiene que es lamentable que ni el INAH ni la SC defiendan lo que le corresponde.

“La extinción del Fonden sería un fuerte golpe para la recuperación de bienes inmuebles de carácter histórico o arqueológico. En 2018 el monto para restauración por parte del Fonden fue de alrededor de 4 mil millones de pesos. La pregunta es: ¿de dónde sacarán la SC, el INAH y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura esos recursos? Creo que es realmente demoledor el golpe que se le está dando a la cultura de este país al querer desaparecer al Fonden y otros fideicomisos. Lo que se vislumbra es un futuro desastroso para México”, señaló el investigador del INAH.

Y ADEMÁS 
FALTA A LA LEY DE OBRA PÚBLICA.

Si bien para el resto de los siniestros, el INAH sí cuenta con la póliza de seguro patrimonial, como explica la Dirección de Medios Medio del INAH, para Bolfy Cottom es muy grave que los monumentos arquitectónicos y arqueológicos no estén asegurados contra sismos, ya que se está cometiendo una grave falta a la ley de obra pública.

El investigador afirma que la política de AMLO contradice el Plan Nacional de Desarrollo y el propio Programa Nacional de Cultura, al debilitar a las instituciones culturales y científicas.

sábado, 30 de mayo de 2020

Dúo Aust ofrecerá concierto on line



"Separados y aún así, unidos, es el título, que el Dúo Aust dedica su concierto a todo el público musical de México, Centroamérica y el mundo que por el momento no puede aceder a una sala de conciertos. La transmisión en vivo será este 31 de mayo a las 12:00 horas, por Facebook Live de el Canal del Goethe-Institut Mexiko.

El Dúo y la Secretaria de Cultura de Düsseldorf, elegieron el Palais Wittgenstein en Alemania para este nuevo tipo de concierto. Un programa que expresa la simpatía y cercanía de los artistas con la música de Centroamérica. Presentando el trabajo de compositores alemanes y  centroamericanos. 

Los hermanos Bettina y Robert Aust se han convertido en uno de los principales conjuntos alemanes de clarinete y piano en los últimos años. En 2017 y 2019 el dúo se presentó en numerosos países de América Central, realizó conciertos de cámara y de solistas con músicos y orquestas locales e impartió talleres en escuelas de música y universidades de música. Bettina y Robert Aust nacieron en Düsseldorf y han ganado varios premios en concursos nacionales e internacionales.
 
El programa del concierto incluye obras de Johannes Brahms, Clara Schumann, Robert Schumann, como el estreno mundial de la furiosa obra "Buláwa" del músico costarricense Manuel Matarrita (*1972), a quien el dúo pudo conocer personalmente el año pasado en Costa Rica. Su obra fue inspirada por los sonidos folclóricos que existen en su país natal pero también en El Salvador y Nicaragua.

La "Canción de Cuna", una canción de cuna del compositor guatemalteco Joaquín Orellana (*1930), no sólo llegará al corazón del público, sino también al de los músicos.

Con un corto Intermezzo del compositor mexicano Manuel Ponce (1882-1948),  Robert nos permite echar una pequeña mirada a las grandes composiciones románticas mexicanas, las cuales desgraciadamente en Alemania aún son poco conocidos.

Teatro y danza este fin de semana en Vivo el Arte, acciones escénicas desde casa



La Secretaría de Cultura de San Luis Potosí invita al público en general a las presentaciones virtuales de teatro y danza de VivoElArte, Acciones Escénicas desde Casa, que presentan el Centro de las Artes de San Luis Potosí, a través del Teatro Polivalente, y la iniciativa Vivo El Arte, para este fin de semana en donde el público podrá disfrutar desde su casa y a través de www.teatropolivalenteceart.mx, de distintas propuestas escénicas de compañías nacionales, con la intención de dar continuidad a la programación de divulgación teatral de la institución, y apoyar con ello tanto a la comunidad artística, como a la sociedad que gusta de esta disciplina.

