Una anoxeria dancística, Balanz Ballet en el Lila López

En Memoria del MTRO. Eduardo López Lemus

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Muchas de las veces se cuenta mas por la intención de plantear un hecho escénico sustentado en dejar a un lado de todos los parámetros y temáticas recurrentes, para incidir en temas sociales que provoquen conciencia entre la comunidad, esto es lo que ofreció la compañía tapatía  Balanz Ballet bajo la dirección de Guadalupe Leyva Hinojosa.

 

Un trabajo o mas un tiento escénico " cero x ciento" a través de una serie de inconexas micro historias que supuestamente van armando este suceso bajo el let motif de plasmar estos males sociales como es la: bulimia, la anorexia .

 

Explicaron a través del ballet contemporáneo, la tragedia emocional y psicológica de los trastornos alimenticios en una época donde la autoestima no es freno suficiente para el lento deterioro de tantas niñas, adolescentes y adultas que, desgraciadamente, no logran encontrar su sitio entre los esquemas de perfección establecidos.

Inicialmente damos cuenta de un nulo lenguaje propio y por lo tanto una identidad dancística. Por lo tanto, sustentando su dramaturgia en base a una seriación de movimientos, trazos deshilados, sencillos y desarticulados, aunado con una gracia muy artificiosa, pero aun así aciertan en crear y plasmar logradas imágenes.

A pesar del gran esfuerzo de los bailarines por tratar de articular un discurso de movimiento, solventar las emociones y situaciones que contrae el tema expuesto es sutilmente rescatado.

Llenos de clichés en sus personajes o alegorías, una seria falta de creatividad hasta con la certera utilización de los elementos. Para dar una lectura equivoca de lo planteado. 

Reflejo de no lograr fundamentar su sentimiento de pertenencia, fue la constante salida de los asistentes de este recinto centenario del Teatro de la Paz.

A pocos días de que termine el XXXIII Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López, un lamentable retroceso en cuanto a lo esperado por el público y por lo programado por los organizadores de este decano festival.

 

Fallece uno de los referentes del jazz argentino. Walter Malosetti

 

 

Tras una larga enfermedad, el guitarrista argentino de jazz Walter Malosetti murió el 29 de julio, en Buenos Aires. Tenía 82 años. Nacido en la ciudad de Córdoba, desde principios de los años cincuenta, Malosetti fue uno de los referentes del jazz argentino.

 

A lo largo de su carrera, formó diversas bandas, como Crazy Fingers, Blue String, Swing Timers, Satch, Swing Club y el mítico SWING 39.

 

El guitarrista ha compartido escenario con muchos otros músicos a nivel nacional e internacional . El "Gato" Barbieri, Jim Hall, Oscar Alemán, Hernán Oliva, Enrique “Mono” Villegas, Lalo Schiffrin, Teddy Wilson, Earl Hines, Karlheins Miklin , son solo algunos entre ellos.

 

En la década del ´60 creo la primera escuela de jazz en Argentina, de la cual salieron músicos muy destacados en la actualidad.

 

Que en paz descanse, el jazz esta de luto.

Invitación al curso de "iniciacion a la enseñanza de la guitarra clásica" en el IPBA

Llega este 2 de Agosto el ska de Maskatesta al foro del Steel Metal Bunker.

Puro baile y buena vibra son los muchachos de Maskatesta. Mediante letras sugerentes, relatan pequeñas historias que nos alejan de nuestra cotidianeidad y nos invitan a vivir, recordar y bailar. Esto, aunado con el talento de Israel, Daniel, Fernando, Felipe, Juan, Fernando (sí, otro Fernando), Luis, David y Oscar, genera una energía impresionante en cada una de sus presentaciones en vivo.

El grupo se formó en el año 2002. Al respecto, los integrantes de la banda comentan: “Mentes encontradas e ilusiones nos inspiraban a crear un proyecto de la música que amamos, que nos une y con el afán de llenar un hueco en la escena del ska”.

Maskatesta se ha presentado en lugares importantes de la Ciudad de México y también ha salido a varios estados del interior de la República, como Puebla, Hidalgo y Querétaro. Han alternado con bandas de renombre nacional como Café Tacvba y Molotov, y en esta edición del Vive Latino repiten dicha experiencia.

En el 2007 sacan su primer disco de larga duración, el cual contiene el ya emblemático tema "¿Tú qué pedirás?". Su más reciente producción discográfica oficial es un concierto en vivo con Big Band Orchestra.

Después de su exitosa presentación en el Teatro Metropólitan en agosto de 2012, donde celebraron su aniversario número ocho, Maskatesta regresa este 2013 a los escenarios para dar a conocer su nuevo material discográfico "Fiesta ska" y San Luis será uno de los afortunados de ser parte de este festín musical bajo el timming del antañero pero disfrutable two tone and ska.

Además de las bandas potosinas: Somos nosotros, Zhon del Ghetto y dos bandas mas.

Todo en este gran foro que es el Steel Metal Bunker y Freedom Sounds.
 

 

Hoy se proyecta el documental "Viva México " en la sala de proyecciones del CANTE

 

 

Cuando Hilda tenía 18 años fue acusada por el delito de aborto mientras era atendida en el Hospital Básico Comunitario, institución pública de salud en Tamuín, SLP, a donde acudió debido a una fuerte hemorragia provocada por una jornada de trabajo extenuante para acarrear agua a su casa. La doctora condicionó la atención médica a que se auto incriminara. Fue denunciada por una trabajadora social de dicha institución.

 El pasado 5 de abril de 2013, se le sentenció a un año de prisión pese a que quedó evidenci...ado que no existen pruebas que demuestren su responsabilidad. Hilda ha apelado la arbitraria decisión del Juez, el próximo 2 de agosto la 5ª Sala Mixta del Supremo Tribunal de Justicia de San Luis Potosí deberá resolver el asunto.

GIRE, A.C. en colaboración con Propuesta Cívica, A.C.
 

