SLP será sede del 17º Festival de Monólogos .Teatro a una sola voz

Con la finalidad de contribuir en la promoción y difusión el arte teatral en México, el Gobierno del Estado a través de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, hacen extensiva la invitación al “17º Teatro a una sola voz – Festival de Monólogos”, que llevará a cabo el Centro de las Artes de San Luis Potosí, del 02 al 08 de agosto en el Teatro Polivalente y en el Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa del Instituto Potosino de Bellas Artes.

El gobierno encabezado por Ricardo Gallardo Cardona, trabaja a favor de un desarrollo cultural que incida verdaderamente en la formación integral de mejores ciudadanos por lo que se organizan este tipo de actividades culturales en colaboración con la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, donde además participan diferentes estados de la República Mexicana, en dos circuitos regionales con 7 montajes cada uno.

De esta manera San Luis Potosí recibirá este festival teatral inaugurando este martes 02 de agosto, en el Teatro Polivalente, con la presentación de “Un acto de comunión”, de Lautaro Vilo, a cargo de la Compañía Antón Araiza, bajo la dirección de Julio César Luna; el miércoles 03 de agosto se presenta “Matrioskas: reivindicación del silencio transgeneracional”, de Re-volver escena (Pach., Hgo.), con la dirección de Eréndira Gutiérrez; y el jueves 04, del estado de Guanajuato, la Compañía Líquido Colectivo presentará el unipersonal “Prisa”, bajo la dirección de Alfredo Ávila.

El festival continuará sus presentaciones en el Centro de Difusión Cultural del IPBA, el viernes 05 de agosto con la presentación de “Tesoros”, de La Jauría Teatro (Xal., Ver.), con la dirección de Martín Pérez, para posteriormente ceder el escenario a “Crónicas improbables en la vida de Tom, a partir del encuentro con una gallina intergaláctica”, autoría y dirección de Agustin Morgan, a cargo de la compañía La Talacha (Xal., Ver.), el sábado 06 de agosto.

¡Que viene el lobo!, de la compañía Mondomeraki (CDMX), se presenta en el Teatro Polivalente, el domingo 07 de agosto, con la dirección de Luisa Fernanda Aguilar;  al igual que “El banquero anarquista”, autoría de Luis Mario Moncada, con la dirección de David Hevia, a cargo de Hevia & Co (CDMX), quienes serán os encargados de cerrar el telón del Festival de Monólogos, el lunes 08 de agosto. Para conocer los horarios de las presentaciones y toda la información sobre el Festival de Monólogos, se invita a  consultar en las redes sociales oficiales del Centro de las Artes y el Teatro Polivalente. 

"Olvidadas", el origen de los feminicidios en México narrado en un podcast

EFE

Desvelar todo lo que está detrás de los feminicidios en México es lo que llevó a Mónica Ortiz y Oz Woloshyn a investigar el origen de estos crímenes machistas que empezaron a reportarse a inicios de los 90 en Ciudad Juárez y que han aumentado de manera exponencial con el paso de los años.

Esas historias, relatadas originalmente en inglés por Ortiz y Woloshyn, están plasmadas en "Olvidadas: Las muertas de Juárez", un podcast que a lo largo de diez capítulos hace un recorrido por 30 años de historia y cuenta en español, de la mano de las periodistas Rossana Fuentes Berain y Sandra Romandía, el vínculo del crimen organizado con estos asesinatos que ocurren bajo la mirada y la venia de autoridades corruptas.

Una trama cuyos tentáculos llegan hasta grandes corporaciones, fuerzas de seguridad y bancos.

Además, reivindica el esfuerzo y valor de las familias de las asesinadas, especialmente de sus madres, que desde hace años se han organizado y persisten en la búsqueda de los cadáveres de sus hijas desaparecidas en la frontera con Estados Unidos. Una lucha que continúa pese al paso del En una entrevista con Efe, Fuentes Berain asegura que las historias que se cuentan en este podcast, al que se puede acceder en la plataforma Podimo, son indispensables para comprender todo lo que sucede en México y por qué después de tantos años y de numerosas sentencias internacionales, los feminicidios no hacen más que aumentar.

"Algunos de los casos de los que hablamos han concluido, pero otros no y creo que permite a la gente acercarse a esto como algo que sucede en la historia de México", señala.

LOS ASESINATOS EN JUÁREZ

En el producto sonoro se cuenta cómo los miembros de las bandas organizadas escogían a las víctimas, generalmente jóvenes de familias pobres. Las capturaban cuando salían de sus casas hacia el instituto o al trabajo, en la ciudad fronteriza de Juárez. Luego de secuestrarlas, abusaban sexualmente de ellas, las asesinaban y días o semanas después dejaban sus cuerpos en el desierto.

"El fenómeno dio lugar al término feminicidio, el asesinato de una mujer por razones de género, el cual suele ir acompañado por un conjunto de acciones de extrema violencia y contenido deshumanizante contra mujeres y niñas. Juárez se convirtió en el lugar más peligroso del mundo para ser mujer", explica Fuentes Berain en el primer capítulo.

Al principio, las autoridades policiales y judiciales trataban los asesinatos como casos aislados, pero gracias al trabajo de investigación y periodístico y, lamentablemente al aumento de los crímenes, se descubrió que había un patrón.

Según relatan las periodistas, en 1995 se encontró una primera fosa común de mujeres asesinadas. Un año después, en 1996, se localizó otra, y apareció una tercera en 2001. Por este último caso, el de las jóvenes Claudia Ivette González, Esmeralda Herrera Monreal y Laura Berenice Ramos Monárrez, cuyos cuerpos aparecieron en un campo algodonero de Ciudad Juárez, México fue sentenciado por la Corte Interamericana de Derechos Humanos (CorteIDH).

En el podcast se detalla cómo las autoridades buscaban chivos expiatorios y no realizaban investigaciones adecuadas para encontrar a los verdaderos responsables de los feminicidios.

"La violencia es la primera herida -de México-, la segunda es la revictimización y la tercera la impunidad. Los niveles de impunidad son altísimos, cercanos al 100 %", agrega Fuentes Berain.

IMPLICACIÓN DEL MOVIMIENTO FEMINISTA

Pese a que los feminicidios no cesan en México, pues en promedio 11 mujeres son asesinadas cada día, Fuentes Berain destaca la gran implicación del movimiento feminista en la lucha contra la impunidad y el olvido.

"Eso da un poco de esperanza dentro de una sensación agridulce, porque seguimos viviendo. Las mujeres seguimos saliendo a trabajar, las mujeres seguimos acompañándonos, seguimos siendo solidarias unas con otras", resalta.