Las funciones virtuales inician este sábado a las 19:00 horas, con “Café DesKfeinado (más allá del insomnio)”, obra teatral con el texto y dirección de Antón Araiza, de la compañía A.A Teatro (Ciudad de México), que presenta tres monólogos: Aroma a suspiro, Sabor subconsciente y Café americano, en los que distintos personajes muestaran un fragmento de aquélla que pudo ser la conversación que marcó sus vidas. Tres personajes que han vivido temerosos ante la posibilidad de volver a amar, de aceptar que pudieron haberse equivocado y recapacitar. Seres que quizá se queden esperando a que su vida de un giro sin hacer algo para provocarlo. Esa sería la diferencia entre vivir y no vivir, entre amar o no, entre tomar café americano o tomarlo descafeinado. La diferencia puede estar en tomar el teléfono y llamarle a esa persona que extrañamos para decirle: ¿podemos vernos para tomarnos un café? Más allá del insomnio… ¿Por qué tomamos CAFÉ descafeinado? La vida debería tomarse como el café: hirviendo.



Posteriormente el domingo 31 de mayo, a las 13:00 horas, se presenta “Había una vez unoS cuerpoS, historias cortas de cuerpos danzando en épocas de cuarentena”, pieza dancística de la autoría y dirección: Andrea Catania y Jaciel Neri, de la Compañía Moving Borders (Costa Rica – México). La realidad no es la misma para todos. Andrea y Jaciel radican en diferentes contextos y geografías, juntos dialogan sus historias en épocas de cuarentena. El humor e ironías de sus vidas se hacen presentes en estas acciones lúdicas que muestran las perspectivas de creación de ambos coreógrafos.




El mismo domingo 31, pero a las 15:00 horas, la compañía Teatro Bárbaro (Chihuahua, México),  presenta “Arrullos para Benjamín”, de Hasam Díaz, con la dirección de Rogelio Quintana. En la obra Hugo y Benjamín son dos hermanos habitando dos mundos en medio del bosque: el real donde como compañeros de viaje, rivalizan, pelean, juegan, se enojan y comparten un rústico y solitario universo. Y el imaginario que a través de historias fantásticas contadas por Hugo a Benjamín sueña con alcanzar su más anhelado deseo: conocer a su papá. Una confesión de Hugo se fundirá en las alas gigantes de una mariposa morada que hará que sus sueños vuelen muy alto.... Pero a veces las mariposas pueden desaparecer.

Cabe recordar que VivoElArte, Acciones Escénicas desde Casa, es una iniciativa civil sin fines de lucro conformada por creadores, gestores y agentes de diversas profesiones y latitudes cuyo objetivo es promover y difundir el arte y la cultura, así como a los creadores escénicos a través de las plataformas digitales en las que se desarrollarán proyectos específicos y únicos; asimismo se busca incentivar, la generosidad, sensibilidad y apoyo de los ciudadanos hacia las actividades artísticas y generar así una fuente de ingresos para los creadores en estos difíciles momentos por los que atraviesa no sólo nuestro país, sino el mundo en general.

El portal a través del cual se puede tener acceso a las acciones escénicas es www.teatropolivalenteceart.mx, donde el público asistente podrá adquirir sus entradas a través del sistema de venta en línea, el cual cuenta con el modelo de pago seguro; al momento de la compra el sistema enviará el boleto digital a su correo electrónico en el que indica el día, hora e información de la acción escénica, así como su clave de acceso. Las acciones escénicas sólo estarán disponibles desde la hora anunciada de su inicio hasta la finalización de éste, posteriormente el material será retirado de la red. 

Cabe señalar que todos los horarios son considerando el horario del centro de México. La programación completa se encuentra disponible a través de la página web y redes sociales oficiales Teatro Polivalente y el Centro de las Artes de San Luis Potosí También se puede contactar al correo electrónico teatro@teatropolivalenteceart.mx para mayor información.

Compañía de danza Artefactia cumple 30 años de trayectoria como agrupación independiente



La compañía Artefactia surgió en febrero de 1990, “gracias a la feliz idea” de un conjunto de jóvenes, quienes al no poder cumplir su sueño de ser bailarines en un grupo oficial de Guadalajara, decidieron crear una agrupación independiente, afirma el director, fundador, coreógrafo y bailarín José Antonio González Juárez en entrevista.  

Desde sus inicios, empezaron a constituirse como compañía autónoma, de las primeras en Jalisco, debido al soporte de compañeros, alumnos y allegados, quienes ofrecieron espacios y hasta vestuario para iniciar con las funciones..

Para llegar a la consolidación y reconocimiento que sustentan actualmente, González narra que transitaron por muchas etapas, todas de aprendizajes importantes y trascendentales, en las cuales cambiaron el título de la compañía en cada ciclo.