Convoca a la proyección del documental "Viva México", en el que se aborda el caso de Hilda y el de otras tres mujeres más criminalizadas.
 

Se contará con la asistencia de integrantes de la asociación GIRE y la Dra. Oresta López Pérez, investigadora del COLSAN.
 

Sala de proyecciones del CANTE en el Centro de las Artes de SLP, 19:00 horas. Entrada gratuita.

Ballet Provincial en la puntualidad de encuentros

En memoria del Mtro. Eduardo López Lemus

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

En momentos es importante ser  testigos de estos primeros tratamientos, un paso mas allá del  planteamiento original de su sentido coreográfico,  a la par ser indiscutiblemente parte en este proceso creativo. Esto es lo que suscitó en esta función dancística propuesta por una de las decanas compañías nacionales como es el Ballet Provincial en esta segunda sesión de proyectos dancísticos generados en esta tierra del Tunal Grande.

 

Como antesala,  la algarabía de las pequeñas y adolescentes aprendices tepsicorianas matehualenses en conjunción de sus padres y familiares inundaron de ese ímpetu y alegría a esta sala.

Para irse disipando al arribo y el mediato cobijo y a la vez reforzar la identidad de aquellos gustosos que han seguido fielmente este transitar creativo de este ballet potosino que el próximo año cumplen cincuenta años de compartir este arte tepsicoriano.

Un Coloso de Villerías que nuevamente vibro ante el ipso facto bravo y el aplauso cuando anunciaron al Ballet Provincial de la Mtra. Lila López, ahora bajo la dirección general de la Mtra. Carmen Alvarado .

Una función que demarca su propio devenir, al ser denominada como “Punto de Encuentro” y estar integrado por cuatro obras, tres de ellas en proceso de creación, pero con un punto de encuentro, la historia de un ballet con un gran legado y una huella perdurable en la historia dancística del escenario potosino.

Opuestos somos (2011) de César Montalvo. Una pieza con mucho oficio, tenaz reflejo en el trabajo en sus bailarines- Luis Fernando Loredo y Laura Pacheco-en donde la oposición es solo el let motiv para detonar toda esa potencialidad no solo corpórea, ni de afrenta, sino más bien de compaginar sensaciones, evocaciones, anhelos, las cuales coadyuvan a esa inquietante y excelso diálogo a través del movimiento, quien en esta versión  al experimentar con una secuencia de animación de movimiento en video en vez de sus sombras, dándose una fallida conversación y comentar que no hizo ese click que buscaba, pero aun así se destaca un dominio desplegado bajo esa hechizante visión de quien es el opuesto de quién.

Llega el trabajo en proceso de uno de los dos coreógrafo invitados, Diego Cosignani y su  "Creativa mente".

Una obra que a pesar de estar en proceso, a partir de su detonante que es el proceso mismo de la creación, ya se detenta su pulso y refleja la  sutileza misma en su ejecución de esta conjunción de elementos que le dan su personalidad reflejas en las  cadencias, la creación de atmosferas a través del bailarín  y su extensión de movimiento, para sin más volverse en una decantada degustación que te dan ganas de dejarte ir no solo por esta pulsación dancística, sino por este entramado propuesto por este joven coreógrafo italiano.

"Mimicry" del joven creador y bailarín potosino, Fernando Domínguez. Solo basto un sillón blanco y una extensión de pasto en su lado derecho y el linóleo en su contraparte.

Para detentar, este solo en donde el ejecutante despliega a través de su propia investigación de movimiento, a partir de detonadores despliega todo este discurso corporal  a través de una calidad y  una sutileza de movimientos, sostenidos y fuertes, creando atmosferas y la plusvalía de hacerlo sentir en la contraparte, el público.

Arma Liliac. Una pieza exprofesa hecha para los festejos del cincuenta aniversario en donde muestra Domínguez a un Provincial que se ha mantenido como una armada, como ejército, al evocar a todos los veteranos de Lila, "al saber que en el Provincial han pasado muchas generaciones".

Al utilizar a todos los integrantes de la compañía Con una construcción escénica sólida y un guión sustentado en los movimientos de las bandas de guerra secreta en Europa, especialmente las suecas.

Para detonar una serie de secuencias de movimientos y de ahí buscar similitudes sobre este movimiento y buscar el mismo efecto pero ya llevándolo al terreno de la danza.

Dando lugar a una coreografía de gran intensidad, más allá de la anécdota de la puesta en diálogo de los dos estilos. Lo militar y lo contemporáneo.

Los bailarines comenzaron su ejecución uno a uno incorporándose a este cuerpo, creando un heterogeneidad que se fue difuminando con esta seriación de movimientos, delegando lo estrictamente formal por este secuencia lúdica y precisa de movimiento.

Es de destacar el uso sobrio, puntual e inteligente de la iluminación creada por el Mtro. David Arredondo,  dándole las atmosferas, ambientes, carácter y el dialogo con lo propuesto por Fernando Domínguez, así como el  arte electrónico de Sexymapping a través de la animación que refracta a los que integran a estas recientes generaciones de esta decana institución dancística. 
 

Nuevamente quedo presente sin cortapisas, el fraternal cobijo de su gente, sus cómplices y aquellos que por primera vez lo veía, a través de los bravos en pie, el aplauso que hizo cimbrar nuevamente este Coloso de Villerías y agradecer esta constancia, amor a la danza de la compañía de los potosinos, Ballet Provincial de la Mtra. Lila López.

Si bien, fuimos testigos de un rostro bien diferente y cambiante pero sin dejar a un lado el apego de la esencia de lo que es y será el Ballet Provincial.

Llega esta plegaria de un loco, el heavy metal de tradición, LUZBEL, este 3 de Agosto en el Steel Metal Bunker

 

Simplemente referirse a Luzbel es remitirnos a una banda mexicana pionera en este estilo del Heavy metal. Fundada en 1983 por el guitarrista Raúl Fernández Greñas y el bajista Antonio Morante, tras el regreso a México del primero (por problemas de migración), después de haber sido miembro de una formación musical en Inglaterra llamada Red, que tomaba como referencia en su sonido a grupos británicos de la NWOBHM, principalmente Iron Maiden y Judas Priest.