Un ejemplo de ese compromiso, agrega, se demostró tras el asesinato de Debanhi Escobar, una joven del norteño estado de Nuevo León cuyo cuerpo fue hallado a finales de abril en una cisterna de un motel cercano al lugar donde un taxista la dejó y le tomó una fotografía que se hizo viral. Su caso ha reencendido la indignación y ha dado lugar a varias protestas en todo el país para pedir justicia.

Y llama a apoyar a las madres y a las organizaciones que están llevando los casos a nivel internacional, especialmente porque lo que empezó en Ciudad Juárez ya ha traspasado fronteras locales y regionales.

"No se puede olvidar a las muertas de Juárez porque tenemos recordatorios vivos en todos los estados de la República. Y ciertamente sus familiares no las olvidan. Lo que hay que hacer como mecanismo de supervivencia es seguir adelante. Hay que vivir sin olvidar", sostiene.

Exhiben legado de amistad y memoria en el Museo Nacional de Arte

Por: Juan Carlos Talavera

De las nueve mil piezas que alberga la colección del Museo Nacional de Arte (Munal), poco más de 3 mil podrían ser trasladadas a la Bodega Nacional de Arte, que estará ubicada en la Cuarta Sección de Chapultepec, en especial aquellas obras de gran formato y que no requieran de algún tipo de restauración. 

Así lo detalló a Excélsior, Carmen Gaitán, directora del recinto, quien ayer participó en el recorrido previo a la apertura de la exposición Carlos Pellicer. Amistad y memoria, muestra que exhibe 200 óleos, dibujos, esculturas y fotografías de personalidades como Diego Rivera, Joaquín Clausell, Roberto Montenegro, Nahui Olin, Dr. Atl, Manuel Álvarez Bravo y Armando Salas Portugal, entre otros. 

La muestra, que forma parte de la colección del poeta tabasqueño Carlos Pellicer Cámara (1897-1977), integrada por 2 mil 77 obras, donadas a la Secretaría de Cultura federal en enero pasado por el sobrino del poeta, Carlos Pellicer López, permanecerá expuesta hasta el 28 de mayo de 2023. 

La exposición, que sirve para celebrar el 40 aniversario del Munal, incluye las pinturas de volcanes hechas por el joven Gerardo Murillo, Dr. Atl, así como Estudio para Katharsis, de José Clemente Orozco; Abrazo equino, de Juan Soriano; Mujer de pie y Pescador de mariposas, de Roberto Montenegro; Loma verde, de Joaquín Clausell y obras del duranguense Mario Alonso Ostolaza, quien ha sido poco estudiado, junto con fotografías tomadas por el propio autor y fragmentos de cartas y poemas. 

Así como dos bastidores que contenían los óleos Luces sobre el lago (1894) y Velasco y su condiscípulo Luis Coto escuchando indicaciones del maestro Landesio (1871), de José María Velasco, sustraídos de la casa del poeta, en 1976, y siguen desaparecidos hasta el día de hoy. 

“Hace 46 años robaron 10 cuadros de la casa del poeta, en Sierra Nevada 779, Lomas de Chapultepec, así que colocamos los bastidores vacíos de ambos cuadros grandes que le robaron a mi tío, ya que cortaron la tela del bastidor, la enrollaron y se la llevaron en octubre de aquel año”, apuntó Pellicer López. 

LLUVIA ÁCIDA 

Excélsior también preguntó a Gaitán sobre los trabajos de mantenimiento y la instalación de la velaria que ha despertado algunas críticas. 

“El mantenimiento es permanente y se detecta desde que se toma la administración y se trata de atender lo antes posible. Muchas veces no es con la prontitud que uno quisiera y hay que esperar, porque el INBAL se hace cargo del patrimonio artístico no sólo del Munal, sino de muchos otros inmuebles”, expresó la funcionaria. Detalló que en este momento se realiza la sustitución del sistema de aire acondicionado del recinto. “En el año 2000 se hizo la gran renovación (del Munal) y se instaló un gran servicio de aire acondicionado, pero con el tiempo perdió su eficiencia y es una de las cuestiones que solicité al INBAL, de tal suerte que me dieron la posibilidad de recibir 3.5 mdp y yo conseguí, a través de un donativo privado, 1.5 mdp, así que ahorita se está trabajando en su reparación en todo el edificio”. 

También refirió el tema de las filtraciones: “Nos dimos cuenta que las goteras de las salas 1, 2 y 3 era muy complicado detectarlas, hasta que pudimos dar con un plomero de complexión delgada que pudo introducirse en los pasos de gato y se detectó que las tuberías, que son muy añejas, tenían un pequeño desfase”, lo que provocaba las filtraciones. “Hoy, por fortuna, gracias al maestro Daniel, ya están arregladas esas tuberías y ya no tenemos (filtraciones)”, detalló. 

Sobre la velaria, aseguró que llevan un 80% de la instalación y que podría estar concluida en noviembre próximo. “Es un proyecto del patronato y será importante porque, como me explicaba José María Bilbao, el director de arquitectura del INBAL, la lluvia ácida y abundante, junto con el calor, caen sobre las cornisas y hacen que la cantera se empiece a hacer como un polvorón (desmoronar), debido a los contrastes de temperatura y de la lluvia ácida. 

“Entonces, lo que él me dice es que a la hora que llueva y se cierre la velaria, ésta impedirá que esa lluvia potente afecte la caída de pequeñas porciones que ha habido, que se han desprendido”, justificó.

"Desde el caparazón de la Tortuga" en el Lila Lopez

Fotografías:  Gabriel Ramos / Secretaría de Cultura SLP

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Ya son los últimos pasos de esta tradicional dinámica de correr de un teatro a otro,  en esta fiesta de la danza de verano,  como en su momento fue reconocida y que se extrañaba.

Hoy fue uno de estos días en que llegas con calma y a tiempo a la función en la explanada de la plaza del  tradicional Barrio de San Miguelito en  esta capital potosina,  en donde se presenta la propuesta escénica " Desde el caparazón de la Tortuga" Una coproducción  de Danza Joven de Sinaloa & Danza Visual, bajo la dirección de Patricia Marín y Leonardo Beltrán.

Un grupo de chicas ensayan con tal dedicación una coreografía, acá un silencio total y sin ningún referente de que se esta viviendo el  festival. Silencio total.