“Inicialmente nos llamamos, muy pretenciosamente para mi gusto, Neodanza Ballet Teatro Independiente. Queríamos reunir ciertas características en la propuesta y aspirábamos a que el nombre las cobijara, pero honestamente siento que en aquel entonces nos quedó grande el nombre, sin embargo seguimos trabajando”, recalca el entrevistado.

En un segundo periodo, se llamaron Arcanum, lo cual significa secreto o misterio en latín; aquello que solamente se revela a ciertos elegidos, “estábamos en una etapa muy mística, pero también tuvo sus resultados y sus productos”.

Posteriormente, surgió La Líbido; en esa fase, la compañía, conformada por 30 integrantes, lamentablemente tuvo un accidente automovilístico que derivó en pérdidas irreparables. Esta etapa, comenta el entrevistado, fue difícil de superar; no obstante, su ímpetu los condujo al siguiente ciclo: Naíf (nombre que se refiere a la espontaneidad y al autodidactismo de los artistas) donde construyeron una propuesta escénica basada en la exploración. Después, cambiaron el nombre a Quebranto, cuyo enfoque era abordar las fracturas que presentan como creadores contemporáneos.

Finalmente, en 2011, se constituyen como Artefactia, nombre actual y con el cual les interesa construir un discurso estético “basado en nuestra realidad corporal, en nuestra realidad social, en nuestro momento histórico y con ello pretendemos ser únicos e irrepetibles. Creo que somos muy ambiciosos, pero por eso trabajamos muy duro”.

En esta última etapa crearon 15 producciones con ballets de autoría propia, además de coreografías y programas con coreografías pequeñas que circulan sobre todo en el medio local y algunos proyectos con música rock pop, y con cómplices nacionales e internacionales como La Galería de los espejos y Electrónicos.

Han presentado propuestas en grandes festivales, como Danza para todos, Festival Cultural de las Fiestas de Octubre, Festival Internacional de Danza Contemporánea Onésimo González, por mencionar solo algunos.

En cuanto las circunstancias lo permitan, afirma González, planean presentar una retrospectiva de lo mejor de Artefactia, así como el estreno de Emotion con música de música de DJ.

Por lo pronto, continuarán en una investigación constante, porque la danza, en su carácter de efímera, es algo nunca acabado y los hallazgos son transitorios, “así que con esa visión no bajaremos la guardia, la búsqueda no terminará, pienso que cualquier compañía, grupo o artista que termine su búsqueda, ya está listo para retirarse”, concluye el director de Artefactia.

La importancia de conservar la memoria visual


Por: Víctor Jesús González

El maestro en Ciencias y Artes de la Imagen, Fernando Osorio Alarcón, desde las redes sociales del Museo Archivo de la Fotografía (MAF), impartió una conferencia digital para hablar de la importancia que tiene la conservación fotográfica y la memoria visual de una nación.

“Quiero empezar esta conversación haciendo referencia a lo que sobre el tema mencionó el filósofo francés Jacques Derrida; la conservación, consciente y objetiva de la memoria, es un acto intrínsecamente político, motivado por valores concretos”.

El especialista, con estudios en el Instituto Tecnológico de Rochester en Nueva York, precisó que en el libro Mal de archivo: una impresión freudiana, Jacques Derrida plantea que solamente la conservación va a poder beneficiar a la sociedad siempre y cuando la memoria esté bien conservada.

“La conservación, ya sea de bienes materiales o bienes inmateriales, la hacen las personas, no existen máquinas que sustituyan esta compleja labor humana; en el caso de la fotografía, es necesario contar con especialistas entrenados en conservación de la memoria visual y con perfil multidisciplinario”.

Osorio Alarcón añadió que las personas dedicadas a este trabajo, además de estar obligadas a conocer cuál es la naturaleza del objeto que resguardan, es necesario que tengan referencia del contexto sociocultural en que se generan los materiales, para poder diseñar estrategias adecuadas.

Para finalizar, puntualizó a los internautas que los escucharon que la conservación de la fotografía no debe tener una estrategia improvisada, al contrario “se debe reflexionar y usar los conocimientos pertinentes, porque, al final, estos materiales forman parte de la memoria histórica de un país”.