 

Al igual que muchas bandas de metal mexicano, Luzbel nunca recibió el suficiente apoyo, ni el merecido reconocimiento; teniendo que soportar desde sus inicios represión por parte del gobierno y, sobre todo, de algunos cultos religiosos. A pesar de eso, Luzbel logró dejar un gran legado para todos sus seguidores, ya que la calidad de su música siempre se mantuvo en un nivel elevado; por ende, consiguió gran fama entre el público de los años 80s y 90s; convirtiéndose no sólo en la primera, sino en la mejor y más exitosa banda de metal mexicano de su tiempo, con canciones que se convirtieron en clásicos como «El loco», «La gran ciudad», «Pasaporte al infierno», «Por piedad», «Criaturas de la noche», «souvenir»,«paradoja», entre otras.

 

Ahora Raúl Greñas después de casi 16 años de ausencia vuelve al mundo del Heavy Metal, resucitando a la emblemática banda LUZBEL, con una nueva alineación. Voz, teclados, bajo, batería, todo es sangre nueva, recuperando el auténtico sonido de la banda... 

 

Se parte este 3 de Agosto de esta "gran plegaria de un  loco" en el foro del Steel Metal Bunker.

 

Además compartirán este importante escenario, las bandas potosinas de Aria Infuriata, Ave de Fuego y Lexee.

 

Apoya el metal en todos sus dimensiones.

Radaíd se presentará en el Plaza Condesa

 

Un dueto que con el tiempo se volvió un octeto es Radaíd, la banda tapatía que regresa a la ciudad de México para deleitar a sus fanáticos el viernes 9 de agosto en el Auditorio Plaza Condesa, ahí durante una hora con 45 minutos tocarán temas de sus cuatro producciones discográficas.

 

En conferencia de prensa, Saúl Ledesma alias ‘El Muerto’ adelantó que sus invitados sorpresa son grandes artistas dentro del escenario nacional. Estuvieron acompañándolo Daniella Lazzeri, Sofía Orozco, Emmanuel Macías, ‘Darko’ Palacios, Yolihuani Curiel, Fernando Arias y Víctor Aguilar.

 

La música que Radaíd toca es una fusión de electroacústica con étnica y llevan haciéndola más de 13 años y cuatro álbumes: ‘Radaíd’, ‘Luz Escondida’, ‘L’Intent’ y el más reciente es ‘The Willing’ que ellos entienden como el deseoso o voluntarioso, sus discos pueden conseguirse en formatos físicos y compras digitales en la tienda de música de la manzanita.

 

Quienes se han atrevido a clasificarlos musicalmente dictaminan que Radaíd es una fusión de ‘Trip Hop’, ‘Indie Rock’, ‘Electronic’ y ‘World Music’. Tal es su atractivo que en Europa se les considera un grupo de culto puesto que fusionan muy bien los instrumentos de cinco continentes, complementan elementos de ‘Pop’ y no les creen que sean una agrupación mexicana de música.

Pone su huella, el danzar matehualense en el Lila López

En memoria del Mtro. Eduardo López Lemus

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Un día enteramente dedicado al quehacer dancístico potosino, en su primera sesión dancística, expusieron su proceso creativo, la compañía "Danzul" dirigido por Ricardo Loera Medina y el Centro Cultural Municipal de Matehuala bajo la dirección conjunta de Fátima Adela Garay López y Marilyn Narváez  Rangel, al tener como foro el majestuoso Coloso de Villerías.

 

Esta joven compañía Danzul, fundada en 2007 ofreció su trabajo coreográfico " Reloj de arena". Una obra que demuestra oficio en su planteamiento coreográfico, apelando a una dramaturgia que se sostiene y se desentraña en cuanto a esta cuestión de la levedad del tiempo en las relaciones humanas.

Al ser albergadas y desplegadas estas pautas en personajes que a pesar de aferrarse, siguen adelante a pesar del dolor, el desencanto y el cansancio.

 

A pesar de partir de un lugar cotidiano, una estación de pasajeros, se vuelve no solo un detonante para impulsar  esta serie de historias entrelazadas a partir de  un discurso de movimiento sustentado en   movimientos enérgicos,  cargadas, contrapesos, desplazamientos en el suelo y cierto virtuosismo,  en momentos se vuelven más teatrales, para ser contrapesados con secuencias muy bien logradas que te hacen ser participes de lo que ocurre en el escenario, aunado a la puntual incorporación de elementos: cubetas, la arena, una carretilla.

 

A pesar del incierto de la utilización de elementos como las telas que funcionaron mas como distractores y un final muy  letargado y apenas rescatado.

  

Aun así,  esta compañía integrada por: Pedro Adrián Estrada Mendoza, Fátima Adela Gaytán, Ilse Mariel de León López, Sobeida Saraí Villanueva , Ada Sarai García y Efrén Hernández  se llevaron los aplausos de los ahí presentes y dejaron un buen sabor de boca y lograr su cometido de hacer presente su quehacer dancístico que se realiza en esta parte del altiplano potosino.

Y ser corroborado en el plano de este proceso iniciático en este devenir danzario por lo propuesto por el Centro Cultural Municipal de Matehuala bajo la dirección conjunta de Fátima Adela Garay López y Marilyn Narváez  Rangel.

A través de estos ejercicios dancísticos de las alumnas que integran esta escuela formativa, en donde se pudo disfrutar de la homogeneidad en cuanto a la calidad de movimiento, el acercamiento a través del sentido lúdico escénico, la gracia y ante todo el entusiasmo y la entrega de sus interpretes.

Entre el nerviosismo, sobresalió en las pequeñas y adolescentes esas ganas de bailar y disfrutar lo propuesto y trazado por sus maestras, ante esa  otra iluminación creada por los flashes de las cámaras de sus familiares y amigos que le dieron ese plus al foro de este majestuoso Teatro de la Paz.