Si desanima un poco el dar cuenta de muchas sillas vacías, como esta falta de atención y respeto tanto a los creativos escénicos como quienes destinan su tiempo para disfrutar de esta experiencia transdisciplinaria que conjuga danza, teatro, ópera, música en vivo, artes visuales y circenses, al incidir en reconectar  con nuestras infancias bajo esta mirada de esta adaptación de este clásico literario como es Momo, que narra como una niña que aparte de este don muy especial que tiene no sólo con escuchar consigue que los que están tristes se sientan mejor, los que están enfadados solucionen sus problemas o que a los que están aburridos se les ocurran cosas divertidas junto a sus tres entrañables amigos: Beppo, el barrendero paciente, Giggi, el soñador incansable; y Casiopea, la tortuga milenaria que se encarga de administrar el tiempo. Pero que de repente, la llegada de los hombres grises va a cambiar su vida.

Es a través del mirar y el compartir estos imaginarios llenos de esta magia que invitan a salir de este presente, para entrar a esta intemporalidad gracias a una obra muy bien adaptada,  muy dinámica y que tiene lugar a diversos momentos que te mantienen atento, te hace viajar, sentir, te hace reflexionar la creatividad y por tanto detonar estos imaginarios en movimiento, como son la utilización de elementos; como este trozo de madera que se convirtió en esta nave, este barco, esta escoba, así como el trasformar el escenario en este banco, en este transitar de unos desaforados hombres grises por una carretera, como esta profundidad del mar, siempre bajo la mirada de la ancestra tortuga que da testimonio de estas  "historias fantásticas, pero verdaderas".

A pesar de esta ausencia de estos hombres grises, háblese de  los responsables del Festival,  fluyó gracias a la empatía de un  público que dio cuenta de saberse ser parte del Festival Lila López gracias a este salvoconducto que fue el fanzine -Amor de San Luis-.

Es de agradecer a la co- creación de: Rogelio Marín ( tenor), Tiffany Orozco,  Edelyn Zatarin, Carlos Zamora, Mario Cázares, Leonardo Beltrán, Nina Zamora y Andrea Luna.

La música original es de Rogelio Marín, el diseño de iluminación de Carolina Jiménez y el vestuario de Aurelio Palomino.

El cual se conjuga con esta oportunidad de ser invitado a ser testigo de estos bellos procesos creativos del Taller Morando el nido. Habitar la escena para los primeros años, impartido por la Mtra. Azalea López, quien brindó de estas herramientas para la creación de obras / espectáculos  a través de estas experiencias significativas para su desarrollo, como seres humanes tanto para niñas, niños y niñez, al ser parte de los talleres que se llevaron a cabo en esta XLII edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López.

Así como un agradecimiento a los técnicos en el sonido y demás artilugios que resolvieron en el momento, como al público asistente.

La Compañía Nacional de Danza de México clausurará el XLII Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López”.

Este sábado 30 de julio, el Festival Internacional de Danza Contemporánea en su XLII edición, cerrará actividades con la presentación de la compañía colombiana Cortocinesis con su espectáculo “Volátil: recitales de la desaparición” bajo la dirección de Vladimir Ilich Rodríguez, en el Teatro Polivalente a las 17:00 horas. 

Sobre esta presentación, la compañía Cortocinesis refiere que volatilizar es un verbo que se refiere a un cambio de estado, de forma, de consistencia. Lo que queda de lo que desaparece, lo que desaparece de lo que queda. Es un estado limbo que, cómo una ligera capa de seda es frágil atravesar, pero una vez del otro lado no regresas más. Es una cuerda de guitarra que amenaza romperse tras cada nota y no deja de llorar. Es una oscuridad perenne que no puede evitar el alba y ataca de nuevo con el crepúsculo. Y sobre todo es carne. La carne que se niega a desaparecer porque aún irreconocible, tiene sus surcos y sus cicatrices que continúan contando historias fragmentadas, emergentes a pesar del olvido. Desaparecer es el amor que se va, es el cuerpo que no veo más, es el amor que se queda sin cuerpo o el cuerpo que se queda vacío, sin el amor.

En Matehuala, se presentará Danza Joven Sinaloa & Danza Visual procedente del estado de Sinaloa, con el espectáculo “Desde el caparazón de la tortuga”, una agrupación que ha tenido fuerte presentación durante esta semana dentro del festival en varios puntos de San Luis Potosí.

Y será la Compañía Nacional de Danza de México, quien bajo la dirección de Elisa Carrillo y Cuauhtémoc Nájera, presentarán el espectáculo de clausura de la edición 42 del Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López, en el Teatro de la Paz a las 20:00 horas.

Al respecto, con las piezas All long dem day del coreógrafo alemán Marco Goecke, Por vos muero del exponente español Nacho Duato, Romanza del maestro estadounidense James Kelly, Miliano y Planimetría del movimiento de la creadora escénica y bailarina de la CND Irina Marcano, la compañía se suma a la edición XLII del Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López”.

Con el desarrollo de estas actividades culturales que están por concluir, Gobierno del Estado muestra su interés en democratizar la cultura, masificarla y hacerla llegar a todos los potosinos y potosinas, porque es con la cultura y las artes como se puede fortalecer el espíritu, porque un espíritu fuerte es capaz de resistirse a las tentaciones que ofrecen la violencia y la delincuencia.

“Brundibár”: ópera que narra cómo los niños saben superar las adversidades

Algunos de las niñas y niños cantores del Faro de Oriente que participan en “Brundibar”, en el Teatro Julio Castillo.

Por: Reyna Paz Avendaño

La historia de cómo el trabajo en equipo, la solidaridad y la empatía puede sobreponerse a las adversidades e injusticias, es el argumento de la “Ópera “Brundibár” que a partir de hoy y hasta el 21 de agosto presentarán los 35 niños cantores del Faro de Oriente en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

La ópera compuesta por Hans Krása y con libreto de Adolf Hoffmeiste –escrita durante el Holocausto− estará acompañada por una orquesta de cámara y por el cantante Arturo López Castillo. Las funciones serán sólo sábados y domingos a las 12:30 horas.

“Los niños cantores del Faro de Oriente es un proyecto gratuito, es un coro comunitario ubicado en el Faro de Oriente, en la periferia de la alcaldía Iztapalapa, en sus límites con el Estado de México, es una zona compleja socialmente hablando. Es un proyecto gratuito y tenemos niños desde 8 hasta 17 años”, platica Tania Nicté Espíndola, directora del coro.

