Del Desierto, Wargod y Louderforce, semifinalista del Road to Corona Hell & Heaven Metal Fest

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Se consolida  San Luis Potosí, como una de las fuerzas más potentes del metal que se han visto en el país. Deldesierto, Wargod y Louderforce son los semifinalistas en esta edición 2016 del Road to Hell & Heaven Competition que se realizó en el Bunker. Sala de Conciertos.

San Luis Potosí siempre presente en esta tercera edición de dicho concurso, aun cuando aclaró Juan Carlos Guerrero, directivo del Hell & Heaven Metal Fest, no es una competencia, "sino una convivencia  de todos aquellos que nos gusta el metal", al ser convocados para esta edición a once bandas, así como a dos bandas invitadas, quienes buscaron  a través de sus propuestas musicales ser semifinalistas y proseguir en una etapa consecuente para lograr un espacio en estos grandes escenarios de dicho festival internacional metalero.

Paulatinamente fueron congregándose la comunidad metalera, para  ser parte importante de esta fiesta del metal al participar a través de su voto y ser una parte importante en  la elección de los semifinalistas de este  Road Hell and Heaven.

Dio la bienvenida el mismo Juan Carlos Guerrero, quien comentó que el jurado estuvo  integrado por: Alan Hernández, compositor y músico; Pablo Rodríguez del programa radial universitario - El Lado  Oscuro; Salvador Cabrero, del programa radial Universitario, Nuestra Ezena, así como Juan Carlos Guerrero y Manuel Reveles. Se tomó en cuenta a calificar: la interpretación,  composición, presencia y originalidad, al ser expuestas a  través de tres canciones. En donde se elegirían a dos bandas semifinalistas, las cuales competirán en esta semifinal en la CDMX.

De esta manera, Guerrero  cedió el escenario a la banda de Forgingmetal, al sentirse no con esta fuerza, sostenida y  potencia a que nos tiene acostumbrado con su heavy / trash / technical mental. A pesar de cierto desdén técnico, aun así lograron un incipiente mosh.

La sobriedad y la presencia se conjugaron aunque sin la profundidad sonora debida, fue lo expuesto por la banda de black metal, Dominus Sathanas. En contraposición, a una de las propuestas más interesante y que se arriesgan en esta búsqueda  no sólo de su lenguaje musical, sino también lo letrístico y  lo escénico a partir de circunnavegar por el metal folk con tintes progresivos. Dejando un buen sabor de boca y ser una de las bandas postulantes a representar con dignidad a esta escena potosina en este concurso.

Un gran aliento fue el escuchar a esta decana banda de heavy metal, Antares, en donde es de destacar no sólo  su perseverancia y consistencia, sino el estar en esta etapa  de compartir bajo  esta honestidad, pulsadas y muy evocadoras rolitas.  Por su parte, Tzabcan y Krónicas de Morfeo, desde este metal melódico y metal sinfónico, respectivamente, sólo quedan en un sin penas ni gloria.

Natural Death  y Wargod destilaron   un potente death metal y rompieron un poco con este ruidoso punk a cargo de U.Z.I.  

Cerraron  con un desenfrenado entusiasmo, lograron generar tal empatía y este apoyo desmedido de los ahí presentes, gracias a este desgarbo, honestidad en el escenario a pesar de este desbocado impulso de esta joven banda, LouderForce y su speed Heavy Metal.

Es importante decir que la banda Meggidon, no participó por no llegar a tiempo a la hora convocada y por tanto, no pudo ofrecer su propuesta musical.

Mientras el jurado decidía en la selección de las dos bandas semifinalistas, como aperitivo musical fue invitado la buena banda de Savath, quien compartió tres canciones de su " Lobo Gris".

Se abre el telón y ya en el escenario se encontraban los jurados precedidos por Juan Carlos Guerrero, a pesar de la certidumbre reinante tanto de las bandas, amigos y fans de algunos de los grupos participantes.

Guerrero agradeció por haber "sido una noche muy importante para este certamen de rock del Corona Hell & Heaven Metal Fest. Originalmente en cada ciudad estamos sacando dos ganadores, pero como hubo mucho talento en San Luis, realmente la banda de San Luis representan una de las fuerzas más potentes del metal que hemos visto en México, de ahí que tuvimos tres ganadores, hay tres semifinalistas que van a ir competir a los escenarios principales".

A través de los jurados, dieron a conocer a los tres semifinalistas, siendo  tercer semifinalista Louderforce,  el segundo semifinalista fue para Wargod y el primer finalista fue para Deldesierto, quienes estarán dentro de dos semanas en la CDMX, buscando un lugar para exponer su propuesta musical en uno de los escenarios en esta edición 2016 del Corona Hell & Heaven Metal Fest que se realizará el 23 de Julio en el Autódromo Rodríguez.

Para cerrar esta noche de metal, con la presentación del pornogore de Trikonomiasis.o mejor conocido como Tumor en los huevos.

Es de destacar el poder de convocatoria de no sólo de las bandas que estuvieron apoyando y no como suele pasar que tocan y se van, así como del público, seguidores de las bandas enfundadas no sólo en playeras, el cantar, hacer sacudir la greña y hasta este frenético mosh. De esta manera dar visibles muestras de que  en San Luis Potosí, hay una escena de metal.

Al destacar Guerrero " Nos sigue sorprendiendo el poder de convocatoria  que fue increíble para un buen  domingo aquí en el Bunker. Ademas por las bandas que se inscribieron al concursar once bandas  y que tres hayan pasado tres bandas a la semifinal fue algo extra porque aparte del talento de las bandas que pudieron calificar los jueces, el mismo público votó por sus bandas e hizo que una banda más pasara a la semifinal. Creo que eso habla muy bien de San Luis, gracias a todo el talento y apoyo del público hacia sus bandas".

Fue muy enfático" Si nosotros como Festival no apoyamos al talento de cada una de las escenas  como es la de aquí,  estamos fritos, no estamos construyendo nada. El que nosotros  vengamos y tengamos la oportunidad de ver todo este talento y  llevárnoslos a CDMX a  un gran escenario, para nosotros es el estar construyendo con los nuevos  músicos, con los nuevos fanáticos y el poder hacer que una de  estas bandas  un buen día se  vuelva una banda estelar  en un buen festival europeo y,  estar construyendo con las amantes de la música y las nuevos músicos".

Para aquellos interesados en este Festival Internacional de Metal, en donde el metal se pueden escuchar en familia, por lo que pueden checar mas información no solo de las bandas participantes, sino de aquellas actividades alternas, en donde se destacan interesantes clínicas para músicos, ambientaciones a cargo de la Garra Produccciones, Justa Medieval,  exhibición de juegos extremos, área para niños, área de comida,  en: www.hellandheavenmetalfest.com o a través de las redes sociales.

Festeja los cincuenta años de la Casa Museo Manuel José Othón

Festeja el cincuenta aniversario de la Casa Museo Manuel Jose Othón, este miércoles primero de Junio a las 11:00 horas en el Teatro de la Paz.


En donde se contará con la presentación de la coreografía" En el desierto. Idilio salvaje ( Manuel Jose Othón) por la compañía de danza contemporánea, Nucleodanza, bajo la dirección de la Mtra. Guadalupe Orellana.


Así como, la presencia musical de la Orquesta Sinfónica de Chimalcahuan, " Independencia".


Este museo está ubicado en la casa que habitará  anteriormente uno de los personajes ilustres  más importante de San Luis Potosí del siglo XIX, el poeta Manuel José Othón,
en donde  nació el 14 de junio de 1858, cuyo nombre lleva la calle donde está ubicada.



La casa que por sus dimensiones es modesta, cuenta con un característicos pozo en el patio central, en torno al cual se distribuyen el despacho, la sala, el dormitorio, el comedor, el epistolario, la sala de lectura y en el pequeño patio posterior se encuentran la cocina y el baño.




En donde se ofrece al visitante una panorámica de la vida y obra del vate potosino, ello a través de objetos,  muebles,  manuscritos,  libros y fotografías y unos objetos que quien es considerado uno de los más grandes poetas bucólicos  en lengua española de la épica moderna. alabado incluso por Jorge Luis Borges.




Dirección: Manuel José Othón #225, Centro Histórico, C.P. 78000, San Luis Potosí, S.L.P.
Teléfono: (444) 812.74.12

Concierto "Los sonidos de la Tierra" busca crear conciencia ecológica

Música, teatro y títeres es la combinación del concierto "Los sonidos de la Tierra", preparado por el ensamble ruso-mexicano Arco & Lira Clásica, con el que invita al público a reflexionar sobre el equilibrio ecológico en el planeta.

En entrevista, el actor José Luis Vargas mejor conocido como "Wicho- cuentacuentos, quien será el encargado de narrar el espectáculo, mencionó que la obra está dirigida no solo al público infantil, sino a jóvenes y adultos.