 

Todo bajo el titulo de " danzas del desierto" que se despliega en cinco cortes: "almas de alegría", " serendipias", " fría mañana de soledad",  " cuando los ojos se cierran" y " sin tiempo para vivir".

 

De esta manera, el Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López, además convertirse en el escenario indicado para que las grandes compañías del mundo expongan sus propuestas dancísticas, también se tiene el objetivo de ser una plataforma para las jóvenes agrupaciones potosinas también propongan su quehacer danzario.

 

Landscape presenta su tercera danza multimedia-Violeta"- este 1 y 2 de Agosto en el Rino

"Violeta" /Danza Multimedia
(México- Bélgica)

Es la tercera pieza de la serie del proyecto Chorma Project, que utiliza los colores como detonadores del discurso escénico. En este caso VIOLETA no solo es un color sino un personaje, el cual está inspirado en la literatura del escritor Millorad Pavic, quien en sus reiterados referentes al doble; genera la existencia de una mujer que habita en dos cuerpos, dos tiempos, dos espacios distintos.

Funciones: Jueves 1 y Viernes 2 / 8pm
Sábado 3 y Domingo 4 de Agosto /7pm

Admisión general: $90.00
Amigos del teatro, Estudiantes e INAPAM: $50.00
Vecinos del teatro: $35.00

Taller "Fundamentos de Gramática Escénica para Espacios Públicos" en el IPBA

 

El Instituto Potosino de Bellas Artes invita al taller de fundamentos de “Gramática Escénica para Espacios Públicos” la cual tiene como objetivo realizar una investigación sobre la producción escénica en los espacios públicos.

 

El taller tiene un costo de $500 pesos y se encuentra dirigido especialmente para artistas escénicos, será impartido por Saúl Meléndez Viana del 29 de Julio al 3 de agosto de 11 a 14 y de 19 a 22 horas.

 

Viana es director de escena y actor. Es integrante del Taller del Sótano de José Acosta y colaborados de José Caballero, Luis de Tavira y Abraham Oceransky.

Es maestro de actuación en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Participa en el proyecto San Cayetano de Casa del Teatro,  y la carrera de teatro en la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Directos de Artes Escénicas del Instituto de Cultura de Yucatán, Subcoordinador Nacional de Teatro del INBA desde 2007.

Algunas de sus puestas en escena son: Murmullos o De cómo el alma de Rulfo se perdió en la Ciudad, Jennifer, una sombra en la oscuridad, El tesoro perdido, Intervalo y Ubú desencadenado.

El Objetivo de este taller es investigar sobre la expresividad actoral al servicio de la producción escénica para espacios públicos. Se plantea una exploración que conduzca al actor a utilizar su capacidad de proyección instintiva y preverbal para desembocar en la palabra como recipiente de contenidos inconscientes en la creación de una poética de significados inusuales.

Está dirigido a artistas escénicos con interés en desarrollar capacidades nuevas para tener un mejor uso del espacio generando un conjunto entre el cuerpo, el medio y el entorno.

El taller dará comienzo el próximo 29 de julio y terminara el 3 de agosto en un horario de 11 a 14 h. o de 19 a 22 h con un costo de $500.

Para mayores informes en el Instituto Potosino de Bellas Artes ubicado en Av. Universidad esq. Constitución s/n o a los teléfonos 8 22 12 06 y 8 22 01 66.

Singular travesia dancistica por esta consagracion musical: Marie Chouinard

En memoria del Mtro. Eduardo López Lemus

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Quizás todo este extraño velo propuesto por Marie Chouinard, una de las coreógrafas más provocadoras de la escena internacional se hizo presente y  permeó en esta noche de luna creciente en esta capital potosina, al presentarse en esta XXXIII edición del Festival Internacional de danza contemporánea Lila López (FIDCLL).

 

En este centenario, Teatro de la Paz se dejo sentir y aflorar la certidumbre, nerviosismo y  una gran expectativa  para ser testigos de esta "gran función dancística" y una de las mas cartas  fuertes y mas remunerada y  ofertada para esta edición del FIDCLL. Por cierto, con antelación volaron los boletos de cortesía a pesar de las acostumbradas quejas que se suscitan entorno al mismo.

Un día que fue muy ajetreado para sus organizadores,  la premura refleja por indicar al  público sus lugares, las constantes peticiones de los organizadores por evitar tomar fotos, videos y hasta hablar al público en la función, aunque estas indicaciones  en momentos quedaron a un lado ante el llorido de un pequeño, el celular sonando y el dejarse escuchar sutilmente un ¡Ya vámonos mamá!.

 

Se envuelve en una parcial oscuridad la sala de este Coloso de Villerías. Un telón que se abre lentamente sus dos grandes ventanas para poder disfrutar de dos propuesta coreográfica de repertorio de esta compañía canadiense: La siesta de un fauno- Des feux dans la nuit -, basado en la obra musical de Claude Debussy y complementarla con la doble conmemoración; Los cien años y los veinte años de su creación de  "la consagración de la primavera", recordada como la obra que mayor escándalo ha creado en la historia de la música, y es que sus ritmos disonantes y los sexuales movimientos escénicos perturbaron a la sociedad parísina de principios de siglo. Incluso se ha dicho que esa noche hubo golpes y gritos en la audiencia, frente a la mirada atónita del propio Stravinsky que, escribiría después, nunca había sentido tanta rabia ante la incomprensión de su obra. a partir de la partitura de Igor Stravinsky.

 

Una  siesta de un fauno- Des feux dans la nuit -. Un solo para bailarina en el que se observa cómo Chouinard es una artista interesada en hurgar en el infinito todas las posibilidades de movimiento del cuerpo.

Para algunos coreógrafos y maestros consideraron con la presentación de esta coreografía creada en 1999, bastaba para ser un programa puntual y satisfactorio,  así como otros mas comentaban y agradecían la oportunidad de disfrutar solo obras de repertorio sino también degustar de trabajos de reciente manufactura creativa.

