jueves, 28 de julio de 2022

Isaac Hernández convoca al talento joven de México



El bailarín mexicano Isaac Hernández (1990), llevará su proyecto Despertares Impulsa este año a Nuevo León, en donde impartirá la conferencia Vivir con propósito, abierta a todo público.

El mejor bailarín del mundo de 2018 indicó que el 31 de julio, en Monterrey, compartirá su experiencia de vida para convertirse en una de las principales figuras artísticas, poniendo en alto el nombre de México.

También ofrecerá dos clases magistrales enfocadas a bailarines de nivel intermedio y avanzado, las cuales tendrán un cupo de 60 bailarines cada una. Los interesados deberán registrarse para la selección y notificación.

Hernández, de 32 años,  se inició en la danza gracias a su papá quien también es bailarín “Uno de mis maestros fundamentales ha sido mi padre, quién me enseñó la técnica y fue lo que me permitió seguir creciendo y aprendiendo otros estilos”.

Respecto a cómo se prepara para dar una clase magistral, dijo: “trato de combinar esta clase no sólo con contenido técnico, sino también con experiencias y anécdotas que les puedan servir en un futuro a los jóvenes”.

miércoles, 27 de julio de 2022

Proyecto Coyote, Barro Rojo, Julia Barrios y concurso de solista se presentan en el Lila López

                                                                                        

El día de hoy miércoles 27 de julio, continuará la presentación de Lila Talks, como espacio encuentro y reflexión en torno a la danza contemporánea, en la Sala Germán Gedovius después de la presentación de “Antígona” una coreografía de Arturo Garrido, a cargo de Proyecto Coyote, un función en memoria del maestro Arturo Garrido.

También se presentará Barro Rojo Arte Escénico con la coreografía “Paisaje interior” bajo la dirección de Laura Rocha, a las 20:00  horas, en el  Teatro de la Paz.

Proyecto coyote se expone como una propuesta escénica alternativa que se distancia de los conceptos y corrientes de moda, para adentrarse en el espíritu profundo de nuestra cultura.

Por su parte Barro Rojo Arte Escénico, no sólo se preocupa por llevar a escena obras con una estructura narrativa correcta y cuerpos bien formados que atrapen la vista del espectador. Además, se plantea la posibilidad de ser portador de la realidad del país que habita. De esta forma, pretenden evidenciar que la danza, como el arte en general, también debe cumplir con una función social.




A las 17:00 horas, se presentará Julia Barrios, de la Ciudad de México, con “Open-Close Solo” en el Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa. Basando la investigación en la condición del espectador como co-creador de la obra, se le pide a la audiencia abrir (OPEN) y cerrar (CLOSE) los ojos cuando al intérprete indique, lo cual implica la visibilidad parcial de las acciones llevadas a cabo en el escenario. El espectador se ve envuelto en una experiencia cinematográfica que enfoca su atención en sus sentidos. La intérprete, además de guiar la tarea otorgada al público, interactúa con una larga cuerda roja, así como su vestimenta roja con las que sólo se relaciona cuando el público no ve lo que sucede en el escenario.




Y a las 18:30 horas, se llevará a cabo la VII Competencia Internacional de Unipersonales Lila López, en el Teatro Polivalente del Centro de las Artes San Luis Potosí.

Entre la línea y el espacio. La Compañía Serpiente Danza, en el Lila López

 

Fotografías: Gabriel Ramos/ Secretaría de Cultura SLP

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Ante la pregunta de la importancia que tiene la línea y el espacio en la danza, la respuesta inmediata será como algo dado y hasta obvio por aquellos que viven con y para la danza, o el ser simplemente transitado bajo esta  correspondencia que insmiscuye a lo corporal en el simple espectador.

Da la bienvenida una línea tendida a lo largo de esta segunda calle del foro Teatro Polivalente del CEART que corta el espacio de una manera tan poco convencional y con tal contundencia.

Es tal su sobriedad, al  ser desplegadas estas posiblidades no solo espaciales sino este entramado geométrico a través de estas "líneas permutables" que sin más permite generar diferentes sensaciones inquebrantables y que justamente inquieren en esta reflexión que aborda con tal pertinencia el espacio,  en donde le apuesta esta compañía dancística radicada en Michoacán a este "espacio evanescente", que es en si muy cercana a la arquitectura, "en donde se construye  un espacio  y de inmediato se deconstruye sincrónicamente con la danza, en donde la danza apenas sucede, ya que es parte del pasado".

Por lo cual no hay que olvidar que "la recta esta atravesada por el cuerpo y el lenguaje de la pieza tiene que ver con marcar estas líneas y como en el cuerpo esta hecho de líneas, pero si algo no podemos definir puntualmente en el cuerpo son las líneas, no hay una línea completamente recta en el cuerpo del ser humano, entonces jugamos a esta simbología de lo recto a través del movimiento y le apostamos  a estar habitando e inhabitando espacios durante toda la pieza", comenta Abdiel Villaseñor Talavera, bailarín y co- director de La Serpiente.