"Hemos seleccionado compositores que se inspiran en la naturaleza para crear sus piezas y partimos de la idea de que si los autores de la música de concierto no hubiesen conocido la armonía de su entorno ecológico, seguramente no conoceríamos sus grandes obras", agregó.

El actor manifestó que "trabajar con niños es una tarea aparentemente fácil, en ocasiones menospreciada, se subestima mucho al público infantil, sin embargo, es una de las tareas más difíciles, porque los niños son sumamente francos y exigentes, se aburren fácilmente, por lo tanto tenemos que prepararnos y renovarnos constantemente".

Por su parte, la directora y chelista Masha Casar mencionó que la intención de la obra además es "acercar a los niños de una manera divertida a la música, sin aburrirlos, el concierto es muy interactivo, logramos hacer una unión perfecta para que sea muy dinámico y los niños aprendan pero también se diviertan".

Explicó que el tema de la ecología fue elegido gracias a que "reflexionando, nos dimos cuenta de que actualmente ningún espectáculo trata un tema tan importante en el mundo como lo es la ecología y el medio ambiente".

Formado desde el año 2008, el ensamble ha desarrollado 14 espectáculos para niños y adultos, en los cuales combinan música, teatro, danza, video, títeres y hasta magia, de acuerdo al tema a tratar, además los músicos a pesar de no ser actores interactúan con el público transformándose en diversos personajes, según sea el caso.

El ensamble Arco & Lira Clásica está integrado por Petr Nevelitchchkiy (violín), Ismael Sanches (clarinete), Daniel Ponce (percusión), Iván Nevelitchchkiy (contrabajo), Masha Casar (violonchelo) y Oscar Espinoza (piano); los arreglos son de Vladimir Sagaydo.

El programa está integrado por obras como "El elefante y la tortuga" (Camille Saints-Saens), "Star Wars" (Jhon Williams), "El jardín secreto" (Rolf Rovland), "El vuelo del abejorro" (Nikolay Rimski- Korsakov (1844-1908) y "Can Can" (Jacques Offenbach), entre otras.

El espectáculo "Los sonidos de la Tierra" se presentará por primera vez el próximo domingo 5 de junio en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (Cenart), con dos funciones a las 12:00 y 13:30 horas.

NTX/VGG/MAG

En el Museo del Estanquillo, exposición del caricaturista Ernesto " Chango" Garcia Cabral

Una de las obras del caricaturista Ernesto García Cabral, ‘Chango’.



POR JUDITH AMADOR TELLO



 Con el propósito de revalorar al caricaturista Ernesto García Cabral, ‘Chango’, como uno de los mejores dibujantes de la historia del arte mexicano, el Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis presentará, a partir del próximo 2 de junio, la exposición El universo estético de Ernesto García Cabral.




La selección incluirá trabajos no sólo del artista –que se cuenta se negaba a ser considerado como tal, pese al reconocimiento que le profesaron colegas como Diego Rivera y José Clemente Orozco–, sino también de sus contemporáneos, con el fin de contextualizar su producción artística realizada entre los años 1910 a 1960, informa el Museo fundado por el escritor y periodista Carlos Monsiváis.



Cabral ha sido para muchos el mejor dibujante del periodismo mexicano. El propio Monsiváis llegó a reclamar una exposición retrospectiva para el creador, que se inició en 1909, siendo aún estudiante, con una colaboración en el semanario La Tarántula, y no tardó en hacerse famoso por sus caricaturas del presidente Francisco I. Madero.




El Estanquillo recuerda que ‘Chango’ tuvo una “extraordinaria capacidad” para el retrato y para captar el sentir de la sociedad mexicana de su momento ante los problemas sociales y políticos. Colaboró en los diarios Novedades, Excélsior y en suplementos como Revista de revistas y Jueves de Excélsior. Dirigió la revista Fantoche y fundó Don Timorato al lado del escritor Renato Leduc.




Agrega que sus dibujos “se podían ver en el cine tanto en cortinillas como en carteles de la época de oro del cine mexicano”. Hizo carteles para películas de Germán Valdez “Tin Tan”, Mario Moreno “Cantinflas”, Jorge Negrete y otros artistas. Y al respecto declaró en alguna ocasión:

“[…] De estos carteles depende mucho el éxito o el fracaso de una película, porque una publicidad bien enfocada ayuda a triunfar, siempre que vaya respaldada por la calidad de la cinta. Sin embargo, en casos contrarios, una película que esté un poco falta de calidad, puede muy bien tener éxito si la publicidad ha logrado despertar en ese público esa curiosidad necesaria para que el público acuda al cine.”



A través de esta muestra, los espectadores podrán conocer también la vida del artista, que “fue luchador grecorromano, actor de cine mudo, bailarín de tango, bohemio empedernido y personaje de la sociedad mexicana, pues fue amigo de muchas celebridades”, destaca El Estanquillo.



Añade: “Esta muestra será una reflexión sobre el origen y perpetuación de tres conceptos en México: sexualidad, sensualidad y erotismo. Cómo se formaron convenciones alrededor de estos desde el siglo XVI con el encuentro del pensamiento indígena y el español y cómo algunos se mantienen vigentes en las creencias de la sociedad del siglo XXI. Estos son algunos de los temas que interesó a Monsiváis sobre los cuales escribió en libros como Que se abra esa puerta: crónicas y ensayos sobre la diversidad sexual; Escenas de pudor y liviandad o Misógino feminista, por mencionar algunos.”



La curaduría borda sobre diferentes arquetipos forjados en el México colonial como la china, la Adelita, la soldadera, la noviecita santa, la madre abnegada, la esposa ideal, la matriarca, la matrona, la cotorra, la solterona, la hembra deseada, la perdida y la mujer fatal (que ejerce su sexualidad con libertad).



“Puesto que Monsiváis era un gran cinéfilo, también se incluirá el tema de la sexualidad en el cine mexicano, en donde podremos ver a varios de estos arquetipos femeninos, pero también masculinos como el macho mexicano, el valentón, el tarzán y el dandy.”



La exposición presentará por primera vez al público seis dibujos eróticos realizados por el cineasta ruso Serguei Eisenstein durante su estancia en México a principios de la década de 1930, que fueron donados recientemente al Museo del Estanquillo por la familia Monsiváis.



La exhibición estará abierta al público hasta el próximo 31 de octubre en el Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis, ubicado en Isabel la Católica, esquina con Madero, Centro Histórico.

Transexuales, el eslabón más débil en Cuba

Una de las transexuales más conocidas en Cuba (Foto: Manuel Díaz)


 Por: Manuel Díaz Mons



El desconocimiento y el miedo a lo distinto ha provocado que en Cuba, como en muchos países de América Latina, la realidad de la comunidad transexual se vea envuelta en marginalidad, peligro y prostitución. Los infaustos prejuicios gubernamentales y sociales han logrado mantener a esta minoría en la exclusión y el rechazo.



Lucy, una transexual cubana que vivió el desprecio en carne propia y se vio obligada a marchar hacia Canadá, donde vive hace más de 10 años, cuenta desde su blog la difícil historia que le tocó vivir por el simple hecho de ser “distinto”.




“Una sociedad como la que ha hecho posible casi todos mis sueños dista de ser perfecta, pero se acerca mucho más a lo que aspiraba y que me prometieron en el sitio en que nací. Allí la ideología va por delante”, señaló en su web.



Apertura con muchas trabas

La primera operación de cambio de sexo en Cuba ocurrió el 22 de mayo de 1988 a quien después asumiría el nombre de Mavi Susel. Las operaciones de readecuación genital fueron aprobadas oficialmente por el gobierno de la Isla el 4 de junio de 2008 mediante la Resolución 126 del Ministerio de Salud Pública (MINSAP), que dice expresamente: “Crear el Centro de Atención para la Salud Integral de las Personas Transexuales, como la única institución del Sistema Nacional de Salud, autorizada para realizar tratamientos médicos totales o parciales de reasignación sexual”.



Estas intervenciones quirúrgicas, pese a sus altos costos, se realizan gratuitamente en la Isla para las personas estrictamente seleccionadas por el Centro Nacional de Educación Sexual (CENESEX).



La máster en ciencias Mayra Rodríguez señaló en una conferencia titulada Trastornos de la identidad de género, diagnóstico y acompañamiento psicológico que el proceso de estudio en la institución hasta llegar al dictamen demora más de dos años.



“Todo esto lleva un estudio y seguimiento psicológico, un tratamiento hormonal, luego se da comienzo de una vida al paciente como miembro del sexo al que se siente pertenecer (Incluye cambio de documento de identidad) y posteriormente una cirugía de reasignación genital”, señala el informe.



El CENESEX tiene establecido que toda persona que acuda a la institución para la “Reasignación Sexual”, tiene que tener en cuenta todo el proceso, según explica el documento emitido por el Servicio de atención a personas transexuales.