Ya amainaba un poco la tensión y las expectativas con esta primera coreografía propuesta por esta compañía dancística creada en 1990, aun cuando todavía se deja entrever las pautas impuesta por esta compañía. Reflejas en las ultimas recomendaciones a un público que abarroto este recinto.

 

Diez bailarines impulsados por una fuerza misteriosa se sumen en la música con una impetuosidad orgiástica, poderosa y exultante y ser  por tanto testigos de una exposición de una cartografía potenciada en cuanto a este proceso de investigación del movimiento, nueva geografía del cuerpo a partir de la premisa del máximo grado de conciencia corporal  a partir de su sentido primigenio, complementado bajo el arrojo de cuerpos decididos hacia su propia reinvención simbólica y las expectativas receptivas en la otredad, el público.

Reflejas en una obra creada hace veinte años, en donde para algunos es viable a la distancia, para muchos otros, un deleite estético-danzario, un aprendizaje y el asombro por ser testigos de este proceso de investigación que se detenta en un  lenguaje auténtico o, mas bien,  la autopercepción en la codificación corporal, para otros una reiteración del impulso generador  de pasajes corporalmente estridentes que aun así convergen al vértigo de un imaginario que se desdobla en atmósferas de gran  fuerza, impacto visual y la infalible búsqueda de una poética con cierta estelas de calidez.

 

Aun cuando la coreógrafa canadiense lo declaro y reseño su versión de esta monumental obra en reciente entrevista telefónica a los medios nacionales: "   Movimientos vigorosos silvestres cuerpo, teñidas de un primitivismo excepcionalmente elocuente, algo fuerte y terrenal que agita su alma" y "Todas las formas son el movimiento a través del espacio de una energía vital".

 

A pesar de que la forma muy particular de hacer danza, La Chouinard no hizo acto de presencia en esta gira a México, así como dimos cuenta de los prebendas impuestas y cumplidas por los organizadores. El público se le entrego al dejarse escuchar el bravo y el aplauso al trabajo propuesto por sus excelentes bailarines, quienes salieron varias veces para agradecer el recibimiento de no solamente los potosinos sino también visitantes.

De esta manera concluye la intervención de las compañías extranjeras propuestas en esta XXIII Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López y en su ultima semana de esta gran fiesta de la danza, como también se le conoce a  este decano Festival.

Llegan las Reinas Chulas, este 31 de Julio con "Nosotras, las Proles" a la Cineteca Alameda

 

Este  miércoles 31 de julio a las 21:00 horas, la Cineteca Alameda presenta un espectáculo de teatro-cabaret, pocas veces visto en San Luis Potosí, en el cual se contará con la actuación de la agrupación teatral Las Reinas Chulas, quien en esta ocasión presenta su trabajo “Nosotras las proles”.

Las Reinas Chulas cuenta con una amplia trayectoria teatral, conformada por más 40 espectáculos de cabaret montados a lo largo de su carrera, con los cuales han cautivado a públicos de Europa, Asia, Estados Unidos y Latinoamérica.

El grupo está conformado desde sus inicios por Marisol Gasé, Ana Francis Mor, Cecilia Sotres y Nora Huerta, quienes además de desempeñar su vocación teatral, con sus obras promueven los derechos de las mujeres, abogan por el respeto a la diversidad sexual, además de que dirigen, escriben, actúan con el interés de abrir más espacios para hacer un mejor cabaret político.

Las actrices y dramaturgas son dueñas de un humor inteligente, el cual logran transmitir, gracias a sus estudios actorales, su convicción por hacer un teatro crítico, hilarante e inteligente, procurando siempre defender y ejercer la libertad de expresión.

Con ese afán irónico que las caracteriza, en nosotras Las Proles, Las Reinas Chulas reúnen en el escenario a íconos de la época de oro del cine nacional conocidos a través de películas como Nosotros los pobres; Los Tres García; Angelitos Negros; Tizoc; y Simón en el desierto, buscando reflexionar sobre el futuro del país, dentro de lo cual proponen que en México no se pueden resolver los problemas, porque siempre hay una emergencia más importante por atender.

Con espectáculos como este, la Cineteca Alameda se sigue posicionado en la preferencia del público por su gran cantidad de actividades del presente año, en el que además de continuar con la tradición de  presentar las muestras y foros internacionales de cine, ha sorprendido con estrenos exclusivos que difícilmente podemos disfrutar en otros espacios, y a ampliando horizontes, ahora nos ofrecerá la oportunidad de presenciar una Noche de teatro-cabaret para consentir a sus seguidores.
 
Preventa: $200
Día del evento: $250

Venta de boletos en Taquilla de Cineteca Alameda, de 12:00 a 20:00 hrs

ACTUARÁ LA ORQUESTA SINFÓNICA INFANTIL Y JUVENIL DE MÉXICO. ESTE 30 DE LJULIO EN LA CINETECA ALAMEDA

 

Dentro de su 22ª. Gira Nacional, la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de México (OSIM) se presentará en San Luis Potosí el próximo martes 30 de julio a las 19:00 horas en las instalaciones de la Cineteca Alameda, en un evento que ha sido organizado para ofrecerlo con entrada libre.

Dicha presentación es parte de la serie de conciertos que se ofrecerán en más de media docena de localidades durante este verano, en las que incluye a San Juan del Río, Querétaro, el 28 de julio; 29 de julio. Guanajuato; 30 de julio, San Luis Potosí; 31 de julio, Morelia, Michoacán; 1 de agosto, Zamora, Michoacán; 2 de agosto, Nurío, Michoacán; y 3 de agosto, Iztapalapa, Distrito Federal.

La OSIM fue creada en 2001 con el objetivo de fortalecer el aprendizaje musical y la práctica orquestal de niños entre 8 y 17 años de edad con talento musical sobresaliente, y cada año se abre una convocatoria nacional para seleccionar a sus integrantes, que proceden de los 31 estados de la República y el Distrito Federal, haciendo un total de 160 músicos.