¿Cuánto tiempo llevan los niños en el coro?, se le pregunta. “La mitad llevan alrededor de 5 años, durante pandemia algunos crecieron y otros cambiaron de domicilio, pero cuando nos llegó esta propuesta había que tener un coro nutrido para que dieran el sonido que se requería, entonces abrimos convocatoria en febrero y se integraron nuevos niños, algunos tienen más experiencia y otros empezaron desde cero”, responde.

La Ópera Brundibár relata la historia de dos hermanos que necesitan comprar leche para su madre enferma, pero no tienen dinero y para conseguirlo deciden imitar a Brundibár, el organillero del pueblo, sin embargo, él no los deja. Con la ayuda de animales y de otros niños, logran cantar y juntar el dinero para la leche,pero Brundibár volverá a molestarlos.

“Es difícil que haya óperas para niños, la traductora Irina Chytra nos contaba que es muy difícil que se haga este tipo de montaje y estaba muy contenta que regresara a los escenarios. Nosotros nunca habíamos hecho ópera, si trabajamos música de concierto, canto coral infantil que son canciones con cierta dificultad, varias veces cantamos con orquesta, pero ópera como tal nunca habíamos hecho”, detalla Nicté Espíndola.

El trabajo con los niños, añade, ha sido complejo. “Vocalmente es muy demandante porque hay que tener un sonido potente y para ello nos preparamos con clases de técnica vocal; desde abril hemos trabajado, han sido cinco días de la semana, cinco horas diarias y el estudio personal de cada niño”.

¿Cómo han tomado los niños el argumento de la obra?, se le pregunta. “A los niños les gusta el tema de cuestionarse situaciones autoritarias, de adultos contra los niños, que el pensamiento de los niños es muy válido y también les gusta defender las causas”, indica.

Nicté Espíndola platica que después de que los niños cantores se aprendieran la ópera, realizaron unos dibujos sobre la historia y ahora esas creaciones serán parte de la escenografía.

Los niños cantores del Faro de Oriente son uno de los 200 semilleros creativos que impulsa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura a través de la coordinación del Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM).

¿DÓNDE VER LA ÓPERA BRUNDIBÁR? En el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Reforma y Campo Marte (atrás del Auditorio Nacional), del 30 de julio al 21 de agosto. Duración: 40 minutos. Recomendable para público de 5 años en adelante. Boleto $80

Momias de Guanajuato se quedan sin museo

Por: Andrés Guardiola

La cancelación del Nuevo Museo de las Momias es el resultado del acato de la ley, afirmó la regidora morenista Paloma Robles Lacayo, quien recordó que la sola construcción del edificio que lo albergaría y, dado su diseño, ponía en peligro la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Humanidad de la ciudad de Guanajuato.

"Seguramente el presi­dente municipal (Alejandro Navarro) está acostumbrado a ejercer presiones y ofre­cer estímulos para persuadir a las autoridades para que evadan los procesos. El go­bierno federal hizo su trabajo y está en acato estricto a la ley”, presumió Robles.

Dijo que Guanajua­to podía haber perdido su nombramiento porque se pretendía que el museo– centro comercial, se cons­truyera en la zona núcleo de la ciudad. Además, la Coor­dinación Nacional de Monu­mentos Históricos del INAH notificó, a través de un oficio, que nunca recibió una solici­tud de autorización por parte del gobierno local.

"El gobierno municipal tampoco registró la deuda ante la Secretaría de Hacien­da y Crédito Público, es decir, era un proyecto plagado de irregularidades, una impo­sición, un absurdo, y lo más sano era desistirse de él”, ponderó Robles Lacayo.

El martes pasado, el al­calde panista de Guanajuato, Alejandro Navarro, anunció la cancelación del proyec­to del Nuevo Museo de las Momias, y acusó al gobier­no federal de obstaculizar su desarrollo

Elisa Carrillo: “Si la música me conmueve, en automático quiero bailarla”

Por: José Juan de  Ávila

La música ha acompañado a Elisa Carrillo toda su vida a la par que la danza, a tal grado que, para ella, ambas disciplinas artísticas siempre van unidas; y si escucha algo que la conmueve, lo quiere bailar.

La primera bailarina del Ballet Estatal de Berlín interpretará la música de Maurice Ravel en la exclusiva coreografía de 1961 de Maurice Béjart, en la quinta edición de Danzatlán y décima de su gala Elisa y Amigos, con lo que se convierte en una de las pocas artistas en el mundo con ese privilegio.

México recibe a ocho ganadores del Benois de la Danse

La premio Benois de la Danse 2019, además de la música de los ballet clásicos, lo mismo ha bailado con la canción de Nina Simone Sinnerman para la coreografía de Marco Goecke All long dem day, que conciertos para cello de Antonio Vivaldi en el pas de deux de la Amorosa, de Ricardo Graziano, o con música electrónica de los DJ CitadinoSon y Gebrüder Teichman en la pieza Cero Tolerancia de la coreografía de Yeri Alarika #The_Wall con que inauguró Danzatlán 2022 el pasado sábado 23 de julio.

Aun música de compositores contemporáneos como John Adams está en el repertorio de Carrillo, con la pieza de Goecke And the Sky on that Cloudy Old Day. O barroca, de Arcangelo Corelli y Alessandro Scarlatti, en el Arcángelo de Nacho Duato, que bailó con su esposo Mikhail Kaniskin. O la de Dmitri Shostakovich, en Kazimir’s Colours, homenaje de Mauro Bigonzetti, a otro ruso, pintor, Kazimir Malevich.

“Siempre he estado muy abierta a todo lo que es música. Y cuando algo me conmueve, automáticamente siento que debo bailarlo”, señala Carrillo en entrevista en vísperas de sus galas en el Festival Internacional Danzatlán, junto con otros cuatro Benois de la Danse (Marcelo Gomes, Lucía Lacarra, Herman Cornejo y Kimin Kim), que para la danza es considerado como el Nobel o el Oscar.