NTX/VJG/AFG

No hay manera de digitalizar el arte escénico: artistas independientes


Por: Ricardo Quiroga

Desde distintas latitudes, las medidas de aislamiento han afectado de maneras emocionales similares a los artistas escénicos, puesto que todos ven en lo colectivo, el contacto y lo corpóreo la esencia irrefutable de su trabajo y asimilan este periodo de confinamiento, y con él la traslación de la oferta artística al streaming, como una relegación del quehacer que es escénico por antonomasia o un paliativo que no tiene manera de imponerse sobre este tipo de creación.

Acerca de esto, la precariedad de los artistas independientes puesta en evidencia por la pandemia del coronavirus y la oportunidad de repensar la disciplina de cara a una posible nueva realidad, conversaron seis creadores escénicos desde España, Alemania, Suiza, República Checa, Chile y nuestro país, en la mesa de diálogo “Los efectos de la pandemia por Covid-19 en la vida de los artistas escénicos en México y en el mundo”, que la mañana de este miércoles 27 de mayo moderó Evoé Sotelo, directora de Danza UNAM, en el marco del Festival de Arte y Ciencia El Aleph, que esta semana se viene realizando a través de las distintas plataformas digitales de la máxima casa de estudios.

“Los artistas independientes que vivimos mes a mes, que no tenemos una ayuda continua del Estado y giramos medianamente poco, estamos acostumbrados a la precariedad, siempre en la cuerda floja. Cuando ocurrió que se rompió la cuerda, no lo podíamos creer. Es una experiencia nueva. Y no podemos hacer nada porque esta situación no te deja trabajar en nada más. No hay manera de dedicarte a otra cosa, no hay manera de que ingrese otro dinero para pagar la renta y para comer. Tengo una pieza que estrenar en otoño, pero me han dicho que piense en un plan B online, porque es probable que en otoño todavía no se pueda ir al teatro. Pero el fundamento de mi trabajo es lo vivo. Trabajo mucho en estar juntos y cómo estar juntos. De repente todo eso es imposible y se te caen todos esos cimientos”, refirió el escritor y creador escénico español Juan Domínguez, desde Berlín.

Para el director artístico, coreógrafo y bailarín suizo, Gilles Jobin, que los tiempos de la mitigación del contagio sean condicionados prácticamente por el día a día complica la planeación de proyectos escénicos en este momento para los creadores. Lo virtual, dijo, si bien es un espacio que se abre para que el gremio pueda seguir produciendo, no es una solución.

El regreso a los teatros, por lo menos este año, con los condicionamientos de sanidad y distanciamiento social, no ofrecerán condiciones propicias para la ejecución de piezas que requieren de aproximación y expresividad escénica de sus participantes, puesto que todo ello, evaluó la directora de Danza UNAM, imposibilitará el estreno o reposición de la gran mayoría de obras.

Por su parte, la intérprete mexicana y promotora cultural Isabel Aguerrebere, hizo referencia del programa Contigo en la distancia, implementado por la Secretaría de Cultura federal de México, a manera de atención para el resguardo de la población y que convocó a artistas de distintas disciplinas para aportar sus propuestas vía internet.

“Se abrió ampliamente para artistas escénicos. Daban un apoyo económico casi inmediato. Eso nunca se había visto, que el dinero entrara muy pronto. Yo aún sin trabajo, viviendo de los ahorros de festivales previos, vi esta convocatoria y no me hizo ningún sentido ni siquiera intentar hacer algo escénico, dancístico, digital. Ni aunque me digan que me van a pagar tanto mañana, no me interesa gastar mi energía, mi tiempo y mi creatividad en digitalizar el arte escénico. Para mí no hace ningún sentido, se pierde la esencia, que es lo humano, el estar cerca, frente a frente. Lo digital no es para mí una solución o una estrategia postpandemia. No puede ir por ahí porque la naturaleza de nuestro arte es el contacto. Será otra cosa, pero artes escénico no sería”, dijo.

A partir de ello, Gilles Jobin opinó que este impasse debe usarse para la investigación, más que para la ejecución en escena en condiciones limitadas. Razonó que sí habrá espacios alternativos requeridos por consumidores de ofertas alternativas, y se generarán para ellos, pero no serán viables para aquellos que, en el caso de los conversadores, ponen el cuerpo como herramienta de trabajo.