Los seleccionados se reúnen en un campamento intensivo de estudio, donde tienen acceso a profesores especializados en cada uno de los instrumentos sinfónicos. Así, perfeccionan su técnica e interpretación, además de trabajar el repertorio seleccionado para una serie de presentaciones en el marco de la gira nacional de conciertos.

La revisión del repertorio, estudio, ensayos seccionales y ensayos tutti se encaminan a cohesionar los esfuerzos individuales y promover un sentido del trabajo en equipo, además de desarrollar una sana convivencia.

Hasta diciembre de 2012, la OSIM había realizado 21 giras nacionales y 3 internacionales, con 175 conciertos, ante más de 216 mil espectadores, en los foros más importantes del país y el extranjero, como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcóyotl, el Meyerson Symphony Center en Dallas, Texas, y dentro de de las celebraciones por su 5º aniversario, un concierto en el Auditorio Nacional, con la presencia de jóvenes que en alguna época fueron integrantes de la orquesta, así como 200 niños, miembros del Coro Infantil de la República.

En 2004 y 2006, a invitación de la asociación Imagination Celebration, realizó dos giras internacionales por Texas, Estados Unidos. En 2004 alternó con la Youth Orchestra of San Antonio y la Youth Orchestra of Fort Worth, y en noviembre de 2005 emprendió su segunda gira internacional por seis ciudades de España.

La orquesta se ha consolidado como un programa que contribuye con la educación de niños y jóvenes del país, ya que les da oportunidad de ser parte de un ensamble musical representativo nacional de excelencia, que a su vez fomenta la creación de públicos para la apreciación artística.

Con más de once años de trayectoria, la OSIM es hoy día la agrupación orquestal infantil juvenil más importante del país y es uno de los proyectos cumbre del Sistema Nacional de Fomento Musical, como un semillero de jóvenes talentos, muchos de ellos, ahora, parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez, así como de las orquestas profesionales más importantes de México.

El trabajo constante de los padres de familia, directores de las orquestas infantiles y juveniles del país, profesores, voluntarios y personal de apoyo, ha sido fundamental para el éxito del proyecto.

Este programa se realiza desde el Sistema Nacional de Fomento Musical del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y en este año 2013, la agrupación cumplirá su décimo segundo aniversario.

 

 

Taller básico de creación y construcción de textos teatrales con el Dramaturgo y periodista cultural independiente, Antonio Trejo

 

 

Taller básico de creación y construcción de textos teatrales; Dirigido a Jóvenes y adultos con alguna experiencia previa en el ejercicio de las letras o el arte escénico.

Impartido por el Maestro: Antonio Trejo (Dramaturgo y periodista cultural independiente)

Inicia: Jueves 1° de Agosto- Termina 27 de Agosto
4 Semanas. 8 Sesiones en total
Horarios: Martes y Jueves de 18:00 a 20:30 Hrs.
Sede: Centro Cultural Mariano Jiménez

Informes e Inscripciones vía e-mail : redculturasanluis.com@gamail.com y e1000iodelgado@htmail.com

                                         
Cuota de recuperación: $ 250.00

Hoy, Foco al Aire Producciones en el Festival Lila López

Este domingo 28 de Julio, se presenta Foco al Aire Producciones, con la obra "Idea de una pasión"  en el Teatro de la Paz en punto de las 8:30 pm.

Les recordamos que la entrada es completamente gratuita.

 

Foco al Aire. (Distrito Federal).  

Se funda en 1999 y se ha presentado en Alemania, donde se fundó y en Japón, Holanda, México y Argentina.

Entre sus obras hechas en el extranjero destacan: Piazzolla, Tiempo Constante, Stattwald, Doors & N...

ostalgias. La compañía ha obtenido diversos premios y reconocimientos tanto nacionales como internacionales.

Directores:

Marcela Sánchez Mota.

Socióloga. Realizó estudios de danza clásica en la Royal Academy de Coyoacán y San Ángel. Fue miembro fundador de la compañía Utopía Danza-Teatro donde además de intérprete fue creadora de textos y coreógrafa. Es becada por Tanz Projekt en Colonia, Alemania. Funda y dirige la escuela de danza y teatro Espacio libre de arte, el Fauno.

 

Trabaja en talleres de máscara corporal (técnica Jacques Lecoq). Es acreedora del Premio Virginia Fábregas por su pieza de máscara corporales: Melquíades. Realiza proyectos artísticos del Instituto de México en Paris, Francia. Premio Nacional Juan Rulfo. Desde enero del 2010 codirige la compañía Foco alAire con Octavio Zeivy.

Octavio Zeivy.

Después de una rigurosa formación dentro de la danza clásica, inicia su carrera coreográfica dentro de diversas compañías. Se integra a Folkwang Hochschule en Essen, Alemania donde funda en 1999 la compañía Foco alAire producciones. Es egresado del Institute for the Arts, Hogeschool voor de Kunsten (HKA) Arnhem en Holanda en el 2004. Recibió Mención Honorífica y Premio a Mejor Iluminación con la pieza Doña Gloria.

Proyecto Coyote y su ritual de la ponzoña en el Lila López

Fotos: Francisco Acosta

En memoria del MTRO. Eduardo López Lemus

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Cuando una serie de movimiento se transforman en un manifiesto de identidad, una sostenida memoria de lo que somos y de lo que queremos (pretendemos) ser. Y es precisamente a través de la danza que da esa independencia a través de este sello corpóreo celebra y se expresa con mayor ímpetu.

Esto es lo que se suscito en una de las veredas pocas veces frecuentadas o requeridas por muchos proyectos dancísticos, sustancialmente el ponerse en un  reto pleno  el hecho de provocar  este suceso dancístico en la calle, como lo realizó  en su momento en esta fiesta de la danza por Zona Abierta y ahora por Proyecto Coyote con su obra  “El ritual de la ponzoña”.

 

Al ser la parte lateral de la conocida Casa de la Galleta,  como se le conoce a este edificio que hospeda a la Secretaria de Cultura potosina y el callejón de San Francisco fueron tomados como let motiv escenográfíco de este ejercicio dancístico.