“Simplemente escucharla y sentir si me transforma o me hace sentir algo. Claro que hay danza sin música, pero, para mí, ambas tienen que estar juntas, porque la música nos ayuda a expresarnos de otra manera, es otro tipo de movimiento, otro tipo de conexión con tu corazón, con tu mente. Me pasa que a veces cierro los ojos y escucho algo y siento cómo mi cuerpo tiene el deseo de decir algo. Siempre hay una conexión. Cuando escucho una música que me mueve, sé que que me gustaría interpretarla. Si oigo algo que no está en ninguna coreografía, digo que me gustaría que se hiciera algo con esa música. “Puede ser cualquier tipo de música, no tiene que ser clásica, puede ser contemporánea o que está de moda; a veces hay canciones que me gustan y que quisiera en algún momento poder bailarlas. Creo que es una conexión que tengo con la música, como todos los seres humanos, y que hay música que verdaderamente te conmueve y te ayuda a sacar las emociones que llevas dentro. La música es parte de mi vida, de todo lo que hago; es importante y es básico para mí tenerla para poder expresarme”, refiere. Bolero Un ejemplo de está conexión que tiene con la música es justamente Bolero, la pieza orquestal de Ravel, para la cual consiguió los derechos para poder interpretar la coreografía que le hizo Maurice Béjart. “He escuchado Bolero toda mi vida. Es una pieza maravillosa, muy famosa, que siempre que la he escuchado me hace vibrar. Es una música muy bella, a todos los seres humanos nos hace vibrar”, subraya Carrillo, que la interpretará en las galas del 31 de julio, en el teatro Morelos, de Toluca, y el 1 de agosto, en la sala de conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, de Texcoco. “Ahora, tener la oportunidad de expresar el Bolero de Ravel con el movimiento es algo maravilloso. La experiencia de aprender la coreografía, de profundizar, cada paso, cada movimiento, el por qué, cómo se llama cada sección, cómo se tiene que hacer, y todo lo que Maurice Béjart quería del bailarín, es algo que me ha ayudado mucho a comprender y a digerirlo y meterlo en mi cuerpo y llegar a tener el momento de sentir que es tuyo, de que puedas tener esa conexión”, dice la estrella internacional mexicana, formada en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Inbal y actual codirectora de la Compañía Nacional de Danza con Cuauhtémoc Nájera desde principios de 2019. View this post on Instagram A post shared by Elisa Carrillo Cabrera (@elisacarrillocabrera) Comenta que durante toda su carrera, que empezó en la adolescencia, vio en televisión o videos las interpretaciones del Bolero de Béjart de gente como la estrella del Ballet Bolshoi Maya Plisétskaya o el más famoso bailarín argentino del siglo XX, Jorge Donn, o la primera bailarina del Ballet de la Ópera de París, Sylvie Guillem, también premio Benois de la Danse como Carrillo. “Tuve la oportunidad de ver la coreografía de Bolero por primera vez en vivo en Bélgica, con la bailarina española Elisabet Ros, de Barcelona, única mujer de la compañía de ballet de Béjart que lo baila. Fue impresionante. Esa magia que me hizo sentir ver la pieza en televisión, en grabaciones, creció aún más al verla en vivo. Y me di cuenta que sí tenía esa fuerza que yo ya había sentido en esos videos, pero en vivo eran algo más maravilloso, aún más grande”, relata la premio Alma de la Danza. “La música te guía, la música es tan maravillosa que te va guiando hasta llegar a la cúspide de esta coreografía, y en conjunto es una mezcla maravillosa. Ha habido varias versiones de Bolero, es algo maravilloso cómo se van conjugando las cosas. Esa pieza, que es tan representativa, puede transformarte a ti misma. Y dentro, cuando uno escucha la música, hay un punto donde es tan grande, que llegas a los extremos de tu parte psíquica, de tu parte mental, y al final, como con la pieza, termina muy fuerte y sacas todo de ti”, concluye sobre la coreografía que interpretará con 40 bailarines hombres. Te recomendamos... Isaac Hernández: “Despertares posiciona a México en el mundo” Bellas Artes, la última parada del Ballet Nacional de España en México​.

-Re- naciendo- del Ballet Provincial en el Lila López

Fotografías: Gabriel Ramos/ Secretaría de Cultura SLP.

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Una primera imágen. esta flor naciente, pulsante de Cactus, de la Mtra. Lila López que sin más nos remite  a su Ballet Provincial de San Luis creado en el año 1964, llega ahora al foro del Centenario Teatro de la Paz, con un “Renaciendo", en esta XLII Edición del Festival de Danza Contemporánea Lila López.

Un título que sin más remite al volver estar, el volver a esta fuerza necesaria y  reanimar esta memoria colectiva después de dos años de este con- vivir en esta pandemia, como este regreso al salón de ensayos, como este punto de encuentro y reflexión no solo con los procesos creativos que se recuperan a través de estas  miradas y que ahora permean y se hacen presente en este histórico escenario. 

Como lo comentará en su momento la Mtra. Carmen Alvarado, directora del Ballet Provincial:  "Seguiremos bailando... porque el Ballet Provincial crecerá y seguirá creciendo... porque mientras exista alguien que tenga el amor por la danza este grupo seguirá y este festival también”.

En esta  noche de este "arte en movimiento", el Ballet Provincial de San Luis ( BPSL) que en este 2022 cumple 58 años de trayectoria ininterrumpida, siendo uno de los primeros grupos de danza contemporánea en la provincia mexicana, ofreció un programa integrado por un estreno y arropado por tres coreografías que integran su repertorio contemporáneo.

Se abre el telón del Coloso de Villerías con el estreno de la obra -Distopia- de Jaqueline López.

Una pieza en donde queda registrado este anhelo, este imperante devenir de estas entidades en-criptadas, en donde la represión y el placer de generar esta posibilidad de una posible salida a pesar de estar en  estado de alerta, pero se queda solamente en esta impronta de esta in- cesante movilidad. Siendo así una de las más interesantes piezas de la noche.

Para continuar con estas obras de  coreógrafos invitados:

The Memory of Light (Bob & I, 2019) de Fernando Domínguez & Xavier Hernández.

Una obra que plasma  esta búsqueda de estas capacidades expresivas en estos jóvenes bailarines, a partir de las cuales genera una coregrafía que plantea de una forma puntual, esta falta de interrelación/comunicación orgánica-humana debido a estas nuevas tecnología, celular entre los jóvenes. 

Ánimo (2019). Una coreografía de Julio Morel, plena y envolvente , congratulada con esta frescura, esta fuerza y esta energía vital de los intérpretes, que la hace volverse empática y plena algarabía tanto visualmente como energéticamente.

Y cerrar este renacer,  con la pieza "Arma Lilac" de Fernando Domínguez.

Una pieza que es la suma del sostenimiento de esta composición escénica,  que sin más evoca a todos los “Veteranos de Lila”, sí?, aquell@ s bailarines que han formado parte de este imaginario dancístico de la Mtra. Lila López.

Al utilizar los integrantes de la compañía estos movimientos pulsados, de tal exactitud  que nos remite a estas bandas de guerra secreta en Europa, especialmente las suecas.