En momentos, los bailarines crean este sentido de contención a través de como interactuaban y modificaban la permuta esencia de la línea que es sustentado en este tiempo en el infinito, que en este sentido es su relación con el tiempo, ya que con esta apropiación, disociación y esta traslación / trasposición del tiempo de la cual también se reflexiona.

De hay que es "una línea que no tiene punto, que no tiene un principio y fin,  una línea recta que después también se vuelve en una dimensión curva, los vectores se vuelven oblicuos, ondulantes"

A partir de estos trazos básicos, se despliega una línea sobre este plano del espacio y a partir de una línea se pueden generar  estas poéticas, ya que a su vez pueden ser muy poderosas en los imaginarios de los espectadores, al  dejarle también este campo de apertura para la interpretación sensible de un espectador.

"Ya que no parte de una narrativa literal en que la pieza se enuncie con una frontera cerrada, sino al contrario es un punto de partida para que los espectadores tengan una directriz  por la cual interpretar la pieza".




Un proceso de crear / recrear estas imágenes que abren esta capacidad de proveer un cúmulo de momentos de mayor sensibilidad imaginativa que se va creando en el momento.

Es como el público degusto la propuesta escénica  “Estudio sobre la línea" de la coreográfa Laura Martínez de Compañía La Serpiente Danza dirigida por Abdiel Villaseñor Talavera* y Laura Martínez Ayala.

Co creadores: : Liliana Rosales Merlos, Francisco J. Esqueda Plascencia, Francisco J. Ponce Orozco y Abdiel Villaseñor Talavera* 

Composición sonora: Pedro Vargas Madrigal

Diseño de iluminación: Aurelio Palomino

*Beneficiario del Programa Creadores Escénicos con Trayectoria 2020-2023 del Sistema de Apoyos a la creación y proyectos culturales.

Dice Arturo Garrido Puga: El envejecido canon del prestigio



Por:  Alejandro Schwartz

Recuerdo que a fines de los años setenta, cuando eran muy pocos los grupos independientes, (Expansión 7, Forión ensamble, Alternativa,) y a principios de los ochenta (Andamio, Barro rojo, Contradanza)

Los prejuicios institucionalizados que desde Ballet nacional y el propio INBA hacían, instrumentando la palabra “Calidad” como medio para descalificar los conceptos y formas que las nuevas generaciones de bailarines hacíamos; Fue superado por el reconocimiento inevitable de que los tiempos habían cambiado y que nuevos discursos, formas e ideas, poblaban la escena dancística de México.

Pienso que hoy nos enfrentamos de igual manera a la necesidad de poner en cuestión los conceptos institucionalizados de “prestigio” y “trayectoria”.

Al margen de los espacios regulares por los que transitan estos conceptos; se expande un territorio poco frecuentado por quienes designan lo prestigioso y nombran, calificando las trayectorias.

Recordando viejas discusiones afines de los setenta, adelanto esta reflexión:

El Premio Nacional al igual que otros, representan el reconocimiento a la trayectoria artística de una vida. Y son muchos los artistas de gran trayectoria que lo merecen. Por lo que pienso que es fundamental sumar otras consideraciones como: la situación de seguridad social y económica de quienes dando su vida a la danza hoy están en situación de carencia. Por otra parte, creo que es importante también cambiar el ángulo de visión, de los conceptos naturalizados de lo “prestigiado, celebre o famoso, a otros que puedan ver aquello, que “no se mueve en los espacios publicitados” del prestigio institucional, sino en otros espacios, inclusive los subterráneos y marginales que han dado aportes significativos a la danza, fuera de los espacios legales, publicitarios o corporativos; alumbrando experiencias, conceptos, formas y vidas consagradas a una pasión que transita fuera y al margen de las visiones legalizadas.

Alejandro Schwartz. Bailarín. Coreógrafo. Nació en el puerto de Veracruz en 1949. Perteneció a la Compañía Titular de Danza de la UV y a la Compañía Ballet Clásico de México del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Miembro del Ballet Clásico de México; Ballet Clásico 70; Compañía Nacional de Danza Clásica y del Ballet Contemporáneo de Xalapa, de la UV. Bailarín invitado con el Ballet de Cámara Stagium de Sao Paulo, Brasil y con el Ballet Contemporáneo de El Salvador. Director del Taller Coreográfico de la Facultad de Danza de la UV. Premio Nacional de Bellas Artes de Coreografía (1985). Fundador del Grupo Independiente de Danza Contemporánea Módulo. Director de la Facultad de Danza de la UV, en Xalapa (1980-86 y 1991-1994). Fundador, con Roberto Peredo, del Centro de Información Documental e Investigación (CIDI). Director de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea (Ciudad de México,1994-2000). Asesor de la Dirección General de Difusión Cultural de la UV. Director del Centro Cultural Atarazanas del IVEC. Director del Centro Veracruzano de las Artes “Hugo Argüelles”.