“El conflicto que asocio a lo que está sucediendo ahora, con la Covid-19, es que uno se cuestiona para qué sirve lo que hace (…) es un momento de reinventarnos, repensarnos y, sobre todo, de poner en contexto lo que hacemos, porque existe la sensación de que mucho de lo que se hace desde nuestro oficio es endogámico, que se hace para los otros artistas”, aportó la coreógrafa chilena Rocío Rivera Marchevsky, fundadora de la compañía Mundo Moebio.

viernes, 29 de mayo de 2020

Cineteca Alameda transmitirá película tének dentro del programa federal Contigo en la distancia



La Cineteca Alameda de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, invita al público a la transmisión en vivo mediante Facebook Live, de la primera película hablada en tének del director de cine mexicano Antonino Isordia Llamazares. “At’Anii’ (Tu amante) en lengua tének.

La película fue estrenada el año pasado, es una producción mexicana que ha tenido buenos comentarios dentro de la crítica de cine a nivel nacional. Con la transmisión en vivo, la Cineteca Alameda de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí se une a la serie de actividades del programa federal “Contigo en la distancia”, de la Secretaría de Cultura Federal.

Es una producción de Mozaico Media grabada en lengua tének, una lengua que ha sobrevivido en la huasteca potosina desde antes de la llegada de los españoles, y es una de las lenguas más importantes del pueblo huasteco junto al náhuatl –que también se habla en algunos municipios-. El rodaje, se realizó en el municipio de Tancanhuitz de Santos.

En Tancanhuitz, se encuentra el Centro Ceremonial de Tamaletom, y desde antes de la conquista se practica la “Danza del Gavilán”, uno de los rituales más importantes para el pueblo huasteco. El pago de la licencia de exhibición, permitirá beneficiar a la población indígena de Tancanhuitz; esto es uno de los objetivos por los que fue producida la película.

Antonino Isordia Llamazares nació en la Ciudad de México, pero creció en Xilitla en la sierra huasteca. Egresó del Centro de Capacitación Cinematográfica, A.C. y dirigió los largometrajes documentales “1973” y “Los Niños Devoran Lobos”, recibió el premio JVC en el XX Festival Internacional de Cine en Guadalajara, ganó la Diosa de Plata Francisco Pina en 2007 y ha sido nominado al Ariel en dos ocasiones.

La película lanzada al mercado cinematográfico en 2019, es un esfuerzo por mostrar lo que están haciendo los directores de cine mexicano jóvenes en las comunidades, y además, de mostrarle al público mexicano una producción huasteca grabada en San Luis, y donde resalta la belleza de una de las lenguas indígenas con más hablantes en México como el tének.

La transmisión en vivo será este viernes 29 de mayo a las 20:00 horas, con el afán de que mexicanas y mexicanos puedan ver cine de calidad mediante la cuenta de Facebook de Cineteca Alameda. La Cineteca, se decidió por este largometraje de 84 minutos, para mostrar algo muy representativo de San Luis y que cuenta con calidad.

Esta semana, la Cineteca Alameda ha logrado hacer recomendaciones de cine a sus seguidores y seguidoras en redes sociales durante nueve semanas con el proyecto #LaCinetecaEnCasa, esta es la primera transmisión en vivo que realiza la institución mediante Facebook Live; con el interés de acercar el cine de calidad a las personas que se encuentran en casa a consecuencia de la pandemia de Covid-19.

“Filos” abre el telón virtual de Vivo el arte, acciones escénicas desde casa



Este viernes dará inicio VivoElArte, Acciones Escénicas desde Casa, actividad promovida por el Centro de las Artes de San Luis Potosí, a través del Teatro Polivalente, y la iniciativa Vivo El Arte, que busca promover el hábito de dedicar un espacio, tiempo y fecha específica para disfrutar de un espectáculo escénico. En esta ocasión las acciones escénicas serán transmitidas a través de una plataforma virtual, que permitirá a este espacio cultural, dar continuidad a su ejercicio de programación artística poniendo a disposición las herramientas e infraestructura digital que ha desarrollado y con la que cuenta para la presentación de estas acciones escénicas.

Procedente del estado de Chihuahua, la Compañía Teatro Bárbaro será la encargada de abrir el telón virtual con la presentación, este viernes 29 de mayo a las 20:00 h., de la obra de teatro “Filos”, de Pilo Galindo, con la dirección de Luis Bizarro, y la participación en escena de Magnum García, Rogelio Quintana, Rosa Peña y Yaundé Santana; una comedia para adolescentes y personas adultas, con una duración de 70 minutos.