Dando lugar al despliegue de una coreografía de gran intensidad a partir de una serie de secuencias de movimientos sostenidos, a partir de los cuales se busca esta replicación con tal efecto,  llevándolos más allá de la anécdota y al terreno del diálogo de dos estilos. Lo militar y la danza.

Un solo cuerpo sentido, emocionado y gozando en y para si mismos y así descubrir de este encanto tepsicoriano.

Es de reconocer este gran trabajo y dedicación de esta nueva generación de jóvenes intérpretes que integran esta decana compañía.

“Es en los jóvenes donde nos perpetuamos, en los que nuestro trabajo tiene la posibilidad de continuar; aunque se geste en otra mentalidad y se desarrolle con otro estilo, es en la misma danza que trasciende al tiempo y se eslabona de generación en generación. Por estas razones, desde lo más íntimo de la conciencia estética, nos preguntamos ¿quiénes somos?, ¿a dónde vamos?, ¿de dónde venimos? ”. Lila López.

Un aplauso abrazador, sentido de un público que reconoce el trabajo, el respeto de y para la danza  a través de estos procesos creativos expuestos en este escenario, el cual fueron correspondidos de igual manera a este corpo de bailarines  con nombres: Daniela Aranda, Katia Barrenechea, Julián Fuentes, Olivia García, Danielle García, Jade García, Víctor Guevara, Karla Hernández, Xiadani Leija, Angélica López, Ángel Márquez, Avril Mejía, Paloma Montiel, Laura Pacheco, Fernanda Torres, Pablo Valdés, Paula Sánchez y  Montserrat Zamarrón, bajo la dirección de la Mtra. Carmen Alvarad, como David Arredondo  en la iluminación.

Como dijera la Mtra. Lila López “Gracias querido público potosino por haber llenado el vaso de mi esperanza, yo estaré siempre aquí en espíritu en este festival, muy de ustedes, muy de nosotros, muy mío, muy de San Luis Potosí”.

El Ballet Provincial es una compañía enmarcada dentro de la libertad que ofrece la danza contemporánea. Sosteniendo la creencia de que el arte es el camino más directo para ir configurando la fortaleza en aquellos seres sensibles que emanen expresiones del espíritu; donde vivir sea soñar y sentir.  Así, el Ballet Provincial es hoy y siempre símbolo de entrega total al arte de la danza, al contar con un repertorio de más de 50 coreografías originales.

Apuntes breves sobre un hermano caminante, Arturo Garrido

Por: Javier Contreras

Muchas cosas admiro y aprecio de Arturo Garrido –su talento coreográfico, su pasión analítica, sus empeños políticos, su escritura poética-, pero, sobre todo, lo que me hace respetarlo hondamente es su conmovedora congruencia ética. En este sombrío período histórico en el que la globalización capitalista nos agrede de manera brutal con su modelo depredador, tanático, afincado en el despojo, y que en el terreno subjetivo busca acorralarnos en el cinismo o la desesperanza, Arturo se mantiene radicalmente leal a sus apuestas éticas. Es un ciudadano de izquierda, vale decir, alguien que no teme hacer explícito que sus muchos esfuerzos tienen la intención de construir desde ya maneras de socialidad y de afectividad alternativas a las propias del capital. Para él es verdad que “otro mundo es posible” y, en consecuencia, guía la diversidad de sus labores en la perspectiva de contribuir a edificarlo.

Artista latinoamericano –porque aunque nació en Ecuador, hace tiempo que es mexicano y hace tiempo también que piensa, actúa y crea de manera global de cara a las realidades compartidas y complejas de la Patria Grande-, Arturo me parece un buen discípulo –en el mejor sentido de la palabra- de César Vallejo y de José Carlos Mariátegui. Del primero, porque también arraiga su experimentación artística en una gran capacidad empática, en un saberse con los otros, en una suerte de ternura en lucha, no plañidera sino dignificante; del segundo, por su disposición a pensar nuestras circunstancias políticas, sociales y culturales adaptando y produciendo conceptos desde y para las características específicas latinoamericanas, que es nuestra manera particular de pertenecer a la categoría geopolítica sur en el sentido en el que la formula Boaventura de Sousa Santos: todos los mundos que tienen que ver con los saberes, los afectos, los deseos, las luchas, las resistencias de quienes son –somos- atribulados por el capitalismo y la colonización y por las múltiples formas de la opresión.

Desde este lugar sureño, y con base en su afán de congruencia, Arturo desarrolla una amplia labor de creación que comprende tanto la composición coreográfica como la organización de seminarios, tanto la participación en luchas políticas y sociales como la programación en su espacio independiente –la Guarida del coyote- de expresiones escénicas alternativas, tanto la escritura reflexiva como la como la poética, tanto el sostenimiento de una radio independiente como las tareas docentes, tanto la vida pública como la privada. Arturo es una expresión de eso que la investigadora Rebeca Mundo llama “poéticas ampliadas”, es decir, esa forma de asumir la creación artística como parte de la poiésis social libertaria global, como actividad total que se vive en la acción compartida, en la correspondencia y coincidencia de los pares. En este sentido, si bien Arturo respeta y cultiva la especificidad discursiva artística, no la piensa ni la ejerce como experiencia autónoma, desligada de la experiencia colectiva. Arturo y sus colaboradores artísticos –y especialmente su inteligente e independiente compañera Alejandra- se saben y se eligen en el mundo, en la vida, en la lucha. A lo dicho, hay que agregar que Arturo –por eso mi referencia a Mariátegui y a de Sousa Santos- ha asumido que existen varias temporalidades en las diversas historias sociales, varios recorridos, que no pueden encajonarse en el esquema simple de “modernidad vs posmodernidad” o de “atraso vs vanguardia”. En este sentido, Arturo no está preocupado por ser contemporáneo gracias a una “acertada” adhesión a un paradigma estético dominante, sino que más bien se ha esforzado en la búsqueda de una enunciación artística propia, autónoma, en el que dialoguen diversas temporalidades discursivas articuladas en obras y proyectos concretos. Esto le permite viajar de lo “moderno” a lo “conceptual”, de lo “individual” a lo “colectivo”, de lo “subjetivo” a lo “abstracto”, de lo “político” a lo “personal” de una manera libre, sin ninguna tributación a estéticas normativas o a las compartimentaciones habituales de la experiencia. Y me parece que, además, un rasgo definitorio de su enunciación coreográfica es el de que siempre se la ejerce desde la conciencia y el compromiso de ser un yo-tú y un yo-nosotros. A mi juicio, en un primer período de su producción coreográfica, este arraigo en los sujetos colectivos que somos y nos constituyen se expresaba en las “anécdotas” referenciales del mundo social representado (por ejemplo, las huelgas en Ecuador, la lucha revolucionaria en El Salvador, la agresión estatal a los jóvenes en México), mientras que en la actualidad este afincarse en la primera persona del plural (que incluye la subjetividad individual) se expresa más en el escrutinio de arquetipos del imaginario popular que portan una gran complejidad afectiva (no me parece casual que una de sus últimas obras escénicas esté inspirada en Rulfo).