“En primer lugar recibirá dos citas, la primera para iniciar las entrevistas con el equipo psicológico del Centro y la segunda para realizar su historia clínica y exploración física por parte del equipo endocrinológico”, refiere el escrito.



El Dr. Ramiro Fragas Valdez, uno de los principales médicos en estos temas dentro de Cuba, en su conferencia Aspectos quirúrgicos de la transformación del hombre en mujer, dada cuando el gobierno decidió volver a retomar estas operaciones, señala que la cirugía de reasignación sexual o genitoplastia a personas transexuales es muy compleja y necesita de un equipo multidisciplinario que va desde el trabajador social, especialistas de salud mental, juristas, endocrinólogos, clínicos, sexólogos y cirujanos.



Como en Cuba todavía no existe una ley que respalde estas operaciones de cambio de sexo, el CENESEX coordina todos los procesos con el Ministerio de Justicia para facilitar la documentación necesaria para el cambio de identidad, pues la ley cubana actual solo asigna la identidad sexual de la persona según la forma de sus genitales.



“Todo esto es un largo proceso entre trámites y consultas. Son afortunados los que llegan al final de todo ese camino”, comenta Roberto Díaz, un miembro de la comunidad LBGT (Lesbianas, Bisexuales, Gays y Transexuales) en Cuba.



“En mi opinión, todas estas acciones las realizan para subsanar los grandes errores que cometió el gobierno cubano a partir de 1959 con los que tenían gustos diferentes a los establecidos por la ley”, añadió.



Discriminación social: un tema por debatir

La tesis doctoral de Mariela Castro (2014), directora del CENESEX, señala que la postura de la sociedad cubana actual, a través de sus instituciones, se caracteriza por la desprotección hacia estas personas, lo que es perjudicial para el funcionamiento de la sociedad.



“La desigualdad social de las personas transexuales en Cuba se expresa en violencia física y psicológica, problemas de salud, elección del trabajo sexual, nivel educacional por debajo de la media nacional, limitadas opciones de trabajo, desvinculación familiar, situación habitacional con dificultades, limitadas intervenciones sociales por el insuficiente reconocimiento de las necesidades de este grupo, falta de información y la existencia de barreras sociales al proceso de integración de estas personas”, señala el texto.




En esta tesis también refiere que un gran porciento de los transexuales en el país no tiene participación dentro de la sociedad cubana, ni siquiera en la toma de decisiones.




Por otra parte, Jordan Ajete, joven estudiante universitario, considera que la aceptación a los homosexuales y bisexuales se ha acrecentado bastante en los últimos años, pero no cree que haya ocurrido lo mismo con los transexuales. “Espero que en un futuro sean aceptados como los demás”, afirmó.



Sin embargo, algunas personas como Gilberto Hernández, un veterano miembro de la comunidad LGBT, considera que no ve necesario un cambio de sexo para que a una persona le guste otra del mismo género.




“Para mí solo es un trastorno de personalidad, aunque en la comunidad LGBT son bien aceptados y respetados; sin embargo, en la calle no sucede esto”, comentó, concluyendo que “mientras las leyes cubanas no respalden a los que tienen orientación sexual diferente, nada en Cuba cambiará”.




Mariette Pathy, una reconocida fotógrafa extranjera que vino a la Mayor de las Antillas para una serie de obras titulada “TransCuba”, en una entrevista para el sitio Cibercuba expresó que lo principal, según su punto de vista, es que deben legislarse dos leyes para que cuando una persona pase de un género a otro pueda cambiar su nombre de nacimiento y puedan tener la libertad de trabajar en cualquier campo que quieran.




“Los maestros y los estudiantes deben aprender a aceptar, en lugar de intimidar a las personas que son diferentes a ellos. Pero creo que lo mismo puede decirse para todos los países del mundo”, añadió.



La Asamblea Nacional aún sigue haciendo caso omiso a las recomendaciones que realiza la propia hija del general-presidente. El gobierno cubano votó a favor de la resolución presentada en el Consejo de Derechos Humanos a favor de la Comunidad LGBT, pero aún sus leyes no legalizan la situación marital de miles de personas que viven en tal situación.



Wendy Iriepa, una de las transexuales beneficiadas con la operación de cambio de sexo, en una entrevista a un medio independiente afirmó: “Estamos abiertas a todo el que quiera conocernos y ver que no somos monstruos; que no hemos roto las normas sociales porque hemos querido sino porque somos así y debemos ser respetadas; que merecemos un lugar y que se nos mire no como bichos raros, sino como personas de esta sociedad, personas de estos tiempos”.



Mientras tanto, Lucy, la transexual cubana residente en Canadá, se dedica a buscar apoyo para los suyos. “Solo pido que, antes de ridiculizar a una persona transexual, recuerden que no han vivido los dolores de esa vida y que no entenderán nunca lo que han pasado esas personas tan dignas de respeto y amor”.



ACERCA DEL AUTOR

Manuel Díaz Mons

Manuel Díaz Mons: Nacido en La Habana, se graduó en la carrera de Ciencias Informáticas en el 2007, ha colaborado en diversos proyectos digitales del Programa de Voluntarios de las Naciones Unidas y de manera autodidacta ejerce el periodismo desde el 2010 publicando en blogs y medios nacionales y extranjeros.

Guatemala conmemoró el Día Nacional del Popol Vuh

Por Dpa

 Los guatemaltecos conmemoraron  el Día Nacional del Popol Vuh, el libro sagrado de los mayas, que explica el surgimiento del mundo según esta cultura mesoamericana e inspiró la novela Hombres de maíz (1949) del Premio Nobel de Literatura (1967) Miguel Ángel Asturias.



El Popol Vuh -que se cree fue escrito entre 1550 y 1554 en idioma maya k’ich’e- relata en su primera parte la inexistencia del mundo hasta que los dioses creadores y formadores -Tepeu y Gucumatz- deciden generar la vida y con ésta a seres que les agradezcan y veneren por ella. Primero se creó la Tierra, después los animales y finalmente los hombres.



“Esta es la relación de cómo todo estaba en suspenso, todo en calma, en silencio: todo inmóvil, callado y cavó la extensión del sielo (sic)”, cita el Popol Vuh.



En cuanto a la creación del hombre, relata que los primeros seres humanos fueron creados de lodo y le siguieron los de madera, pero no cumplían con los deseos de los creadores. Eran aguados o tenían el corazón duro. En el cuarto intento logran su propósito creando hombres maíz, el alimento que hoy en día sigue siendo básico en Guatemala.



El arqueólogo mexicano Enrique Vela destaca en su ensayo El Popol Vuh, el libro sagrado de los mayas que “es probable que el Popol Vuh sea producto de tradiciones reales basadas en detalles místicos e históricos basados en los códices”, citó el diario Prensa Libre.



El Popol Vuh fue declarado Libro Nacional de Guatemala el 30 de mayo de 1972 para preservar el valor histórico, cultural y social de la obra.



El 27 de agosto de 2012, el Ministerio de Cultura y Deportes lo declaró Patrimonio Cultural Intangible de la Nación, según acuerdo ministerial 826-2012.



La copia física escrita por el sacerdote Francisco Ximénez -quien lo reescribió en español y k’ich’e- se encuentra en la biblioteca de Newberry en Chicago, Estados Unidos.

Este martes, la primera actriz Maria Rojo leera obra de Elena Garro

La Secretaria de Cultura presenta a la Primera Actriz de cine, teatro y televisión María Rojo, quien estará en San Luis Potosí participando en el marco del programa Crece Leyendo con una lectura de obra de Elena Garro, en dos presentaciones, la primera en la Biblioteca Primo Feliciano Velázquez (Calle 3 s/n, Col. Industrial Aviación) a las 13:00 horas y por la tarde a las 18:00 horas en la Biblioteca Central del Estado (Manuel José Othón esquina con Chicosein) de este martes 31 de mayo,  ambos eventos de entada libre.





Crece Leyendo es un programa de la Secretaria de Cultura Federal que nació con el fin de promover el gusto por leer en diversas comunidades mexicanas. En sus diversas facetas, abarca públicos infantiles, juveniles, familiares o bien de especialistas, que con diversas estrategias se aproximan a textos literarios que les permitan descubrir desde la experiencia lectora una vivencia placentera y enriquecedora.




Según el Programa de Crece Leyendo, recientes estadísticas señalan que los mexicanos somos un país en donde el 56.4 por ciento de la población tiene acceso a la lectura, y el 60 por ciento puede reconocer algún libro como favorito, asimismo la estadística nos dice que los mexicanos leemos 3 libros anualmente, mientras hay países como Finlandia  que la lectura promedio es de 47 libros.




El programa que tiene diversos componentes tales como lecturas en voz alta, ha tenido invitados especiales de la talla de Susana Alexander, Angélica Aragón, Carlos Bracho, Arcelia Ramírez y María Rojo, quienes itineran por diversos recintos culturales del país, haciendo esta labor de fomento a la lectura, tal como sucederá este martes con María Rojo quien es la invitada a participar con una lectura de Elena garro en las dos bibliotecas antes mencionadas, buscando ser un detonador para la formación de lectores.