En esta obra, Lenin simula estar al filo de la muerte. Cuando una persona está al límite se vuelve más lúcido, el pensamiento se aclara y se tiene una visión panorámica de toda la vida. Benito intenta disuadirlo y lo encamina al filo del amor. Se debe ser valiente, ser audaz y arrojarse a la posibilidad maldita de ser feliz, al menos una vez en la vida. Irene le provoca el sentir que vale la pena correr riesgos y le ayuda a que se sienta una persona normal. El amor tiene dos filos uno de ellos, corta, hiere, lastima; ¿el otro? ¡Te salva! El amor no da miedo, da miedo la estupidez, el amor no te vuelve propiedad de nadie, ni te hace propietario de una persona.

VivoElArte, Acciones Escénicas desde Casa, es una iniciativa civil sin fines de lucro conformada por personas creadoras, gestoras y agentes de diversas profesiones y latitudes cuyo objetivo es promover y difundir el arte y la cultura, así como a las creadoras y creadores escénicos a través de las plataformas digitales en las que se desarrollarán proyectos específicos y únicos; asimismo se busca incentivar, la generosidad, sensibilidad y apoyo de la ciudadanía hacia las actividades artísticas y generar así una fuente de ingresos para las personas creadoras en estos difíciles momentos por los que atraviesa no sólo nuestro país, sino el mundo en general.

El portal a través del cual se podrá tener acceso a las acciones escénicas es www.teatropolivalenteceart.mx, donde el público asistente podrá adquirir sus entradas a través del sistema de venta en línea, el cual cuenta con el modelo de pago seguro; al momento de la compra el sistema enviará el boleto digital a su correo electrónico en el que indica el día, hora e información de la acción escénica, así como su clave de acceso.

Las acciones escénicas sólo estarán disponibles desde la hora anunciada de su inicio hasta la finalización de éste, posteriormente el material será retirado de la red. No se presentará el material más de una ocasión, y éste no estará disponible en ningún otro sitio posterior a su presentación. El público que desee apoyar adicionalmente a la compañía que presenta la acción escénica podrá hacerlo adquiriendo un mayor número de boletos; es decir el equivalente al apoyo otorgado, mismo que podrá adquirirse en una sola transacción.

Cabe señalar que todos los horarios son considerando el horario del centro de México. La programación completa se encuentra disponible a través de la página web y redes sociales oficiales Teatro Polivalente y el Centro de las Artes de San Luis Potosí También se puede contactar al correo electrónico teatro@teatropolivalenteceart.mx para mayor información.

Antes del alba, 73 años del primer ballet cubano



Por: Yorgenis Duanis Pombert

El ballet Antes del alba, la primera creación de danza escénica de Cuba, arriba este 27 de mayo a sus 73 años.

La pieza, protagonizada por Alicia Alonso, con música de Hilario González y coreografía y dirección de Alberto Alonso, utilizó un lenguaje cubano, desde el cual proyectó una temática social con una significativa incorporación de elementos del folclor africano.

Antes del alba fue estrenado por el Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical, en el Teatro Auditorium y contó con los diseños escenográficos y de vestuario del pintor Carlos Enríquez.

La obra centra su argumento en la desesperanza de Chela, una joven viuda, delicadamente enferma, que se siente atraída por la algarabía de la casa de vecindad en que vive.

El desasosiego y el velo negro que rodean su vida, sumadas a los delirios causados por la fiebre, llevan al personaje a poner fin a su vida.

Alberto Alonso, Alicia Alonso y Fernando Alonso. 

Según Pedro Simón Rodríguez, director del Museo Nacional de la Danza, “(…) es una obra muy significativa para la danza en este país, incorporó elementos de las raíces africanas y existen teorías de que el título se refiere a lo que sucedía antes del triunfo de la Revolución, la cual traería el alba, la transformación (…)”.

De varias formas se ha recordado la trascendencia de esta pieza danzaria. En 2017 la prima ballerina assoluta Alicia Alonso inauguró en La Habana la exposición Antes del alba, coincidiendo con el aniversario 70 de su estreno. En el propio año y para recordar la misma efeméride Correos de Cuba puso en circulación una emisión postal conmemorativa que contaba de seis estampillas y una hoja souvenir.