Y en todos los momentos de su producción escénica, la valiente y dignificante apuesta ética.

INTRA procedimiento para resurgir" de la compañia INDOMITA Danza Teatroen el Rino

Las Invitadas del Rino, presenta: "INTRA procedimiento para resurgir" de la compañia INDOMITA Danza Teatro  (GDL). Este 30 de julio a las 19:00 horas.

Es un tratado estético sobre la introspección en la soledad. Plantea el tránsito por un camino que nos lleva de regreso al origen de la vida en búsqueda de lo esencial. Coloca la mirada hacia nuestro interior, devela nuestra deformidad, nos provoca espanto; no obstante, es la senda para depurar lo que hemos acumulado en los devenires del mundo reduciéndonos a lo indispensable.

INDÓMITA danza | teatro, basa su trabajo en la observación del fenómeno intergeneracional y entiende la inclusión de todas las personas en el entorno socio-cultural como un derecho a la belleza.

Por lo que esta labor de creación de obras, de provocar laboratorios de investigación corporal-relacional y de transferencia de conocimientos escénicos, está dirigida a provocar experiencias vivas desde y para el cuerpo que resuenen en personas de cualquier edad

En donde se cuenta con todas las medidas de higiene

#VamosAlRino.

Teatro El Rinoceronte Enamorado se encuentra en Carlos Tovar #315, Zona Centro.

“PUNTO Y LINEA": Espectáculo para primeras infancias en el Rino

Las Invitadas del Rino, presenta: un espectáculo para primeras infancias “PUNTO Y LINEA" (GDL) de la compañía INDÓMITA Danza Teatro en colaboración con colectivo de Teatro en Espiral. En una única función, este domingo 31 de julio a las 13: 00 horas.

Un pequeño zumbido, un pequeño punto de sonido que nace del silencio para después de un pequeño contacto, extenderse a través del espacio, convirtiéndose en dos largas líneas que invitan a jugar .

Al término de la función: charla-presentación de la App “Carisma” para bailar, vibrar e inventar. 

INDÓMITA danza | teatro, basa su trabajo en la observación del fenómeno intergeneracional y entiende la inclusión de todas las personas en el entorno socio-cultural como un derecho a la belleza.

De hay que su labor de creación de obras, de provocar laboratorios de investigación corporal-relacional y de transferencia de conocimientos escénicos, está dirigida a provocar experiencias vivas desde y para el cuerpo que resuenen en personas de cualquier edad.

Se recuerda que esta función se realizan con todos las medidas de higiene que exige las autoridades sanitarias.

Teatro El Rinoceronte Enamorado se encuentra en Carlos Tovar #315, Zona Centro.

Prepara Cultura Municipal “3er. Encuentro de Folklore SLP – Edomex – Veracruz”

El H. Ayuntamiento de San Luis Potosí, a través de la Dirección de Cultura Municipal, apoya el talento local y promueve la relación cultural entre estados de la República y este domingo 31 de julio a las 6 de la tarde organiza el “3er. Encuentro de Folklore San Luis Potosí – Estado de México – Veracruz”, el cual es convocado por el grupo potosino “Xochitonal”.

El evento se realizará en Plaza de Armas, frente a la arquería de Palacio Municipal, y se contará con la participación del grupo anfitrión, así como bailarinas y bailarines de grupos provenientes de Veracruz y el Estado de México.

El grupo local “Xochitonal” fue fundado en el año 2014, como una iniciativa de jóvenes estudiantes, amas de casa, mujeres y hombres insertados en la vida laboral, quienes tenían el objetivo de ocupar sus ratos libres en actividades artísticas y recreativas, preservando el baile tradicional mexicano.

Dirigido por el profesor Marco Antonio Ibarra Puente, tiene en su trayectoria diversas giras por varios estados de la República Mexicana como lo son Mexicali, Baja California, Mérida Yucatán, Veracruz, Chiapas, Michoacán, Jalisco, Hidalgo, México, Puebla, Sonora, entre otros.

Dichas giras han dado como resultado el vínculo y relación con agrupaciones de todo el país, lo que permite a la ciudad de San Luis Potosí ser sede de dicho encuentro de folklore convocado por el grupo “Xochitonal”, el cual es apoyado por la Dirección de Cultura Municipal.

Greta Rico, feminicidio y madres sustitutas

Fotografía de Greta Rico

Por: Juan Carlos Talavera

La fotodocumentalista Greta Rico, ganadora con The Wo­men Photograph+Leica Grant por el proyecto Madre susti­tuta, detalla a Excélsior que inició este proyecto luego de que su prima fuera víctima de feminicidio, en el Estado de México.

"En ese momento, mi pri­ma era mamá y, a partir del funeral, vi que era necesario dimensionar lo que sucedía después de un feminicidio”.

La fotógrafa reconoce que hoy en México se habla más del tema, aunque “no nada más tendríamos que hablar sobre la preocupante y cre­ciente ola de violencia con­tra las mujeres, sino también de lo que pasa después, con la violencia y la discriminación para niños y niñas huérfanos por feminicidio, así como para las mujeres que se quedan a cargo de ellos”, comenta.

"Algo interesante es que, según las investigaciones que he realizado en los últimos años, en el 98% de los casos son las mujeres quienes se quedan a cargo de estos niños y niñas. Suelen ser sus tías, sus abuelas o alguna mujer de la familia que, literal, se apiada de niñas y niños”, apunta.

De acuerdo con las pesqui­sas de la fotodocumentalista, cuando en los ministerios pú­blicos se tipifica un feminici­dio, nunca se pregunta si era madre, lo que significa que la familia debe arreglar quién se quedará con niñas y niños.

¿Cuál ha sido la ruta de este trabajo documental? “Prime­ro hablé con mi prima, porque me pareció una historia que teníamos que contar, porque era algo de lo que no se esta­ba hablando”.