María de Lourdes Rojo e Incháustegui, conocida como María Rojo es una primera actriz de cine, teatro y televisión mexicana, con una vasta trayectoria de más de 50 años en los escenarios, con las más diversas nominaciones, iniciando en su primera obra teatral a la edad de 12 años, a parir de esa edad desarrolla una larga carrera cinematográfica  entre las más famosas El Apando de Felipe Cazals, Las Poquianchis, la Tarea de Jaime Humberto Hermosillo, Rojo Amanecer de Jorge Fons, la célebre Danzón de María Novaro, entre otras; durante su carrera ha sido premiada con el Ariel a mejor actriz, y otro Ariel a la mejor coactuación femenina.




Este martes 31 de mayo estará en San Luis Potosí para participar con una lectura de obra de la narradora, dramaturga, coreógrafa y periodista mexicana que a contracorriente forjó una de las obras literarias más solventes en Hispanoamérica, Elena Garro.




Autora de Los recuerdos del Porvenir (1963) una de sus obras más celebradas con la que obtuvo el premio Xavier Villaurrutia, renovando la literatura mexicana,  donde rompe con el realismo de la novela de la Revolución Mexicana y combina diferentes temporalidades y pasajes de corte fantástico. Por esta razón, se ha señalado que la novela de Garro es un claro antecedente del realismo mágico, pues se publica cuatro años antes que Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez.




La Tolstoi de México, como la llamó Borges, “produjo una obra importante, a tono con su tiempo, con la situación social y política que ella veía de cerca y que despertó sus ganas de ser un personaje de novela, activo, importante en la historia de su país”.



Entre sus obra de teatro destacan: Felipe Ángeles (1979); Un hogar sólido (1958, y 1983, ilustrado por Juan Soriano); La mudanza y la recopilación Teatro (FCE, 2009); así como sus novelas Los recuerdos del porvenir (1963);Testimonios sobre Mariana (1981); La casa junto al río (1983); Y Matarazo no llamó (1993); Busca mi esquela & Primer amor (1998); Un corazón en un bote de basura (1996) y La vida empieza a las tres(1997); así como los cuentos de La semana de colores (1964); Andamos huyendo Lola (1980) y El accidente y otros cuentos inéditos

"Noche de Cabaret" en el Paraninfo Universitario, Rafael Nieto

Este Miércoles 1 de junio en el Auditorio Rafael Nieto, a las 19:00 horas, se presenta el concierto "Mujeres de cabaret". Entrada gratuita.



Mujeres de Cabaret es un concierto preparado por las mujeres del Vocalise Universitario y Voces Baumhaus dirigidos por la Mtra. Liliana del Conde, en el que se podrán escuchar una selección de canciones de algunos musicales de Broadway como “Los Miserables”, “Cabaret”, “Chicago”, “Dulce Caridad”, “Jesucristo Superestrella”, entre otros.




Todos estos musicales tienen en común personajes femeninos con grandes personalidades, que han marcado la historia de Broadway y West End, mujeres que por diversas razones han tenido que vivir de su cuerpo para salir adelante, ya sea por necesidad, placer o padecimiento. Canciones que muestran diferentes matices de las emociones que rodean a estas mujeres... Mujeres de Cabaret.


Cantan: Ana Cristina Moreno, Patricia Mirabal, Claudia Barragán, Cecilia Ayala, Alicia García Velázquez, Mónica Campos Portillo, Elsy Delgado, Astrid Álvarez, Sharon Gasca.


Enrique Rodríguez Macías al piano.

 Direccion Musical: Liliana del Conde

Direccion Escenica:  Rodrigo Reinoso y Fernando Barragan

Asistencia de Direccion: Raul Gomez.


Informes:

Facebook: Cultura UASLP
Twitter: UASLPCultura
Teléfono: (444) 826 23 00, Ext. 1269 y 1233​​

Llega el gothic punk de Anasazi en el Loud Open Stage

Loud Open Stage y Asocial Skateboards  traen desde las entrañas de Gotham, Anasazi, a una de las mejores propuestas de los sonidos más oscuros y energéticos heredados de los 80's, con un punk frenético y el dramatismo del post punk/gothic rock, con el que han impresionado en Vienna y Berlin.



Y para empezar a calentar la pista, dj sets con lo mas picudo del deathrock, psychobilly, post punk y gothic de mano de Dj Astrubal Ruthless y Dj Baal.



Inicia : A las 21: 00 pm


Cooperacion  $30 pesos.



Si pasitos punk, si mosh y slam/ No violencia.

Del periodismo a la poesia, la obra de Walt Whitman

Famoso por el poemario “Hojas de hierba” y su “Canto a mi mismo”, el escritor estadounidense Walt Whitman es uno de esos ejemplos de que aún en un ambiente adverso se puede salir adelante haciendo lo que a uno le apasiona, en su caso, las letras.



A 197 años de su nacimiento, que se cumplirán este martes, Whitman es recordado como un tipo que hizo de todo para ganarse la vida antes de convertirse en poeta, ensayista, periodista y destacado humanista, cuya obra fluctuó entre el Trascendentalismo y el Realismo.



Datos del sitio “biografias.es” recuerdan que nació en West Hills, condado de Suffolk, Nueva York, el 31 de mayo de 1819; siendo el segundo de ocho hijos, en una familia problemática donde hubo desde locos hasta hipocondriacos.



Tenía cuatro años cuando su familia se trasladó a Brooklyn, y allí estudió seis años en una escuela pública antes de convertirse en aprendiz en una imprenta, donde adquirió experiencia para su siguiente paso, dos años después, en Nueva York, donde trabajó como impresor.



Su incursión en el periodismo data de 1838 cuando publicó su primer diario el “Long Islander”, de Huntington (donde fue reportero, impresor y hasta distribuidor del mismo), luego se mudó a Nueva York donde ejerció el periodismo y tras una breve estancia en Nuevo Orléans, regresará a Brooklyn para publicar otro diario.



Las cosas no iban del todo bien, así que a la par desempeñaba diversos oficios, incluido, dicen, el de constructor inmobiliario.



Es por esa época que comienza a escribir poesía muy distinta a los cánones de aquellos años.



Los conocedores de su obra consideran a “Hojas de hierba”, publicada en 1855, como su obra maestra. Aunque en algún momento la obra llegó a ser considerada obscena y hasta censurada; con el tiempo, sería el libro impreso más veces de cualquier poeta estadounidense.



"Canto a mí mismo" se convirtió en su poema emblema y quienes lo conocen coinciden en que “era la voz multiforme, contradictoria y persuasiva de Norteamérica misma, una proclama de autosuficiencia individual y colectiva, de exaltación vitalista, y una apuesta al igualitarismo y la democracia en tiempos en que la esclavitud era tema de discusión ardiente y acabaría siendo tema de guerra civil”.



Aunque hoy es un escritor reconocido, en aquel tiempo las cosas no fueron fáciles, durante la Guerra de Secesión, Whitman asistió espiritualmente a soldados heridos en un hospital militar del bando norteño en la ciudad de Washington; luego, dicen, continuó trabajando para el gobierno hasta 1873, en que sufrió un ataque que le dejó una parálisis parcial.



Se marchó entonces a vivir con su hermano George en Camden (Nueva Jersey), hasta 1884, año en que compró su propia casa, donde se la pasó añadiendo poemas a "Hojas de hierba", hasta su muerte, ocurrida el 26 de marzo de 1892.



Tenía 72 años y su funeral se convirtió en un espectáculo público. Según el sitio “trabalibros.com”, a las exequias acudieron más de mil personas en 3 horas, invadiendo su casa de flores y ofrendas.



Se sabe que en esa última etapa de su vida fue que escribió obras en prosa de gran calidad, como los ensayos "Perspectivas democráticas" (1871), que se consideran en la actualidad una exposición clásica de la teoría de la democracia y sus posibilidades.

NTX/MCV

Es" Museo Guggenheim Aguascalientes", un pretexto para reflexionar

Por Germán Meneses



El Museo de la Ciudad de Querétaro alberga desde este fin de semana la exposición "Museo Guggenheim Aguascalientes", del artista plástico Rolando López, quien más allá de denunciar la herencia tóxica del empresario estadounidense, llama a la reflexión social sobre cómo afrontar los problemas en el mundo real.



En entrevista para Notimex, el joven artista aborda en su obra una situación real ocurrida a principios del siglo XX en la pequeña ciudad de Aguascalientes, a partir de la instalación de una fundidora financiada por el filántropo norteamericano Solomon Robert Guggenheim.