La impresión se realizó en papel cromo por el sistema OFF-SET, en formato vertical con las medidas 31 por 48 milímetros y perforación 12.5.

Pero, aunque el intento de Alberto Alonso de hacer el primer ballet eminentemente cubano no fue acreedor de una crítica ensalzadora y del todo favorable, Antes del alba (en la que intervinieron los tres Alonso), marcó un hito en la historia de ese arte en Cuba al mezclar la danza de escuela con el folclore popular.

El regreso a los teatros está lleno de incertidumbre y dudas: productores


Por Carlos Paul

La entrada a la  nueva normalidad en el contexto de la contingencia sanitaria será por un lado compleja y con mucha incertidumbre, y por otro una oportunidad creativa para incursionar de manera profesional en el uso de las tecnologías digitales, explican productores teatrales consultados por La Jornada.

Para Samuel Sosa, miembro del Colegio de Productores de Teatro de la Ciudad de México, integrante de la Red de Espacios Culturales Independientes Organizados y director de gestión de proyectos de Shakespeare & Compañía, es una situación muy compleja, pues los creadores escénicos  no tenemos todavía muy claras las reglas del juego o de lo que se espera como nueva normalidad.

Estamos en fase exploratoria, por decirlo de alguna manera, explicó el gestor cultural. “Todos estamos haciendo conjeturas, hay mucha incertidumbre en el aire. Sin embargo, se puede hablar de dos escenarios: uno, que ésta sea una fase transitoria y que la nueva normalidad sea posible hasta pasados algunos meses, y el regreso a las salas, aunque sea escalonado, sea posible.

La otra es que el regreso a las salas no ocurra, pues existe la incertidumbre de los rebrotes, es decir, que podamos salir unas tres semanas y dar funciones (con las debidas precauciones sanitarias), y que de pronto haya otra vez que regresar al confinamiento.

Una de las principales cuestiones, reiteró Sosa, es que para los creadores escénicos no están claros los protocolos de sanidad ni la viabilidad financiera de los proyectos: con un aforo de asistencia limitado habrá merma en los ingresos, y eso en el caso de no tener que regresar al confinamiento.

Para Boris Schoemann, con 20 años como director artístico de La Capilla, foro por el que transitan al año unos 100 grupos o compañías, ahí están los programas de Efiteatro, México en Escena y las coproducciones, el problema es que no tenemos infraestructura; eso es para mí lo que está mucho más amenazado.

En este periodo de crisis  se reduce la producción creativa y se trabaja con lo que ya se tiene producido. Es lo que algunos hemos hecho, al presentar en línea obras de nuestro repertorio. Nosotros lo seguiremos haciendo durante junio y julio, en alianza con otros espacios.

Comentó que es más preocupante no tener dinero para pagar sueldos que no tenerlo para producir. De ahí que en lugar de producir una obra con cinco actores, voy a producir un monólogo. Todos estamos pensando en producciones más pequeñas.

Para la comunidad teatral, a partir de la contingencia sanitaria las tecnologías digitales han sido una alternativa. Sosa considera que la creación de contenidos profesionales digitales permite cierta libertad. No tengo que estar esperando permisos o las llamadas disposiciones generales, explicó.

Hoy hay mucho más certidumbre en el ámbito de lo virtual, destacó, ya que vamos a estar un buen tiempo sin teatros, por más que abran sus puertas, pues creo que el público no va a regresar de manera inmediata.

La creatividad no es la que está en crisis, sino las estructuras y la economía teatral, coinciden Schoemann y Sosa, quienes explicaron por separado que al principio de la emergencia sanitaria  hubo una racha desbordada de gratuidad de propuestas artísticas en línea, que funcionó de acompañamiento durante ese periodo y que como experimento fue muy bueno, pero en el punto en que hoy nos encontramos hay que pensar en el trabajo con miras a obtener resultados artísticos mínimamente rentables.

Estamos usando cada vez más las plataformas digitales, porque se ve que la situación va para largo, apuntó Schoemann. Cuando pensamos cómo será la creación, pensando en la sana distancia, podríamos decir que al poco público lo podemos sentar separados, pero, ¿tenemos que pensar en actores con tapabocas en el escenario o hacinados en el camerino? ¿Tendremos que programar sólo monólogos? Agregó que las tecnologías digitales son un terreno desconocido, pero muy atrayente.