A pesar de ser un hecho escénico controlado y delimitado por sus propias características, fue desbordado en un momento por un publico atento y respetuoso que siguió sus detonantes en este espacio público, aunque no falto por ahí un reclamo airado que se perdió en su propia circunstancialidad.

Nueve voces,  Nueve cuerpos que a través de esta idea de este caleidoscopio urbano trazado por el experimentado coreógrafo Arturo Garrido van dibujando en lo que pareciera unos deshiladas escenas  fragmentadas por su propio accionar, pero que más allá de serlos,  se vuelven pivotes de este entramado articulado en donde el mismo pulso del danzar lleno de ludismo, cachondería  propia de esta entidad latina, se hacen eco en sus matices y sus propios clímax.
 

Al ser explicado por el mismo coreógrafo que todo  parte de la premisa de que alguien que se sitúa en la calle y ve que lo que pasa alrededor de ella y es visto desde el lenguaje de la danza. "Todo dentro de una búsqueda de una identificación desde una perspectiva como mexicano y latinoamericano. Así como un posicionamiento frente al mundo. Crear un canto latinoamericano".

 

Ofrecen sin cortapisas, no velar el entorno mismo creado a las posibilidades del cuerpo urbano presentes en la incertidumbre, la soberbia, el protagonismo, la guerra, el indocumentado trazados desde su propio vértigo, su mismo pulso estético y confrontarlo desde su propio detonante, claro, sin olvidar todo este bagaje de la imperante cultura popular.

 

Carreras vertiginosas en contraposición de la espera, el adiós sin hacer a un lado el humor y el desenfado, el apabullante bulling de la soledad, el hacer rapel mas que como escape, el rutilante anhelo y  sin más preservar en la mente del espectador como el dardo en la diana: de una forma contundente.

Una mera convención para hacer patente el hojaldre de capas de movimientos que, al unísono o a partir del colapso y la contradicción se suscitan potenciales encuentros  en la construcción de su persona al instante de la convivencia, a la voluntad de la danza, de su danza.

 

A  pesar de que los retos son mayúsculos ante la temporalidad e indiferencia ante este hecho escénico por muchos de los que pasan, se paran, existe su contrapeso, tocar a la gente, captar nuevo público. Pues no deja de ser una paradoja que en un país que baila, donde sus habitantes se apropian de calles y avenidas para celebrar su libertad a través del cuerpo, los escenarios estén cada vez más vacíos. 

 

Por cierto, la pregunta predominara por buen tiempo, ante una omisión. ¿ En donde quedo el busto dorado de la Mtra. Lila López que se entrega en cada función?.

Se busca...

 

La danza actual, a la deriva: Jairo Heli, coreógrafo, bailarín e investigador mexicano.

En la actualidad, los adeptos a la danza carecen de cimientos. A algunos ni siquiera les interesa saber en dónde están las raíces de su quehacer, ni quiénes fueron sus precursores. El responsable de esta reflexión es Jairo Heli, coreógrafo, bailarín e investigador mexicano que llegará a la ciudad para encabezar la conferencia “Genealogía de la danza mexicana, generación en confusión”, que se llevó a cabo el viernes 26 de julio en la Sala Higinio Ruvalcaba del Ex Convento del Carmen.

 En dicho encuentro, Heli, director artístico de la productora de espectáculos Arte Crisol A.C., abordó dos temas: el primero tiene que ver con la historia de los pioneros de la danza mexicana, cuya labor, desde su llegada durante la Revolución Mexicana, conformó las características de esta actividad en la actualidad.

 Con igual importancia, el segundo tema que abordó será la problemática por la que pasan, a veces sin darse cuenta, muchos maestros y bailarines que han perdido el conocimiento del origen de su trabajo: de dónde vienen las técnicas, las líneas de desarrollo artístico, cuál fue la aportación de los maestros, entre otros aspectos.
 

 Jairo Heli, quien también es productor y guionista, proveniente de una familia amante del teatro y de la danza, creció conviviendo con algunas teorías y escuchando las charlas entre sus padres y los personajes con los que se relacionaban. Después, cuando ya era un adolescente, investigó en libros y por medio de entrevistas directas con personajes como Amalia Hernández, Guillermina Bravo, Josefina Lavalle, entre otros, que formaron el movimiento que ahora conocemos como danza mexicana.

 “Actualmente, México no tiene una personalidad propia en cuestión de la danza, porque no nos interesa saber de dónde venimos o no lo sabemos. Muchas veces le echamos la culpa a los sistemas culturales del Gobierno, pero más bien estamos mal desde la raíz nosotros como artistas. Si no sabemos de dónde venimos, muy difícilmente vamos a tener una personalidad propia y vamos a seguir copiando formatos europeos, norteamericanos, orientales”.

El bailarín, que formó parte del ballet folklórico de Amalia Hernández, comentó que en los años sesenta y hasta los ochenta, la danza mexicana tuvo un gran apogeo de la influencia que quedó del nacionalismo. Sin embargo, muchos de responsables de esa situación después fueron maestros de coreógrafos que optaban por la danza contemporánea y la clásica, pero con un toque mexicano.

“No hay espectáculos grandes que México exporte, porque realmente estamos reproduciendo ideas de otros países que no lo van a consumir porque lo hacen ahí. Tiene que ser algo original. También es por eso que hago el análisis. Es una conferencia para informar, pero también es para analizar hacia qué rumbo vamos y qué repercusión podemos tener como comunidad”.

PERFIL

 

Originario de Cuautitlán Izcalli, Estado de México, Jairo Heli nació en un entorno de la danza folclórica donde recibió sus primeras instrucciones del maestro Amado García. A lo largo de su carrera ha realizado estudios de ballet contemporáneo, jazz, hip-hop, tap, flamenco y africano tanto en México como en Estados Unidos con figuras como Miguel Vélez,  Rafael Zamarripa, Marco Silva, Nelly Happe, Desmond Richardson, Brian Friedman, entre otros.