Cine Mexicano Contemporáneo en la Cineteca Alameda



La Cineteca Alameda proyectará a partir de este 28 de julio y hasta el 03 de agosto de 2022, dos reconocidos filmes mexicanos “La Danza del Hipocampo” y “Te Nombré en el Silencio”. 

Con este tipo de actividades culturales, el Gobierno del Estado busca incidir en los jóvenes para que ocupen su tiempo y se alejen de la vagancia y la delincuencia a través del acercamiento al séptimo arte.

El documental mexicano “Te Nombré en el Silencio” (2021), del director José María Espinosa, se presentará en sala de la Cineteca Alameda. El filme que narra la historia de dos mujeres que dos veces por semana salen con pico y pala en mano, en busca de sus hijos, se presentará los días jueves 28 de julio a las 18:20 horas, viernes 29 de julio a las 20:10 horas, el sábado 30 de julio a las 18:20 horas, el domingo 31 de julio a las 20:10 horas y finalmente el 03 de agosto a las 18:20 horas. 




Se presentará la película “La Danza del Hipocampo” (2014) de la directora mexicana Gabriela Domínguez el jueves 28 de julio a las 20:10 horas; viernes 29 de julio a las 18:20 horas; el sábado 30 de julio a las 20:10 horas; el domingo 31 de julio a las 18:20 horas y finalmente el 03 de agosto a las 20:10 horas. Representa un ensayo documental donde la memoria se fragmenta para revelarnos los personajes y los lugares donde se encuentran los orígenes del recuerdo. Cabe hacer mención que estos filmes son ganadores de diversos premios en México y el mundo.

Antes de cada función y como parte de la exposición del talento local en Cineteca Alameda se estará proyectando un cortometraje potosino. El costo de recuperación para poder disfrutar de estos filmes es de $40.00 pesos, entrada general y $25.00 pesos para estudiantes e Inapam, la venta de boletos será en taquilla física y también en línea a través del siguiente enlace https://arema.mx/@cinetecaalameda. En las redes sociales de Cineteca Alameda el público interesado podrá consultar detalles de cada película así como también la información en general de las actividades que se estarán llevando a cabo en próximos días. 

Clover Four en la “Noche de Museo” del Museo Leonora Carrington San Luis Potosí



La Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, invita al público en general a disfrutar la “Noche de Museo”, en el Museo Leonora Carrington del Centro de las Artes de San Luis Potosí, en una velada especial en la que se ofrecerá un concierto de clásicas del rock a cargo de la agrupación Clover Four; la actividad tendrá lugar este viernes 29 de julio de las 19:00 a las 23:00 horas.

Para el nuevo Gobierno, es fundamental facilitar como política cultural, el acceso a todas y todos los potosinos a las actividades culturales que fortalecen la unión en la comunidad y a las familias que la integran, para alcanzar la paz y una sana convivencia social.

Como una excelente oportunidad para asistir al Museo Leonora Carrington en horario nocturno, la 56ª. edición de la Noche de Museo ofrece además la posibilidad de realizar una visita libre por las exposiciones vigentes, en este caso “Panoramas Contemporáneos”, proyecto de investigación artística de alumnos de la generación 2018 - 2022 de la licenciatura en Arte Contemporáneo de la UASLP, así como la colección permanente del MLC.

La gala musical estará a cargo de “Clover Four”, una banda de rock local con un gusto por las oldies, que comprende varias décadas; conformada por Alex Leyva como cantante y guitarrista, Andrés Martínez en piano y coros, Fer López como corista y baterista, y Juan Carlos Contreras en el bajo, esta agrupación llevará a los asistentes a disfrutar un viaje en el tiempo a través de la música rock de los últimos 50 años.

La “Noche de Museo” del Museo Leonora Carrington San Luis Potosí es un evento para jóvenes y adultos, quienes también podrán disfrutar de los espacios abiertos del museo como el Patio del Gallo, el Patio del Desconocido y el Patio del Abrazo, donde están colocadas esculturas en gran formato que llevan el mismo nombre; además habrá venta de alimentos y bebidas, música y proyecciones. 

Boletos disponibles en www.leonoracarringtonmuseo.org/boletaje y en la taquilla del Museo.