"Escoria es el nombre que se le da a todos aquellos desechos tóxicos, producto del proceso industrial de fundir metales, escoria es la materia del arte que hoy nos reúne en Querétaro, la cual proviene del Cerro de la Grasa, en Aguascalientes (donde hace más de 100 años se instaló la fundidora de Guggenheim)", relató Rolando López.



Ese cerro, abundó el artista mexicano, es una pesada masa oscura compuesta por millones de piedras negras tóxicas que han permanecido amontonadas durante más de un siglo.



"Ese sucio, oscuro e inabarcable terreno es la herencia que dejó a la ciudad de Aguascalientes la Gran Fundición Central Mexicana (1824-1924) cuyo propietario, Guggenheim, se enriqueció gracias a un ventajoso contrato que firmó el entonces gobernador Alejandro Vázquez del Mercado", ilustró.



Ese ventajoso convenio permitió al empresario estadounidense la libre explotación de los recursos naturales y quedó exento del pago de impuestos durante las tres décadas que operó la fundidora, tal como lo marcaban las políticas del régimen porfirista.



Pero, ¿qué pretende el artista con su exposición? Asegura que más que una denuncia de un hecho que ocurrió hace una centuria, lo que pretende es sacudir la conciencia social.




"Mientras la Fundación Guggenheim se promociona alrededor del mundo como una institución comprometida con la innovación mediante la recopilación, preservación e interpretación del arte moderno y contemporáneo, el “Museo Guggenheim en Aguascalientes” señala los efectos nocivos que trajo la empresa metalúrgica al país", denunció.



Rolando López materializa su museo mediante un programa arquitectónico que ofrece una elaborada visualización del utópico recinto con planos, proyecciones y maquetas, donde refleja el sucio, nocivo y espacio contaminado en Aguascalientes.



"Es decir, se trata de un tóxico y oscuro museo que critica y pone en crisis la estructura hegemónica con la cual los Guggenheim han logrado consolidar su dominación cultural", puntualizó el artista.



Adicionalmente, el “Museo Guggenheim de Aguascalientes” es un programa cultural vinculado a las personas que viven hoy alrededor del Cerro de la Grasa, protagonistas reales de la obra de Rolando López: "desde la escoria también es posible hacer arte y crear comunidad".



El autor dijo estar cierto de que el arte también permite hacer investigación social, permite transitar por muchas vías de explotación, de reflexión, para llegar a los problemas actuales y más que problemas, circunstancias que la misma humanidad debe afrontar.



La exposición, curada por Inbal Miller y Edgar Alejandro Hernández, permanecerá en el Museo de la Ciudad de Querétaro hasta el 5 de agosto y a decir del autor, después de esa fecha buscará otros espacios: "hay interés por mi obra en Colombia y me gustaría mucho llevarla a Chile".



La crítica artística de Rolando López va más allá: "hoy en día los urbanistas han tomado parte de la escoria negra del Cerro de la Grasa y la han colocado en banquetas de calles y avenidas de Aguascalientes, les parece un atractivo hermoso".



Rolando López (Aguascalientes, 1978) es licenciado en Diseño Gráfico y tiene una maestría en Ciencias Sociales y Humanidades, con énfasis en Comunicación, por la Universidad Autónoma de Aguascalientes. Es egresado del Programa de Estudios de SOMA México.



En dos ocasiones fue seleccionado en el Encuentro Nacional de Arte Joven (ENAJ) y ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes en Aguascalientes (FECA) y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en la categoría de medios alternativos (2011-2012).



Actualmente, produce de forma independiente proyectos artísticos transdisciplinarios, en los que hace uso de múltiples recursos teóricos, metodológicos y técnicos, entre otros, que incluyen medios impresos, fotografía, escultura, instalación y video.

NTX/GMI/MCV

Noche de Rock en tu idioma Sinfónico en tierras potosinas

Fotografías: Cortesía de Rock en tu Idioma Sinfónico y Plano Informativo

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Podría decirse que fue una noche muy especial y plena no sólo por esta magia musical expandida a través de esta imprescindible ruta y la constancias de canciones icónicas que le dieron sustento a este Rock en tu idioma Sinfónico, el cual  fue compartido en esta noche primaveral potosina.

Un concierto que conjugó la nostalgia y esta conexión con estas reciente y no tan recientes generaciones,  reunidas entorno al escenario del Teatro de la Ciudad del Parque Tangamanga,  en donde estos exitosos rockeros de la década de los ochentas y compositores que fueron parte de una de las etapas más importantes de la historia del rock latino,  causaron tal expectación al verse replicada en esta entrega total de este heterogéneo público que vibró, cantó, bailó, gritó, reclamó, exigió y compartió lo expuesto en el escenario.

Paradójicamente, un silencio  roto por la algarabía al escuchar  esta desentonada voz de Sabo Romo, con este- Viento- de temple caifanesco y de esta manera dio inicio esta sesión de este soundtrack compartido tanto por las vidas  de estos exitosos músicos como de su otredad, el público.

En donde Sabo Romo anticipó el sentirse muy bien arropado por este público potosino y bajo esta permanente consigna  de pasarla bien, además de fungir como guía  de esta emotiva travesía  musical.

Bajo esta cordialidad del aplauso, dieron la bienvenida a Kazz, vocalista y guitarrista de los amantes de Lola con una reversionada cancion- Mama-. Entre los gritos, las infaltables adulaciones  de l@s chic@s a Leonardo de Lozanne quien interpretó su- Microbito-.

Tocándole el turno a Piro y su- dejala tranquila-, para culminar esta sesión electrónica y rockera y exponer como se solían tocar las canciones hace treinta años, como lo comentó en su momento, Sabo Romo y finalizar  esta primera parte con la voz de  Cala  y su -ultimo adios-.

Entre el aplausos promovido por Sabo Romo, toman sus lugares los músicos que integran la Camerata Metropolitana, bajo la batuta del Mtro. Felipe Perez Santiago y el Coro Euterpe. En donde los arreglos sinfónicos no solamente le  dieron otro matiz sino una puntualidad sonora de estas canciones que han marcado a más de una generacion, a pesar de sobresalir en muchos de las veces, lo electrónico sobre  lo orquestal.

Quienes ofrecieron esta capacidad no solo de manufacturar canciones sino de redimensionar bajo  un sello muy particular cada cancion, al dar la pauta a partir  del cafainesco Matenme porque me muero-, - voy a buscar- de Bon y los Enemigos del silencio en voz de Leonardo de Lozane. Una de las canciones más hermosas del rock en español-

según Sabo Romo, como es - Beber tu sangre- en la estupenda voz de Kazz.

Entre las sorpresas de la noche anunciadas por Romo, llegó  Neón para cantar- No hay nada eterno-, prosiguió Piro con su primer exito radial allá por 1984 -Marielito-, volvió Neón para compartir- Es tan fácil romper un corazon- de Miguel Mateos-.

Considerada por Romo como otras de estas bellas canciones, ahora  bajo esta cadencia y excelsos arreglos de - Kumbala- de la Maldita Vecindad y los hijos del quinto patio en la voz de Cala, quien agradeció a los Malditos por dicha canción.

-La Muralla Verde- de los argentinos Enanitos Verdes en  la voz de  Leonardo de Lozanne, Piro canto- Hombre lobo en Paris- de la banda española de la Union, Leonardo de Lozanne con - El Diablo- y concluyó en voz de Cala con - El final-.

Entre un unánime coro entronado por un reiterado  "culero" de un euforico y motivado publico,  el cual fue bien refutado por el mismo Sabo, al  comentar "nosotros no tocamos con culeros y culeros no hay aquí", para aprovechar y agradecer esta entrega total de los potosinos, al compartir una noche tan especial a quienes integran este proyecto musical y ofrecer como agradecimiento y como encore  a una sola voz- cuando pase el temblor- de la icónica banda argentina de Soda Stereo.

Y asi despedirse no sin antes tomarse la selfie y decir hasta pronto.

"El poder del arte es un poder político: Anish Kapoor

Obra de Anish Kapoor. Mi patria roja (My Red Homeland), 2003.

Por: Edgar Hernandez y Luis Carlos Sanchez.



El artista indo-británico Anish Kapoor se siente cómodo en México. Tal vez sea, como él mismo explica, el tipo de clima, ciertas cosas en la comida o el trato con la gente lo que le resulta familiar en relación con su natal Bombay.



Acompañado siempre de una sonrisa, el escultor responde con toda la elocuencia que le da su voz de tenor y su acento británico a temas vinculados con el mercado del arte, sus esculturas públicas que fueron vandalizadas en Francia, su apoyo a la conservación del Espacio Escultórico de la UNAM, las posibles lecturas políticas de su obra o el trabajo que ha desarrollado con nuevos materiales, como el Vantablack, la sustancia más oscura que se conozca en el mundo.