 Inició su carrera profesional con el ballet folclórico de México de Amalia Hernández, agrupación  con la que recorrió las principales ciudades y teatros de Asia, Europa, Estados Unidos y Sudamérica.
 

 Desde 1998 ha dirigido a más de 13 compañías de danza en México y Estados Unidos. También ha realizado más de 50 coreografías que se han presentado en el Palacio de Bellas Artes, el Teatro Degollado y algunos otros espacios de Estados Unidos.  
 

A lo largo de su carrera ha realizado conferencias y cursos sobre la danza mexicana en universidades y organizaciones de danza en Estados Unidos.

Falleció Fernando Alonso, gloria del ballet cubano

 

El afamado Premio Nacional de la Danza y fundador de la Escuela Cubana de Ballet y del Ballet Nacional de Cuba, Fernando Alonso Rayneri, falleció hoy a los 98 años de edad, en el Hospital Cardiovascular de La Habana.

 

Su cadáver será expuesto a partir de las nueve de la noche y hasta las doce del mediodía de mañana, en el vestíbulo de la sala Avellaneda del Teatro Nacional.

 

El sepelio será en la Necrópolis de Colón, a las 3:00 p.m., de este domingo.

 

La cultura cubana y el pueblo en general lamenta la pérdida de quien fuera maestro de maestros y gloria del ballet. Llegue a sus familiares y amigos las más sinceras condolencias.

Síntesis biográfica

De procedencia burguesa, Fernando Alonso se desarrolló en un ambiente donde se cultivaban la música y el deporte. Fue el hijo mayor del matrimonio de una pianista concertista y un contador de una empresa norteamericana.

 

En su niñez recibió clases de violín, estudió la enseñanza primaria en un colegio católico, y la secundaria en Alabama, Estados Unidos, donde practicó el fútbol americano y la gimnasia.

 

Acostumbraba a pasar sus vacaciones de verano en La Habana. En diciembre de 1931 asistió a la primera función de la Escuela de Baile de la Sociedad Pro Arte Musical y quedó prendado del ballet, que, según él: “recogía la música y el ejercicio físico, sus dos pasiones“.

 

Un año después asistió a la presentación de “La bella durmiente del bosque”, y quedó impresionado por la joven bailarina Alicia Martínez (Alicia Alonso). Su afición por la danza creció cuando su hermano menor, Alberto Alonso Rayneri, ingresó en Pro Arte, al poco tiempo.

 

 

Fernando y Alicia Alonso

 

En 1935, culminados sus estudios secundarios en Estados Unidos, regresó a La Habana y decidió comenzar estudios de ballet en la Escuela de la Sociedad Pro Arte Musical, presidida entonces por su madre. Allí realizó su debut escénico al año siguiente con el ballet “Claro de luna”, junto a Alicia Alonso, y entre ambos surgió el amor de inmediato. De ese debut se hizo eco la prensa cubana, quien lo describió como un joven esbelto, fuerte y con grandes facultades como bailarín.

 

A pesar de que su empleo en una oficina comercial británica le producía dividendos, decidió abandonar la estabilidad laboral para dedicarse completamente a la danza. Regresó a Estados Unidos para preparar su matrimonio con Alicia, efectuado en 1937 en la ciudad de New York. Al año siguiente nacería Laura, la única hija de ambos.

 

En Estados Unidos continuó estudios en la academia del bailarín ruso Mijail Mordkin y bailó con su compañía en giras por el país. Actuó además en Broadway en comedias musicales.

 

También realizó estudios en la School of American e integró en 1939 el American Ballet Caravan. Al año siguiente integró el elenco del Ballet Theater of New York (hoy American Ballet Theatre), llegó a alcanzar el rango de solista e interpretó como tal “Pedro y el lobo”, de Adolf Bolm y “Tres vírgenes y el diablo”, de Agnes de Mille. Del mismo modo, interpretó el Mercuccio, en “Romeo y Julieta”, de Anthony Tudor, y participó en los ballets de Balanchine, Fokine, Dolin, Nijinska, Massine y Robbins.

 

Su interés por desarrollar el ballet en Cuba lo hacía regresar a su país cada año, para colaborar con el Ballet de la Sociedad Pro Arte con la interpretación de papeles principales.

 

Para la Sociedad montó en 1945, junto a su entonces esposa, Alicia Alonso, el ballet “Giselle”, representado en el teatro Auditorium (hoy Teatro Auditorium Amadeo Roldán).

 

El 28 de octubre de 1948, en unión de Alicia y Alberto, fundó el Ballet Alicia Alonso (hoy Ballet Nacional de Cuba), que dirigió hasta 1974.

 

Fundador de la Escuela Nacional de Ballet en 1962, fue su director hasta 1968. En ella preparó las bases de la metodología de la enseñanza del ballet cubano y sus primeros planes de estudios, en coordinación con Alicia Alonso y bailarines del Ballet Nacional de Cuba.

 

Fernando Alonso ha impartido clases en Rusia, Francia, Bélgica, Bulgaria, Canadá, Estados Unidos, México, Colombia; en las más importantes compañías, escuelas y academias.

 

En 1975 fue nombrado Director del Ballet de Camagüey y en 1992 de la Compañía Nacional de Danza de México, país en el cual permaneció hasta 1998. Allí alternó su trabajo de director de compañías con el de maestro de diversas instituciones, como el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Universidad Autónoma de Nuevo León.

 

Como bailarín, su última actuación, la realizó en el año 1956 en una función pública en el Stadium de la Universidad de La Habana.

 

 

Merecedor de innumerables  premios y distinciones en Cuba y en el mundo, algunos son:

•     Doctor Honoris Causa del Instituto Superior de Arte
•     Orden Félix Varela de Primer Grado
•     Premio Nacional de Danza, en Cuba
•     Medalla Conmemorativa del Bicentenario del Teatro Bolshoi de Moscú, en Rusia
•     Premio Benois de la Danza, también en la capital rusa.

(Con información de Cubadebate y EcuRed)