Oxomaxoma, más de 40 años de exploración musical



Por: Yair Hernández

“Con la vibra al máximo”, así se siente José Álvarez ante la actualidad de Oxomaxoma, grupo mexicano que promueve el no quedarse en una zona de confort desde su génesis, en 1976 – aunque debutó en los escenarios hasta 1980 –, y que esta semana celebra sus más de 4 décadas de vigencia con un ciclo de conciertos en el Multiforo Alicia, donde participarán como invitados varios talentos de la nueva y vieja guardia musical.

Álvarez, fundador, voz y principal cabeza de este ensamble, que se define como “la solución de los sonidos imaginarios”, detalla que, creativamente, se encuentra a un “80-50 por ciento” de su capacidad, porque planea llegar con la banda “hasta el momento en que se termine la imaginación, hasta el momento en que la creatividad vaya desapareciendo”.

En entrevista con MILENIO, el músico recuerda sus años formativos escuchando a bandas como El Ritual, Peace and love y Los Dug Dug's. Después, en el bachillerato, conoció a Arturo Romo y gracias a gusto compartido por explorar sonidos comenzaron Oxomamoxa, un proyecto que va de “la exploración, de arriesgarse, de aventarnos a lo que venga”. 




Romo abandonó el barco en 2005 y José quedó como único responsable del timón, por lo que cimentó su tripulación con Rabdoll y Prosumer (Bishop). Desde entonces, “hemos estado trabajando dentro de una etapa de Oxomaxoma que podríamos decir que es industrial-electrónica”.

“Oxomamoxa ha tenido varias etapas: comenzó con la música aleatoria, luego por la música experimental y la creación de objetos, después la etapa rocker, de free jazz, de música étnica, música de fusión hasta llegar a lo actual, esta etapa de experimentación de la música electrónica, donde se ha creado la cuestión de la Patamúsica partiendo de la Patafísica del poeta y dramaturgo Alfred Jarry. Estamos en ese proceso, ahorita se vienen cosas muy interesantes en la banda”, detalla José.

El creativo ahonda en el concepto de Patafísica: “Es la solución de los problemas imaginarios, para darlo de una manera muy breve. Entonces, nosotros le damos la solución a los sonidos imaginarios”. Esto ha llevado a que en este periodo de Oxomaxoma premie el “no tomarse tan en serio las cosas”, que no quiere decir que la banda trabaje sin dedicación y calidad.

“Para nosotros es una diversión todo esto, no es una cuestión solemne. De ahí es donde estamos convergiendo en esta nueva etapa con Bishop, encargando de toda la maquinaria pesada, y Rabdoll, que está dentro de la guitarra tormenta. Vamos creando en base a esas ideas, de ahí están naciendo las canciones. Pero es eso: la diversión, no tomarse las cosas tan en serio”, agrega Álvarez.

Ciclo en el Multiforo Alicia

El músico destaca lo crucial que ha sido el espacio cultural ubicado en el 91-A de Avenida Cuauhtémoc, en la colonia Roma, para el desarrollo de la banda: “Ahí tocamos inicialmente. A Ignacio Pineda (gestor del Multifor) lo conozco desde chavos, nos conocemos de hace tiempo. Recuerdo, y él también lo recuerda, que en alguna ocasión le llevé una pacota de discos, hasta él me dice ‘Me acuerdo de esos disco que me prestaste’. En algún momento nos invitó a la inauguración de un lugar que se llamaba el Soviet, ahí en Reforma. Y luego a la inauguración del Alicia, un programa doble, ahí estuvimos presentes”.

Por eso, al finalizar esta serie de conciertos, José quiere “besar el escenario”. 

“Hay mucha gente de mucho talento. Hay gente que anda creando música muy interesante, por eso dentro de la programación de estos días; aparte de que invitamos a los amigos que estuvieron en alguna etapa, también hay de las nuevas generaciones: Gibrana Cervantes, Concepción Huerta, Ruido Horrible, Adriana Camacho. Hay gente que tiene mucho talento y fue de ‘Súbanse’. Es mostrar esas nuevas expectativas, esas nuevas propuestas musicales”, dice el vocalista sobre los invitados al ciclo.




Por último, José, que encontró el nombre de Oxomaxoma mientras buscaba palabras en un diccionario y se iba quedando dormido - "fue en un momento de duermevela, donde el tiempo se hace muy extenso, ahí me llegó" - confiesa qué siente al estar sobre el escenario, frente al público, compartiendo sus creaciones:  

“Yo me voy hacia mis adentros, porque las experimentaciones son en base a las emociones que vas sintiendo, al momento que vas escuchando la música. Yo me desprendo. Me acuerdo que una vez invité a unos amigos del trabajo y me dijeron: ‘Cuando estás en el escenario no eres el mismo, te transformas’. Y no sé si me transformo, pero me gusta vivir la música y transmitir esas emociones”.