Para Schoemann,  es una forma que te mantiene en comunicación con tu público, crea igual un nuevo público. Claro que no es teatro, pero algo de comunicación artística se entabla y pienso que sigue siendo un hecho artístico.

Todos al principio, coincidió,  nos volcamos a liberar obra, pero creo que ya tenemos que cerrar un poco eso y buscar cierta rentabilidad. Explicó que hay un estudio de la Unesco o de la ONU que dice que es peligroso liberar tanto material cultural de manera gratuita porque hace entender que la cultura es gratis. Y no: producir y hacer cultura cuesta mucho. Por todo ello, concluyó,  no sé qué tanto va a cambiar la forma de producción teatral, pero algo va a cambiar, pues ahorita no es viable una obra con 10 actores o con contacto físico. Hay algunas cosas que estamos pensando por primera vez.

Solidaridad y fragilidad económica de la comunidad artística se manifiestan con el COVID-19, afirman


La pandemia del COVID-19 ha despertado la solidaridad entre los artistas y también ha dejado ver la fragilidad económica de diversos sectores de la comunidad artística, coincidieron anoche el artista y promotor cultural Jaime Sierra y el escritor y catedrático Pedro de Isla en el programa Diálogos con los Creadores, que trasmitió CONARTE a través de Facebook Live.

“Ha sucedido algo que para mí ha sido revelador. Ha habido mucha solidaridad entre los gremios artísticos, los teatros han abierto obras virtuales, las compañías de danza, sus espectáculos, y esto ha sucedido en todo el mundo”, expresó Sierra, codirector de la compañía de danza contemporánea Cuerpo Etéreo.

 “Hay un gran movimiento, en el que los maestros están compartiendo clases, haciendo intercambios, y generado charlas”.

 De Isla coincidió en ello, pues ha visto un fuerte apoyo entre personas de todas las áreas artísticas.

Pero también veo que las comunidades artísticas en el país tienen una economía muy frágil. Hay gente que la está pasando muy mal. Las editoriales independientes están en problemas, así como los grupos de teatro que viven de sus funciones y los músicos ni se diga”, señaló.

 En la transmisión también se conectó Roberto Villarreal, director del Teatro de la Ciudad, quien intervino para señalar que sí es un hecho el impacto de la pandemia del COVID-19 en las comunidades artísticas.

 Hay que ser solidarios con el otro

 “Somos una comunidad artística diversa y compleja, y nos damos cuenta que este momento es histórico, crucial y todos queremos de alguna manera aportar para salir adelante, generado contenidos virtuales, y viendo cómo podemos ser solidarios con el otro”, manifestó Sierra.

La situación económica para muchos artistas es difícil, reiteró De Isla.

 “Pero también somos privilegiados, porque hemos visto el esfuerzo que está haciendo CONARTE para tratar de apoyar directamente a los artistas y paliar un poco el problema económico, que se está viniendo, porque la mayoría de los que nos dedicamos al arte trabajamos por nuestra cuenta y ha sido bastante complicado estos dos meses”, indicó.

 El COVID-19 permeará el arte

 “La historia nos ha enseñado que en situaciones como las guerras, las enfermedades, los movimientos, políticos y sociales, el arte florece, el arte está presente”, manifestó Sierra.

 “Memorables obras artísticas están cimentadas en ese tipo de situaciones y condiciones; finalmente, los artistas tenemos el compromiso de contar lo que estamos viviendo. Son situaciones que nos marcan y dejan pliegues y dobleces que permanecen allí durante un tiempo y son la semilla que los artistas pueden tomar para crear”.

 De Isla coincidió en ello.

“Esto sí sucederá y me preocupa, porque yo tengo muchos problemas con los temas de moda. En la literatura se pusieron de moda las novelas de narcos, estamos llenos de novelas de este tema, hay unas muy buenas, otras malas y otras peores, porque no hay una reflexión detrás.

 “Yo esperaría que sí sucediera algo, pero que no fuera de inmediato, que hubiera una reflexión, un entender por qué y para qué sucedieron las cosas, no contarlas nada más”, puntualizó.

 Los Diálogos con los Creadores de CONARTE continuarán, igualmente, bajo el mismo formato de una transmisión en vivo desde Facebook Live de @conartenl.

Fuente: CONARTE.