Kapoor inaugura hoy en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) la exposición Arqueología: Biología, la muestra monográfica más grande que se haya presentado de su trabajo en un museo latinoamericano, con una veintena de obras de mediano y gran formato que prometen atraer a miles de visitantes, fundamentalmente por sus monumentales esculturas de espejo que ya empiezan a circular en redes sociales en forma de selfie.



—La primera vez que vi una de sus esculturas de espejo en un museo recuerdo que me impresionó por el efecto óptico que genera, pero cuando hace unos meses vi cinco espejos similares que sólo cambiaban de color en una feria la experiencia fue menos impactante. ¿Cómo afecta el mercado a su obra?



—El mercado del arte es muy complicado. En un nivel le permite a artistas como yo hacer lo que hacemos, pero en otro nivel representa al trabajo en una forma muy peculiar. Yo hago piezas de espejos y al mercado le gusta, pero también hago muchas piezas de cera y sólo he vendido una; eso acaba de ser muy recientemente. Al mercado le gustan cosas y las perfila de alguna manera. En verdad es un tema muy complicado, pero creo que si ves los trabajos hay miles de diferencias y al final cuando terminen estas historias podremos emitir un juicio sobre buenas o menos buenas obras. Tal vez ese acto de repetición y proceso continuo mueve las obras hacia adelante. Pienso que en mi trabajo los espejos de este año y los de hace cinco años son muy diferentes entre ellos. Son preguntas difíciles y debemos vivir con ellas en este extraño mercado del arte contemporáneo con tanto énfasis en el objeto.



—¿Qué lectura espiritual y política se le puede dar a su obra habiendo nacido en un país del sur como es la India?

—Es una especie de cliché pensar que cualquier cosa que viene del sur tiene que ser una manifestación política o un objeto espiritual. Considero que ambas cosas son problemáticas. Yo sí puedo decir que veo el poder del arte como un poder político, y también creo que el poder del arte tiene una fuerte energía espiritual. Pero eso al final opera en una cosa privada, sobre todo lo espiritual. Es como si, por ejemplo, digo un día: “hoy tengo que ir al estudio a hacer algo bello”. ¿Qué significa eso? La belleza se encuentra aquí, ahora mismo entre nosotros, así como los derechos civiles, esos que los políticos nos prometen para un futuro, cuando en realidad están presentes en el hoy y el ahora. Entonces, existe una relación entre preguntas estéticas y preguntas políticas, lo mismo que con las preguntas espirituales, pero esas son un poco más problemáticas.



—Su trabajo en el espacio público es sin duda lo más reconocido de su obra, pero también ha resultado ser de lo más polémico, como la escultura Dirty Corner que montó el año pasado en Versalles y fue vandalizada. ¿Cómo enfrentó este tipo de manifestaciones?



—En Francia fue una situación muy particular. Ese trabajo en Versalles tal vez fue muy provocativo, pero pasó algo muy extraño. La obra se puso en el patio central de Versalles, tal vez de alguna manera exponiéndolo. Sé que todo el proyecto fue controversial, pero sólo de una manera pequeña. La intensidad cambió cuando un reportero escribió un articulo y llamó a la escultura la ‘vagina de la reina’. Después de eso pasó algo interesante, de una manera muy freudiana al ponerle un nombre sexual el objeto se vuelve algo sexual también. Entonces eso le puso un odio encima a la obra. De alguna forma creo que es un gesto muy francés, porque todos pensamos en Francia como un país muy liberal en todos los sentidos, incluyendo el sexual, pero no lo es y en especial en Versalles.



La primera vez que pasó el grafiti decidí quitarlo, pero la segunda ocasión fue algo muy agresivo y antisemita y tomé la decisión de no quitarlo. Lo paradójico es que, por esa razón, las autoridades locales en Versalles me llevaron ante la Corte y me acusaron de ser culpable de exponer un material antisemita. Cuando la propia Corte me pidió que quitara el grafiti me negué, porque fue cuando ya lo sentí como una batalla, entonces le di una respuesta artística y cubrí parcialmente el grafito con hoja de oro; claro, por Versalles. Ya no se podía leer, pero era obvio que estaba ahí. Al final me queda la pregunta de qué es la obra cuando se ve con el grafiti y la hoja de oro.



—Recientemente circuló la noticia de que había adquirido un material llamado Vantablack, que es el negro más negro que pueda existir. Incluso se le acusaba de monopolizarlo. ¿Qué tan real es esta información?

—Esto también requiere que cuente una historia. Leí una pequeña nota en un periódico sobre una compañía que desarrolló este material muy negro para la industria de la defensa. Material anti-espía o material espía, según se quiera ver. Encontré el nombre de la compañía y le escribí al tipo que la maneja. Le pregunté si lo había pensado como un material visual. Obviamente me contestó que no y entonces decidimos conversar. Hemos estado trabajando por dos años para tratar de hacer el material. Hasta ahora lo hemos hecho en pequeñas piezas. Es un material increíble, recibí un pequeño pedazo del material y lo doblé con un mantel y no ves el doblez, se ve como un hoyo. Es una nanoestructura peculiar, responde a requerimientos técnicos. Absorbe 99.8% de toda la luz, se supone que es el material más negro del universo después del agujero negro.



—Hace unos días circuló un video donde usted manifestó su apoyo al Espacio Escultórico contra la afectación visual de un nuevo edificio. ¿Qué le interesó de este espacio?



—Me interesó por muchos niveles. De entrada, es un muy buen trabajo escultórico. En segundo lugar, todos sabemos que es muy fácil reconocer en términos culturales el valor de algo que es my viejo,  pero esta obra es una cosa relativamente nueva, que pertenece a la cultura moderna y debemos tener confianza en ella, darle el espacio que necesita. Es importante para este objeto en particular que se respete el horizonte y ese edificio le afecta. Entiendo que es un edificio universitario y que tiene buenos propósitos, pero está en el lugar equivocado. Mi apoyo lo veo como un acto de confianza a lo que significa tener un trabajo relativamente contemporáneo de land art mexicano, que además refiere a toda la cultura mexicana contemporánea.



—¿Cuál es su relación con México?

—También vengo de una cultura milenaria con muy profundas raíces culturales, aunque la India no tuvo los mismos efectos del colonialismo como México. Uno puede sentir que hay una larga tradición que es similar en ambos países y me siento muy identificado en ese sentido. Yo nací seis años después de que la India fuera una nación independiente, cuando la gente se preguntaba qué significaba ser indio y en los subsecuentes años pareciera que la India tiene muy claro cuál es su identidad nacional. Veo las mismas preguntas en México. En otro nivel, el clima es muy similar, la comida de alguna manera también y la actitud de las personas.



“La exposición es muy cara”



La llegada de Anish Kapoor al Museo Universitario de Arte Contemporáneo responde a la necesidad de “capturar”, cada cierto tiempo, un público que pertenece al sistema del arte contemporáneo, justificó el curador del recinto, Cuauhtémoc Medina.



“Cada dos, tres años, este museo hace un esfuerzo por generar exhibiciones que puedan conectarlo con un público que nos importa capturar para el sistema artístico de instituciones, artistas y debates de arte contemporáneo en general”, dijo durante el anuncio y recorrido por la muestra Arqueología: Biología, que abre hoy al público en el recinto universitario.



Medina fungió ayer como intérprete del artista, quien llegó a México desde el sábado pasado. En las cuatro preguntas que se permitió hacer a la prensa, el crítico de arte afirmó que la presencia de Kapoor también está justificada en el número cero de la colección Folios, que el museo ha editado: “este es un museo de convergencias e intersecciones donde tienen que convivir proposiciones de arte contemporáneo muy diversas”, agregó.



El curador consideró que Kapoor es un artista “referencial” cuyo trabajo “implica la perturbación que una estética no europea y no occidental también ha traído a nuestro campo de visibilidad”. Su nombre tiene gran resonancia en el arte: sus obras encabezan la lista de las más buscadas en las ferias; su escultura es calificada de espectacular e incluso ocupa un lugar en la lista de artistas británicos millonarios, con una fortuna calculada en 64 millones de dólares, según The Sunday Times.



Para la llegada a México de las 23 piezas que integran la muestra se aplicó todo un engranaje comercial: la marca de ropa Tommy Hilfiger organizó un concurso de diseño —a propósito de la exposición— entre los estudiantes de diseño; la misma marca ya tuvo una cena privada con el artista, y una firma de teléfonos celulares se encargó de crear un recorrido virtual por la muestra a través de uno de sus dispositivos. Los patrocinadores de la exposición suman más de quince.



“Es una exposición muy cara por el transporte, los seguros, es una muestra de que en este país cuando quieres hacer las cosas en concordia, se puede”, dijo Graciela de la Torre, encargada de artes visuales de la UNAM, quien negó hablar de la cifra que costó traer la exposición de Kapoor. “Vete a la transparencia, allí lo vas a encontrar”, respondió la funcionaria cuando se le preguntó cuál había sido la aportación de la máxima casa de estudios.