"Entonces, le propuse que hiciéramos el proyecto juntas, que les tomaría fotos y segui­ría, de manera cercana, cómo se iban acoplando a la diná­mica de madre e hija. Mi pri­ma es una mujer soltera, que vivía sola, viajaba, salía con sus amigas y tenía su proyec­to de vida. Ella quería salir del país y buscar un mejor traba­jo, pero tuvo que detener todo para maternar y hacerlo de la noche a la mañana. En ese momento mi sobrina tenía tres años y mi prima se tuvo que acoplar”, relata.

De momento, el proyecto ha documentado los efectos del feminicidio en su prima y su sobrina, aunque desde hace meses trabaja con más mujeres. “La beca servirá para financiar el siguiente capítulo de Madre sustituta, donde ya serán muchas más mujeres”, por ejemplo, niños que en los años 90 quedaron huérfanos, porque mataron a su mamá, y hoy son adultos”.

Finalmente, Greta Rico ex­plica que, con sus fotografías, quisiera generar conciencia social sobre el tema del fe­minicidio y sus efectos. “Veo notas que relatan cómo hay mujeres se están haciendo cargo de esas infancias, desde una lógica muy romantizada, pero lo que quiero dejar claro es que éstas no son historias de amor”, concluye.

Conversatorio, como presencia local, nacional e internacional en el sexto día del Lila López

Desde las 11:00 horas., de este jueves 28 de julio, iniciarán las actividades en el marco del XLII Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López, con la realización del conversatorio “Arturo Garrido, una danza de incesantes contrarios” en la Sala Flavio F. Carlos del Teatro de la Paz, con la participación de Jorge Izquierdo, Serafín Aponte, Alejandra Mendoza y Laura Rocha.

En el municipio de Salinas, se presentará Danza Joven Sinaloa & Danza Visual procedentes del estado de Sinaloa, con el espectáculo “Desde el caparazón de la tortuga” bajo la dirección de Patricia Marín y Leonardo Beltrán, a las 19:00 horas en el Teatro de las Artes de este lugar.

En el Teatro Polivalente del Centro de las Artes, se presentará la compañía César Brodermann & Performers procedentes de Israel, con “Borderline” bajo la dirección de César Brodermann, a las 17:00 horas. Borderline es la más reciente creación del bailarín, coreógrafo y cinematógrafo mexicano César Brodermann. En este nuevo estudio del cuerpo, cinco intérpretes de tres continentes distintos nos sumergen en un espacio donde observamos sus relaciones, la distancia entre ellos y quienes los observan. Es una pieza contemplativa que busca disolver la separación entre el individuo y su comunidad; confrontando al espectador con sus propias fronteras y poniéndolo al filo del abismo para que pueda responder a la pregunta: ¿podemos disolver nuestros propios bordes para finalmente ser libres?.

Dentro del programa Piezas para espacios abiertos, se presentará Arte Altiplano & Danzul Studio de Matehuala con la función “Cazadoras de astros” bajo la dirección de Ricardo Loera, al respecto, dicen que inspirados en la obra de Remedios Varo, música y coreografías fueron creadas para representar los conceptos y la visión que la artista tenía sobre las mujeres, la sociedad y la realidad;  y Año Cero de San Luis Potosí, presentará “Mujer” (fragmento)  bajo la dirección de David Ocaranza, a las 18:00 horas, en las escalinatas del Teatro de la Paz.

A las 19:00 horas, en este mismo espacio, se presentará Rocío Reyes, Nuevo León, con la obra “Ensayo sobre la introducción”; y, el Colectivo de Juguete on Danza-Radio & Crónico Arte Lúdico de Xalapa, Veracruz, presentará “Dados” bajo la dirección de José Luis González Vallejo, Braulio Escamilla y Jorge Córdoba.

Finalmente, a las 20:00 horas., en el Teatro de la Paz, se presentará la compañía Delfos Danza Contemporánea, de Mazatlán, Sinaloa, con el espectáculo “Vientos de cambio” con una coreografía de Xitlali Piña y Víctor M. Ruiz.

Con mural en el palacio municipal de SLP, el artista Miguel Meléndez rinde homenaje a edificios del Centro Histórico

Por: Xochiquetzal Rangel

Con colores que resaltan el trabajo artesanal de la cantera que forma la estructura de los inmuebles históricos de la ciudad capital de San Luis Potosí, Miguel Ángel Meléndez le da vida a próxima sala, que se inaugurará el 4 de agosto, de las oficinas de Turismo Municipal dentro del Centro Cultural Palacio Municipal.

En un lienzo de madera de seis por tres metros y medio, a través de la técnica de dibujo “Urban Sketching”, Miguel traza diversas líneas quedan vida a cinco monumentos históricos que se ubican en el primer cuadro de San Luis Potosí, como lo son el edificio central de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, el Teatro de la Paz, la cúpula de la Catedral, la Caja de Agua y el Palacio Municipal.

“Representa nuestro patrimonio de la ciudad, los edificios tan bellos que tenemos”, comentó Meléndez, aunque precisó que la unión de estos edificios simboliza la Cultura, Religión, Sociedad civil, Educación y el Gobierno.

Para la selección de colores, el autor, dijo que para diferenciar este mural de algunos otros en donde también se retratan inmuebles históricos de San Luis Potosí, prefirió homenajear a la cantera, debido a que de manera personal le gustan las distintas tonalidades de la cantera que dan vida a los edificios.

Por ello, optó por utilizar contrastes en tonos rosas, café, morados y sepias, para destacar los matices de las variaciones que hay de la cantera potosina; además, dijo que de esta forma también se visibiliza que, “según la hora del día, cambian los tonos y los contrastes de la ciudad. Nuestra ciudad es muy bonita porque se puede disfrutar a cualquier hora y podemos disfrutarla de diferente manera”.

El potosino, originario del Barrio de Tequisquiapan, comenzó a trabajar en el mural a manera de performance, por lo que durante casi cuatro días pintando, los transeúntes que pasaban por los arcos de Palacio Municipal podían observar a través de las ventanas el avance de la obra.

Al respecto, Miguel comentó que muchas de las personas se detenían a descifrar cuáles eran los edificios que estaba plasmando, así como que le daban palabras que lo motivaron para seguir con su creación.

A la gente le llama la atención y van identificando los edificios. Esto va a servir como una obra educativa y para los turistas, va a ser muy bueno porque cuando vengan aquí y todavía no visiten ninguno de los elementos que está aquí y se les va a asesorar para que puedan ir con una mayor referencia de los atractivos que se van a encontrar”, dijo.

Miguel, es un apasionado de la pintura que, desde hace 45 años, se dedica a realizar obras, bocetos y pinturas principalmente del espacio urbano. Es diseñador gráfico, pero de manera empírica se especializó en el dibujo urbano.