Previo a la inauguración de su muestra, Kapoor participará hoy en un conversatorio con Cuauhtémoc Medina. Desde ayer el MUAC se prepara para recibir público en grandes cantidades. En su explanada se instalan dos carpas que servirán para atender a los visitantes, en la tienda del museo el catálogo se puede adquirir por 300 pesos; también recuerdos: libretas (265 a 565 pesos), bolsas de trapo (365 a 565 pesos) o camisetas (395 pesos).



Kapoor habló de la admiración que le despierta México. De la Torre afirmó que los representantes del artista sólo permitieron que charlara con los medios 15 minutos. Cuando se levantó de su lugar, Kapoor se dirigió a las salas de exhibición, se esperaba que encabezara el recorrido, pero sólo era una manera de sacarlo del lugar. Otra ausencia se notó en la conferencia: María Teresa Uriarte, titular de Difusión Cultural de la UNAM. Un día antes Kapoor se había unido a las protestas contra el edificio H de la Facultad de Ciencias Políticas que, según sus críticos, afecta el paisaje del Espacio Escultórico universitario.

¿Dónde  y cuándo?

La muestra de Anish Kapoor Arqueología: Biología abre hoy al público, a las 13:00 horas, en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), ubicado en el Centro Cultural Universitario.
Insurgentes Sur 3000, Coyoacán, Ciudad de México.

Reflexionan sobre situación actual de la ópera en Latinoamérica

 Tras dar la bienvenida al segundo día del VIII Encuentro de Ópera Latinoamericana (OLA), Sergio Ramírez Cárdenas, subdirector del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), reflexionó en torno a los tiempos que vive ese arte, y miró hacia adelante para augurar los mejores resultados en esta reunión.



En tanto, Andrés Rodríguez, primer vicepresidente y fundador de esa red que aborda el devenir y los próximos retos que afrontará el arte lírico en la región, recordó que OLA nació hace nueve años como una sociedad que tiene como objetivo reunir a toda la gente interesada en la ópera, desde la República Mexicana hasta Chile, el país más austral.



“Cada año hemos crecido y este 2016 contamos con representantes de más teatros de España y otras naciones, lo que sirve para abonar voluntades alrededor de la ópera, el valor de las coproducciones, lo que se invierte, lo que se ahorra, lo que se pierde y lo que se gana; ya tenemos una experiencia acumulada gracias a muchos productores reunidos”.



La idea, dijo “es que todos participemos y expongamos cuáles son los proyectos en los que se está trabajando actualmente, porque definitivamente, la unión hace la fuerza y la fuerza mantendrá vivo a este género único y tan completo que es la ópera”.



Así dio inicio la segunda jornada de la OLA, con la participación de representantes de España.



El VIII Encuentro de Ópera Latinoamérica se lleva a cabo en la Ciudad de México del 27 al 29 de mayo en el Museo Nacional de Arte (Munal) y en esta ocasión, aborda el tema de los próximos retos que afrontará el arte lírico, sus nuevas audiencias y modelos de negocio, y los grandes desafíos de los teatros latinoamericanos en el siglo XXI.



Con mesas de trabajo a puerta cerrada, el encuentro es organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y Ópera Latinoamérica (OLA), asociación de teatros de ópera creada hace nueve años que opera en Centro y Sudamérica y cuya oficina principal está en Santiago de Chile. En esta ocasión se cuenta con emisarios de teatros de España.



La actual directiva de la organización está encabezada por Darío Lopérfido, presidente de OLA, ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y director general y artístico del Teatro Colón de Buenos Aires; Andrés Rodríguez, primer vicepresidente; y Alejandra Martí, directora ejecutiva de OLA y gerente del Teatro Municipal de Santiago de Chile.



Asimismo, los miembros de su directorio son los teatros Solís de Montevideo, representado por su directora, Daniela Bouret, y Municipal de San Pablo de Brasil, representado por su director artístico, John Neschling, así como el INBA, representado por Lourdes Ambriz, directora artística de la Ópera de Bellas Artes e impulsora del proyecto



Los objetivos primordiales de Ópera Latinoamérica son el intercambio de información, la promoción y la formación de nuevos talentos artísticos de la región y la realización de cursos, talleres y clases magistrales enfocados al desarrollo integral de los intérpretes de bel canto, como lo informó la misma Lourdes Ambriz antes de iniciar este encuentro.



La soprano dijo que en el encuentro internacional de este año se tiene la oportunidad de reflexionar sobre los desafíos del siglo XXI en la ópera, la inclusión de las nuevas tecnologías en las transmisiones vía streaming como complementos o competencia, la apertura y la búsqueda hacia nuevos públicos y otros temas relevantes para el adecuado quehacer operístico.



Señaló que la Ópera de Bellas Artes esperó con interés este encuentro, ya que representa una gran oportunidad para compartir inquietudes con los directores de otros teatros y realizar un trabajo comparativo, y aseveró que “el talento de los cantantes mexicanos es reconocido internacionalmente, por eso esperamos que el encuentro genere oportunidades para nuestros artistas”.

NTX/JCC/NMN NMMN

Otra forma de mirar: "In seach of Julian Carrillo and Sonido 13" del musicólogo Alejandro L. Madrid

Fotografías: Cortesía del Museo Francisco Cossio

Por: Roberto A. Valenciano Capin.

" La música de Carrillo no era realmente  copias ni imitaciones de lo que mucha gente decía, sino que había que demostrar que eran obras originales y demostrar que Carrillo era un compositor que inventó un lenguaje musical  y no descubrió ciertos intervalos, sino que era un lenguaje musical que era congruente", son algunas de las pautas expuestas en el libro "In search of Julian Carrillo  and Sonido 13" del investigador y musicólogo Alejandro L. Madrid, fue presentado en la Sala Francisco de la Maza del Museo Francisco Cossio.

Un libro en donde su autor busca ser crítico de la figura de Carrillo. "Carrillo fue una persona bastante testaruda y se creó muchos enemigos y  yo quería explorar este lado también, no quería simplemente celebrar a Carrillo como un gran compositor, sino también quería explorar este lado de Carrillo como alguien que exageraba las cosas y de muchas de las virtudes que se tenían de Carrillo en las biografías valían ser más exageraciones que Carrillo de alguna manera fomento durante su vida".

"Bueno, decidí que la mejor forma era en poner en diálogo  estos eventos que habían de alguna manera marcado que era el sonido 13 para mí y para mis compañeros de generación, poner en diálogo  esta teoría del sonido que volvían locos a  los animales con lo que Carrillo decía sobre  de sí mismo".

De ahí que para el investigador de la Oxford University destacó la intención de poner a dialogar el presente con el pasado y  con el futuro del pasado, es decir, "como en el pasado Carrillo y sus alumnos imaginaron como el futuro iba ser, pero un futuro que nunca sucedió", expuestos a través de estos ocho vengativa que integran este libro publicado por la editorial norteamericana.

De esta manera, Madrid enfatizó en poner en diálogo y preguntarse porque es tan interesante  para estos músicos  y como es posible utilizar las ideas de Carrillo para inventarse un mundo nuevo, "no tenían nada que ver con Carrillo, pero que vuelven las ideas del sonido 13 algo relevante".

Un libro que brinda esta posibilidad de ver a un Carrillo diferente, explorarlo no como sus biografías lo pintan, sino a través de estos ciertos momentos que uno ve en esta espirituallidad que nadie habia visto en Carrillo.

Un libro que le tomo una investigación que dio inicio en 1997 y concluyó en el 2015. En el cual recurrió a instituciones tanto en México como  Estados Unidos, destacándose los documentos que ahora integran  el archivo perteneciente al gobierno de San Luis Potosí, el cual fue donado por sus descendientes, así como estas historias orales tanto con músicos o gente cercana al Mtro. Carrillo.

Al  complementarse esta presentacion con los infaltables ejemplos musicales, siendo estos: la pieza interpretada por la Mtra. Estrella Newman (+), la pieza - I think of you- basado en el poema  del poeta ingles Tenneson, al considerarla como una de las obras más logradas, así como un fragmento del cuarteto de cuerdas No. 6 (Ca. 1937), interpretado por el grupo Momenta.

Entre el proyecto mediato de Madrid se encuentra el dar a conocer los cuartetos de cuerdas del Mtro. Carrillo a traves del grupo Momenta y la posible grabación de los mismos.

Abierta la Convocatoria para la Muestra Nacional de Teatro

En Rueda de Prensa se presentó la Convocatoria y a la vez fue abierta para participar en la Muestra Nacional de Teatro (MNT), en su XXXVII edición, la cual se realizará del 3 al 12 de noviembre del 2016, cuya sede sera  San Luis Potosi.



Una  convocatoria que estara abierta hasta el 8 de julio de 2016, en donde podrán participar artistas, grupos, compañías, productores, programadores, directores de espacios, investigadores, críticos y creadores mexicanos radicados en nuestro país o en el extranjero, y la comunidad teatral en general.



Tras cuatro años de haber sido sede de la MNT, San Luis Potosí será nuevamente  estado anfitrión del encuentro en su 37ª edición, en el cual se  dará seguimiento al modelo que fue implementado en la 36 MNT, en la que se impulsó la crítica y la reflexión.



La Rueda de Prensa en la que se dieron a conocer los pormenores de la Convocatoria,
presidida por el Secretario de Cultura, Armando Herrera Silva, acompañado de  Martha Aguilar, Alberto Villarreal,  Juan Melia Huerta, coordinador nacional de teatro del INBAL y Laura Elena González Sánchez, directora del Centro



La Muestra es un espacio para visibilizar la actividad teatral y generar el análisis y el debate sobre los diferentes formatos, modelos de producción, objetivos y estilos formulados dentro del país y por mexicanos en el extranjero, y busca, asimismo, propiciar la vinculación, la observación, la convivencia y el intercambio entre los diferentes sectores creativos, de producción y de investigación teatral.



Esta edición se presenta como una oportunidad de reflexión crítica y de participación propositiva para renovar su estructura y los procedimientos con los que se lleva a cabo, de acuerdo con las demandas y necesidades de los creadores teatrales, para así dar forma a un encuentro incluyente de la diversidad del teatro que pueda ofrecer una mirada renovada del acontecer nacional en la materia.



La 37 MNT se caracterizará por su naturaleza híbrida, al desarrollar una vinculación entre los creadores de teatro y los diferentes públicos, con el fin de construir conocimiento, impulsar nuevas plataformas, fomentar ideas y críticas constructivas, y transmitir experiencias entre los diversos grupos.



Las líneas de participación se desarrollarán bajo las siguientes preguntas centrales: ¿Cuáles son los objetivos y las intenciones de los creadores escénicos al hacer teatro? y ¿qué aportación o relación se plantean en sus prácticas con la realidad nacional?.



La Secretaría de Cultura del Gobierno Federal; el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, y el Gobierno del Estado de San Luis Potosí, por medio de su Secretaría de Cultura y del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, convocan a participar en el proceso de selección para integrar la programación de la 37 Muestra Nacional de Teatro (MNT).



Con base en ellas, la 37 MNT se construirá desde cuatro ejes:


Programación de obras y experiencias escénicas, a partir de nueve líneas curatoriales: teatro comunitario, para públicos específicos (personas con discapacidad, grupos vulnerables y adultos mayores, entre otros), liminal o que cuestione los límites de las definiciones convencionales de la disciplina, de intención artística y propuesta estética, de intención en transformación social o política, de intención formativa, teatro y teatralidad en San Luis Potosí, experiencias teatrales que generan infraestructura y posibilidades de desarrollo en la materia, y teatro con finalidad empresarial y de entretenimiento.



El Encuentro de Reflexión e Intercambio (ERI) será una actividad pedagógica en la que los seleccionados darán a conocer un proyecto de intervención basado en alguna de las siguientes líneas: intencionalidad y razón de ser de la propuesta teatral presentada o poéticas de sus creadores y sus modelos estéticos (actoralidad, dramaturgia, espacialidad, dirección y concepción del teatro).



Se desarrollará también el 2º Congreso Nacional de Teatro, que contará con mesas de reflexión en las cuales los participantes expondrán y dialogarán sobre sus propuestas, así como la quinta edición del Encuentro de Programadores y Gestores, el cual, año con año, cuenta con la presencia de especialistas nacionales y extranjeros que permiten detonar la vinculación del teatro mexicano con el extranjero.



Para participar en la 37 MNT, las puestas en escena, las experiencias o los sucesos teatrales deberán haber sido presentados entre el 1 de enero de 2015 y el 5 de julio de 2016.



Se podrán integrar todas las formas de teatralidad, incluidas las propuestas que por su naturaleza no puedan ser presentadas de manera presencial (teatro penitenciario, fenómenos de naturaleza efímera, teatro en comunidades alejadas sin posibilidad de movilidad, etc.) y que serán expuestas en mesas de reflexión.



Los proyectos podrán participar mediante tres modalidades: inscripción directa, postulación de terceros o por envío de propuestas de acciones encaminadas al desarrollo y enriquecimiento de la MNT.



Su evaluación quedará a cargo de la Dirección Artística, conformada por Luz Emilia Aguilar Zinser y Alberto Villarreal, de la Ciudad de México; Martha Aguilar, de San Luis Potosí; Saúl Enríquez, de Quintana Roo, y Daniel Serrano, de Baja California.



Para el proceso de selección, la Dirección Artística evaluará que las obras y/o experiencias cuenten con valores de calidad, particularidad, excepcionalidad, propuesta, radicalidad o que sean estratégicos y/o significativos para la creación de comunidad, redes de intercambio o nuevos modelos artísticos o de estrategias de producción.



Los fenómenos teatrales o montajes seleccionados responderán a las valoraciones de importancia y repercusión donde se ha generado el proyecto, calidad del mismo, unicidad de la experiencia, y compromiso y viabilidad de la propuesta para el Encuentro de Reflexión e Intercambio presentada.



Esta convocatoria queda abierta a partir de su publicación y hasta el 8 de julio de 2016 a las 18:00 (hora del centro).

Últimos dias para disfrutar de la exposición "100 años del diseño industrial en Alemania" en Caja Real

Tiene hasta este domingo 29 de Mayo para disfrutar y asombrarse con esta magna exposicion integrada por  más de 500 objetos se encuentran en exhibición en una impresionante muestra de diseño y arquitectura en las galerías de Caja Real Centro Cultural, con entrada libre.



La exposición abarca 100 años de historia de lo que fuera la primera iniciativa de diseño industrial en Alemania, Deutscher Werkbund, antecesora de la Bauhaus. Su objetivo era mejorar la calidad de todos los bienes producidos industrialmente para volver a lograr una “cultura armoniosa” en un mundo que había sido cambiado por la industrialización y la urbanización masiva.



Concebida para conmemorar el centenario del Werkbund, esta exposición describe en siete secciones cronológicamente organizados: los esfuerzos, éxitos y logros de una de las más importantes e influyentes instituciones del siglo XX, que también marcó la vida cultural de otros países europeos y se proyectó de manera internacional.



Fue en octubre de 1907 cuando doce artistas y arquitectos se aliaron con doce empresas en una unión industrial que bautizaron como Deutscher Werkbund. La meta de embellecer el mundo industrial “desde el almohadón de sofá hasta el urbanismo” siguiendo criterios artísticos y el propósito de educar a los ciudadanos a través de objetos bien formados, orientó el trabajo del Deutscher Werkbund hasta el último tercio del siglo XX.



 100 años de historia del diseño industrial en Alemania se suma a los esfuerzos de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí y el Centro Cultural Aleman en San Luis Potosi, por ofrecer al público propuestas artísticas internacionales de vanguardia, como Line, Linie, Línea (2012), Recuerdos de Brasilia (2012) y más recientemente Los Caprichos y Disparates de Goya (2015).



Abierto de martes a sábado de 10:00 a 18:00 horas y los domingos de 10:00 a 16:00 horas, todos los días con entrada libre.

Últimas funciones de la obra " Inmarcesible o la habilidad de volar en el tiempo" en el Foro Teatral La Carrilla

El Grupo de teatro "El gato de Schrödinger" invita a disfrutar de las funciones del montaje: "Inmarcesible o la habilidad de volar en el tiempo". Del 13 al 28 de Mayo en el Foro Teatral La Carrilla.



Cumplir los sueños requiere tiempo, paciencia y esfuerzo, o al menos eso dicen los motivadores profesionales; sin embargo, la verdad es que los sueños se cumplen de un día para otro, o no se cumplen en 50 años. Inmarcesible nos presenta el encuentro entre tres jóvenes a la espera de cumplir sus sueños algún día, y mientras tanto se cuestionan y discuten a cerca de lo que hacen otras personas para realizar sus propios sueños y de los obstáculos a los que todo soñador se debe enfrentar.



Una antología de sueños cumplidos y no cumplidos que habla sobre el tiempo y la esperanza. Un montaje con el que todo quien ha tenido un sueño seguramente se identificará.

Los horarios son: Viernes a las  20:30 horas y Sábado a las 19:00 horas, respectivamente.

Lugar:

Foro Teatral La Carrilla ubicado en Himno Nacional 4000-A (A un costado del Auditorio Miguel Barragán).

Costo:
Entrada general $70
Estudiantes e INAPAM $50
Colaboradores $50

Dirección: Alberto Quintero
Producción: El Gato de Schrödinger
Producción visual: Samantha Valerio
Difusión: Eduardo Iván Acosta
Técnico de iluminación, audio y video: Alfonso Alarcón

En escena:
Alberto Quintero
Eduardo Iván Acosta
Samantha Valerio.